Cursos e Seminários

Arte Contemporânea em Diálogo na Intermeios, São Paulo

Arte Contemporânea em Diálogo na Intermeios

Professores: Ananda Carvalho, Cecilia Salles, Christine Mello e Galciani Neves

A arte contemporânea propõe desafios instigantes. O Núcleo Intermeios de Crítica e Curadoria oferece uma série de encontros para debater aspectos da produção artística de nossos dias, como a não delimitação de mídias e linguagens, a diversidade de interações entre obra e processo e a descentralização de circuitos. Busca-se promover diálogos que abordem experiências do artista, da crítica e da curadoria.

O Núcleo Intermeios de Crítica e Curadoria (NICC) investiga uma perspectiva experimental para a crítica e a curadoria. Constitui-se como espaço de reflexão sobre tais práticas na arte contemporânea. Aborda a crítica a partir do debate sobre processos de criação como redes em construção: arquivos, registros e acompanhamentos críticos. Discute aspectos processuais da curadoria: proposição expositiva, curador como interlocutor, interações com artistas e instituições e desdobramentos críticos-curatoriais. Desenvolve também atividades expositivas e editoriais.

O núcleo é uma extensão dos Grupos de Pesquisa em Processos de Criação (PUC-SP) e Arte e Meios Tecnológicos (FASM) do CNPq.

26 de abril a 28 de junho de 2012; quintas-feiras, 19h - 21h30

Valor: R$ 280,00 (dois módulos), R$ 160,00 (um módulo), R$ 40,00 (por encontro).

Intermeios - Casa de Artes e Livros
Rua Luís Murat 40, Pinheiros, São Paulo - SP
11-2338-8851 ou joaquim@intermeioscultural.com.br
http://intermeioscultural.com.br/index.php

Programação

Módulo I
26/4 Redes da criação – Cecilia Salles
3/5 Arte em rede – Ananda Carvalho
10/5 Livros de artista - Galciani Neves
17/5 Percursos críticos e curatorais - Christine Mello

Módulo II
24/5 Acompanhamento crítico - Galciani Neves
31/5 Ampliações da experiência expositiva -- Christine Mello
14/6 Exposições online – Ananda Carvalho
28/6 Crítica dos processos criativos - Cecilia Salles

O Processo Criativo Módulo 01 com Charles Watson na ESPM/Sul, Porto Alegre

O Processo Criativo Módulo 01

Professor: Charles Watson

Porto Alegre recebe mais uma edição do curso O PROCESSO CRIATIVO de Charles Watson. O workshop completo consiste em três módulos complementares, porém autônomos. Cada módulo contém uma série de palestras provocativas ministradas em regime intensivo. Nos dias 12 a 15 de abril de 2012, a cidade recebe mais uma edição do MÓDULO 1.

Amplamente ilustradas com textos, vídeos e exercícios, e usando fontes das mais diversas disciplinas, as palestras do escocês Watson (as aulas são ministradas em português, com leve sotaque) demonstram que a semelhança entre as dinâmicas criativas supera a diferença entre as linguagens.

Talvez as atividades desempenhadas por médicos, arquitetos ou ilustradores não sejam tão diferentes entre si: em todos os casos há um problema, um bloqueio (ou vários) e motivação.
Charles acredita que entendendo os mecanismos que limitam a criatividade, podemos desenvolver estratégias que, ludicamente, contornam essas limitações. Não, o objetivo não é ensinar ninguém a ser criativo, mas provocar as pessoas para a reflexão sobre seus próprios processos de criação.

É considerado por muitos, incluindo o jornal O Globo, o principal professor de arte do país na atualidade. Charles Watson ministra cursos no Parque Lage / RJ e sob sua orientação passaram artistas como Adriana Varejão, Eduardo Berliner e Beatriz Milhazes. Desde 2004, o workshop “O Processo Criativo”, desenvolvido pelo professor, é recomendado pela University of the Arts London, responsável pelas faculdades: Camberwell College of Arts, Central St. Martins College of Art and Design, Chelsea School of Art and Design e London College of Fashion.

de 12 a 15 de abril de 2012.
quinta e sexta, 18h30 - 22h30; sábado e domingo, 14h30 - 18h30

Valor: R$ 450,00 (parcelados em 3x)
10% de desconto à vista = R$ 405,00.
Obs: Alunos da ESPM/Sul têm desconto e condições especiais. A apresentação de identificação do aluno da instituição é indispensável.

Inscrições
Koralle – Av. José Bonifácio 95 (rua do Brique), Porto Alegre - RS
51-3226-0265 ou processocriativopoa@gmail.com

Local do curso
ESPM/Sul - Auditório Humberto Campos
Rua Guilherme Schell 350, Porto Alegre - RS
51-3218-1300

PROGRAMA: MÓDULO I - OS FUNDAMENTOS

• INTRODUÇÃO / CONSIDERAÇÕES GERAIS / DEFINIÇÃO
• O CONTEXTO / O CAMPO SEMÂNTICO
• CRIATIVIDADE E LIMITES
• DICOTOMIAS DA INOVAÇÃO
• 10,000 HORAS / O LABORATÓRIO
• TALENTO / TRABALHO DURO
• MOTIVAÇÃO
• A ENGENHARIA DO ERRO
• SERENDIPITY
• ETAPAS INCIPIENTES DE ESTRUTURAS ÚTEIS
• MODELO PÓS-DARWINIANO
• O GENE INÚTIL / O MODELO EVOLUTIVO
• O OLHAR DO OUTRO / BOOTSTRAPPING / DOMESTICAÇÃO DO ANÁRQUICO
• COMPLEXIDADE / EMERGENCE E INSERÇÃO DO RANDÔMICO

Esta edição é uma produção cultural de Flávio Gil e Julia Bertolucci e conta com o apoio da ESPM/SUL e Koralle.

O Processo Criativo Módulo 01 com Charles Watson no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo

O Processo Criativo módulo 01: Pensamento Criativo e Conceitualização

Ministrante: Charles Watson

O workshop completo de palestras de O Processo Criativo consiste em três módulos complementares, porém autônomos. Cada módulo contém uma série de palestras provocativas ministradas em regime intensivo ao longo de quatro dias consecutivos. Os módulos são administrados separadamente ao longo de um ano, completando um total de 48 horas e assim cobrindo a maioria dos aspectos desse vasto assunto. Amplamente ilustrado com textos, vídeos e exercícios, as palestras demonstram que a semelhança entre as dinâmicas criativas supera a diferença entre as linguagens. E que, entendendo os mecanismos que podem limitar a criatividade, podemos desenvolver melhores estratégias para, ludicamente, contornar essas tendências.

De 10 a 13 de maio de 2012
quinta e sexta-feira, 19h - 23h; sábado e domingo,14h - 8h

Valor: R$ 480,00
Vagas: 60
Público-alvo: artistas, designers, arquitetos, publicitários e interessados em processos de geração de novas ideias

Instituto Tomie Ohtake
Av. Faria Lima 201, Pinheiros, São Paulo - SP
11-2245-1900 ou instituto@institutotomieohtake.org.br
www.institutotomieohtake.org.br

"Entre Percursos e Circuitos – Manobras da Arte” com Sanzia Pinheiro na Sociedade Semear, Aracaju

Entre Percursos e Circuitos – Manobras da Arte

Ministrante: Sanzia Pinheiro

Entre os dias 18 e 20 de abril acontece na Sociedade Semear o workshop “Entre Percursos e Circuitos – Manobras da Arte”, ministrado pela pedagoga Sanzia Pinheiro, como parte do programa Rumos Artes Visuais 2011/2013, do Programa Itaú Cultural. O evento pretende debater os caminhos da arte contemporânea, contribuindo para a articulação, consolidação e/ou aprofundamento de um cenário artístico-cultural propício ao desenvolvimento de práticas artísticas. O curso é voltado para profissionais das artes visuais – pesquisadores, estudantes, artistas, galeristas.

O workshop foi organizado pelos oito curadores viajantes da edição 2011/2013 do “Rumos Artes Visuais”. Seu maior objetivo é contribuir para a articulação e a consolidação de um cenário artístico-cultural propício ao desenvolvimento de práticas artísticas. Para isso, oferecerá suporte na formação profissional de agentes do meio e base crítica para uma leitura qualitativa da produção atual, através de encontros com artistas e agentes culturais das cidades visitadas.

O curso acontecerá todos os três dias das 17 às 21 horas. As inscrições podem ser feitas a partir do dia 03 de abril pelo telefone (79) 3214-5800 ou pelo e-mail culturaeartes@sociedadesemear.org.br

Inscrições a partir do dia 03 de abril
Curso de 18 a 20 de abril

Sociedade Semear
Rua Vila Cristina 148, Aracaju - Sergipe
79-3302-6323 / 3214-5800 culturaeartes@sociedadesemear.org.br
http://www.sociedadesemear.org.br/

Programação:

1º dia: arte aqui

Conhecer e discutir a produção artística do local, lançando uma discussão acerca de sua conjuntura. A partir de um mapeamento do campo da arte da cidade (identificando artistas, espaços expositivos e de formação, mercado, críticos, curadores, gestores, políticas públicas dentre outros), buscar compreender suas dinâmicas de desenvolvimento, localizando-o num contexto maior – o brasileiro – e discutindo, junto aos participantes, possíveis estratégias para seu agenciamento.

2º dia: arte hoje

Apresentar, com base nas discussões prévias acerca da produção artística local, interesses e questões diversas que têm permeado a atual produção em arte contemporânea, buscando paralelos entre esta e o contexto vivenciado pelos participantes do workshop. Este módulo tem caráter eminentemente histórico.

3º dia: arte, cultura e pensamento crítico

Localizar a produção artística à luz das reflexões sobre a cultura que são mais amplamente desenvolvidas por campos diversos, como o da arte, da filosofia, comunicação, antropologia, dentre outros. A partir da bibliografia indicada, promover discussões acerca de pontos nevrálgicos da produção em arte contemporânea, visando colaborar também para o adensamento do pensamento crítico acerca da arte produzida no local.

SANZIA PINHEIRO
Sanzia Pinheiro Barbosa (Natal-RN,) graduada em pedagogia; especialização em filosofia, e mestrado em Ciências Sociais pela UFRN. Fez curso com Fernando Cocchiarale, Chus Martinez e Paulo Reis. Foi professora substituta da UFRN no ano de 2002/2004. Integrou a Rede Nacional Funarte-2007 (Boa Vista-RR). Coordenou o Salão de Artes Visuais da Cidade do Natal (9ª e 13ª edições). É membro do Colegiado de Artes Visuais (Representação/nordeste). Entre os projetos de residências artísticas e intervenção que coordenou podemos destacar: PANORAMA 8.0, em 2004; VISUAIS-2005; DENcidade-2007(Conexões Artes Visuais MINC/Funarte); duas edições do PROSPECTA 2008-2009 (as quais integraram a Rede Nacional de Artes Visuais MINc/Funarte). Manteve ao lado do artista Jean Sartief a coluna semanal “Fermentações Visuais”, de artigos críticos-reflexivos sobre a arte contemporânea questões discutidas nacional e internacionalmente, no jornal Tribuna do Norte (entre os anos de 2007 e 2009). Além de contribuições com a imprensa local, Sanzia possui textos publicados no catálogo do Projeto Tripé/2008 SESC, no catálogo d a 10ª Bienal de Havana-2009 e na Bienal de Porto Santo-Portugal-2007. Coordenou o Setor de Artes Visuais da Fundação Cultural Capitania das Artes entre 2009-2010.

Cinema expandido com Rejane Cantoni e Leonardo Crescenti no MIS, São Paulo

Cinema expandido

Ministrante: Rejane Cantoni e Leonardo Crescenti

O objetivo central do é abordar de modo teórico e prático a linguagem de dispositivos de cinema expandido, instalações imersivas, interativas e ou outros modelos de interfaces audio-tatil-visuais. A idéia é orientar a elaboração de projetos. Desenvolver no aluno a competência para planejar e iniciar o desenvolvimento de propostas relevantes, de natureza prática, teórica e/ou hibrida, no campo de linguagens cinemáticas.

De 8 a 11 de maio de 2012. terça, quarta, quinta e sexta-feira, das 14h às 18h

Valor: R$ 40
Vagas: 20

Museu da Imagem e do Som - MIS, Sala de interface
Avenida Europa 158, Jardim Europa, São Paulo - SP
11-2117-4777
www.mis-sp.org.br

Sobre os ministrantes: Rejane Cantoni estudou Comunicação, Semiótica, Visualização de Sistemas de Informação e Interfaces Cinemáticas, em São Paulo e em Genebra; desde 1987pesquisa e desenvolve instalações imersivas com dispositivos de aquisição e manipulação de dados em ambientes naturais e ou sensorizados e automação. Leonardo Crescenti estudou arquitetura na FAU/USP, em São Paulo; desde1978 investiga e desenvolve projetos em várias mídias e suportes. Como diretor, realizou 13 curtas-metragens obtendo várias premiações e participações nacionais e internacionais, inclusive três participações na Quinzena dos Realizadores no Festival de Cannes.

Leis Rouanet e ProAc-ICMS – como usá-las de forma estratégica com Ana Paula Galvão no MIS, São Paulo

Leis Rouanet e ProAc-ICMS – como usá-las de forma estratégica

Ministrante: Ana Paula Galvão

A Lei Rouanet, primeira política pública brasileira de renúncia fiscal para o setor cultural, foi promulgada há 20 anos e foi de suma importância para que Estados e Municípios iniciassem diálogos mais aprofundados com os setores artísticos da sociedade. Desse diálogo, surgiram outras iniciativas ligadas à renúncia fiscal, sempre com o intuito de impulsionar o mercado de patrocínios a projetos culturais. Sendo o patrocínio de empresas uma das mais importantes fontes de receita para empreendimentos artísticos, é imperativo que produtores culturais e artistas aprendam se utilizar destes mecanismos de renúncia, que exigem procedimentos burocráticos e planejamento. O objetivo do curso é apresentar, passo a passo, o uso dos mecanismos de incentivo fiscal de fomento ao mercado de patrocínio cultural, da inscrição do proponente à prestação de contas, passando pelas estratégias de prospecção de potenciais patrocinadores, construção de planos de cotas e reciprocidades e plano de marketing do projeto.

De 3 de maio a 15 de junho de 2012; quarta e sexta-feira, 19- 22h

As inscrições já estão abertas e devem ser efetuadas pelo site do MIS: www.mis-sp.org.br

Valor: R$ 50
Vagas: 60

Museu da Imagem e do Som - MIS, Auditório LABMIS
Avenida Europa 158, Jardim Europa, São Paulo - SP
11-2117-4777
www.mis-sp.org.br

Sobre a ministrante: Ana Paula Galvão é sócia da Gesta Cultura, empresa comprometida com a busca e divulgação de soluções em gestão cultural para empreendimentos no âmbito da Economia Criativa, cujo expertise está na Gestão de Projetos Culturais. Especialista em Gestão Cultural e Organização de Eventos e graduada em Relações Públicas, ambas pela USP|ECA, a profissional dedica seus mais de 10 de anos de experiência profissional no setor à consultoria para empreendimentos de pequeno e médio porte.

Dynamic Encounters: International Art Workshop na SP Arte, São Paulo

Dynamic Encounters: International Art Workshop

Equipe: Agnaldo Farias (Curador da 29ª Bienal de São Paulo em 2010, professor – USP / curador Instituto Tomie Ohtake - SP), Charles Watson (Professor da EAV Parque Lage – RJ), Paula Braga (Pós-doutoranda - UNICAMP/SP), Pedro França (Professor da EAV Parque Lage - RJ, Instituto Tomie Ohtake - SP e do MAM - SP)

A SP Arte se consolida como a mais importante feira de arte da América Latina, oportunidade única para visitar mais de 80 galerias do Brasil e do exterior (Alemanha, Colombia, Espanha, EUA, França, Inglaterra e Portugal) que representam os melhores artistas da atualidade. Nessa 8ª edição, a feira conta com a inclusão de mais galerias e passará a ocupar 3 andares do Pavilhão Ciccilio Matarazzo, no Parque Ibirapuera.

Galerias: A Gentil Carioca, Amarelonegro, Anita Beckers, Anita Schwartz, Artur Fidalgo, Casa Triângulo
Choque Cultural, Fernando Pradilla, Fortes Vilaça, Laura Marsiaj, Leon Tovar Gallery, Luisa Strina, Nara Roesler, La Caja Negra, La Fabrica, Luciana Britto, Millan, Silvia Cintra Galeria de Arte + Box 4, Swedish Photography, Sprovieri, Vermelho, Weingrül, White Cube, Yvon Lambert, Zipper, entre outras.

De 10 de maio a 13 maio de 2012

Dynamic Encounters
21 2553 3748 / 21 2553 9224
bcawats@attglobal.net
wats352@attglobal.net

Programação*
10 Maio
14:00 Encontro do grupo
Parque Ibirapuera
Portão 3, Pavilhão Ciccilio Matarazzo
(Pavilhão da Bienal)
14:30 SP Arte

11 Maio
10:00 Ateliê Ana Maria Tavares
12:30 Almoço
14:30 Ateliê Leya Mira Brander
15:30 Galeria Vermelho
MARCELO CIDADE: Quase Nada
Galeria Luisa Strina
ALESSANDRO BALTEO YAZBECK, BRIAN GRIFFITHS
16:30 Centro Cultural São Paulo
JOSÉ DAMASCENO: Monográficas (Retrospectiva), 17 trabalhos, entre instalação, esculturas, fotografias e desenhos, realizados de 1989 a 2011.

12 Maio
10:00 Galeria Fortes Vilaça
ARMANDO ANDRADE TUDELA
11:00 Galeria Millan
RODRIGO BIVAR: Flutuante Caiçara
12:00 Galeria Raquel Arnaud
CARLOS CRUZ-DIEZ: A revolução tem que ser feita pouco a pouco, Parte 1: Diferença e Repetição
13:00 Almoço
15:00 Pinacoteca do Estado de São Paulo
ALBERTO GIACOMETTI: Uma grande retrospectiva do artista Alberto Giacometti (1901-1966) ocupa o octógono e o primeiro andar do museu, com cerca de 280 trabalhos, 80 esculturas de tamanhos variados, 40 pinturas, 80 trabalhos sobre papel, 56 fotografias e documentos. A mostra traça uma visão panorâmica sobre a produção do suíço, com obras de diversas linguagens e períodos.
LYGIA PAPE: Primeira retrospectiva, Espaço Imantado reúne cerca de 200 obras, entre pinturas, relevos, xilogravuras, ações performáticas – mostradas por meio de objetos, vídeos e fotografias –, produção cinematográfica, cartazes de filmes, poemas, colagens e documentos. A mostra exibe suas peças mais conhecidas, como Tecelares (1957) e Livros, e outras experiências menos difundidas, como os Ballets Neoconcretos e sua produção cinematográfica.

13 Maio
10:00 Ateliê
12:00 Almoço
14:00 Ateliê
15:30 MAM
WOLFGANG TILLMANS: O museu exibe pela primeira vez na América do Sul a produção do fotógrafo e artista conceitual alemão Wolfgang Tillmans, que exibe imagens de paisagens, retratos, detalhes ampliados de objetos, entre outras variações.
17:30 Traslado ao aeroporto de Congonhas

Arte Fora do Cubo: ações artísticas e reações políticas na esfera da Arte Contemporânea com Daniela Labra na EAV Parque Lage, Rio de Janeiro

Arte Fora do Cubo: ações artísticas e reações políticas na esfera da Arte Contemporânea

Com Daniela Labra

As aulas discutem práticas artísticas contemporâneas instauradas desde os anos 1960, que lidam com o limite das regras da instituição cultural ou da galeria de arte, ressignificando contextos e espaços não-usuais a partir da negociação com o aparelho institucional.

5 de abril a 24 de maio, quinta-feira, 19-21h 10 de maio a 28 de junho, quinta-feira, 19-21h

Valor total: 2 parcelas de R$ 250,00

Escola de Artes Visuais do Parque Lage
Rua Jardim Botânico n° 414, Jardim Botânico, Rio de Janeiro - RJ
21-3257-1800 ou eav@eav.rj.gov.br
http://www.eavparquelage.rj.gov.br

Esta série de encontros apresenta estudos de caso de obras e propostas, coletivas ou individuais, para discutir a experiência estética como possibilidade de levantar questões sociais, políticas e éticas.

Artistas e coletivos abordados: Hans Haacke, Gordon Matta-Clark, 3 nós 3, Marina Abramovich e Ulay, Fluxus, Nelson Leirner, Paulo Bruscky, Jenny Holzer,Yoko Ono, ORLAN, Carlos Garaicoa, Minerva Cuevas, Regina José Galindo, Guerrilla Girls, Santiago Sierra, Francis Alys, Daniel Buren, Yves Klein, entre outros.

Demais temas discutidos: Iniciativas e espaços independentes, a interface tecnológica, sistema da arte global.

IX Encontro arte&meios tecnológicos – Diálogos artísticos na Fasm e na Intermeios, São Paulo

IX Encontro arte&meios tecnológicos – Diálogos artísticos

Com Ana Paula Lobo, Ananda Carvalho, Bruno Mendonça, Christine Mello, Cláudio Bueno, Denise Agassi, Eduardo Salvino, Josy Panão, Lyara Oliveira, Marcelo Salum, Mariana Shellard, Monique Allain, Natália Coutinho, Paula Garcia

O encontro abordará maneiras com as quais a arte contemporânea rearticula a história da arte por meio de diálogos artísticos. Para tanto, promoverá leituras críticas entre uma parcela histórica da produção brasileira e a atualidade. Apresentará, com isso, interesses relacionados a artistas como Mário Peixoto, Flávio de Carvalho, Abraham Palatnik, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Mira Shendel, Julio Plaza e Rafael França, associados a artistas como Cao Guimarães, Gilbertto Prado, Giselle Beiguelman, Lucas Bambozzi, Lucio Agra, luiz duVa, Rejane Cantoni, Ricardo Basbaum e Rosangela Rennó.

22 de março a 28 de junho, quintas-feiras, 18h30-22h
(Quintas de março e maio na Fasm / Quintas de abril e junho na Intermeios)

Inscrições gratuitas na secretaria do Mestrado, com Marina, ou pelo email pos-graduacao@fasm.edu.br.

As inscrições deverão ser feitas até dois dias antes de cada uma das atividades relacionadas ao IX Encontro.

Público alvo: pesquisadores em arte e comunicação, artistas, historiadores, críticos, curadores, jornalistas, produtores culturais, arte-educadores, designers e estudiosos em geral, interessados em explorar aspectos contemporâneos dos processos da arte.

Faculdade Santa Marcelina - FASM
Rua Dr. Emílio Ribas 89, Perdizes, São Paulo - SP
11-3824-5800 Ramal 808 ou pos-graduação@fasm.edu.br
www.fasm.edu.br

Intermeios - Casa de artes e livros
Rua Luis Murat 40, Vila Madalena, São Paulo - SP
11-2338-8851 ou cecilia@intermeioscultural.com.br
www.intermeioscultural.com.br

Programação

IX Encontro-Parte 1 (22 de março – 18h30 às 22h)

Paula Garcia: Flávio de Carvalho e Lucio Agra
Bruno Mendonça: Rafael França e Cao Guimarães
Christine Mello: Julio Plaza e Gilbertto Prado

Local: FASM

IX Encontro-Parte 2 (19 de abril – 18h30 às 22h)

Cláudio Bueno: Hélio Oiticica e Rejane Cantoni
Ananda Carvalho: Julio Plaza e Ricardo Basbaum
Mariana Shellard: Mário Peixoto e Rosângela Rennó
Lyara Oliveira: Rafael França e Rejane Cantoni

Local: INTERMEIOS – Casa de artes e livros

IX Encontro-Parte 3 (10 de maio – 18h30 às 22h)
Denise Agassi: Abraham Palatnik e Lucas Bambozzi
Josy Panão: Lygia Clark e Ricardo Basbaum
Ana Paula Lobo: Mário Peixoto e Lucio Agra
Monique Allain: Lygia Clark e Rosângela Rennó

Local: FASM

IX Encontro-Parte 4 (28 de junho – 18h30 às 22h)

Natália Coutinho: Rafael França e Rosângela Rennó
Eduardo Salvino: Abraham Palatnik e Giselle Beiguelman
Marcelo Salum: Mira Shendel e Cao Guimarães
Leandro Carvalho: Hélio Oiticica e luiz duVa

Local: INTERMEIOS – Casa de artes e livros

Os Encontros do Grupo de Pesquisa arte&meios tecnológicos (CNPq/FASM) são promovidos semestralmente desde 2008, na Faculdade Santa Marcelina ou em ambientes exteriores a ela. Englobam reflexões e práticas que dialogam com a pesquisa do grupo e com estudiosos envolvidos com o campo da arte contemporânea.

O Grupo de Pesquisa arte&meios tecnológicos (http://artemeiostecnologicos.wordpress.com e http://dgp.cnpq.br/buscaoperacional/detalhepesq.jsp?pesq=4370603819410677) investiga os processos artísticos tendo em vista uma posição crítica e experimental no campo das relações da arte com as mediações tecnológicas. Tem início em janeiro de 2007 e integra a Linha de Pesquisa História, Crítica e Pensamento Curatorial do Mestrado em Artes Visuais da Faculdade Santa Marcelina. Desenvolve atividades relacionadas a projetos de pesquisa, grupos de estudo, encontros abertos, exposições, produção artística, crítica, curatorial e bibliográfica. De acordo com o atual projeto de pesquisa, Amplificação (triênio 2010-2012), é formado por: Christine Mello, Denise Agassi e Paula Garcia (coordenação), Ana Paula Lobo, Ananda Carvalho, Bruno Mendonça, Cláudio Bueno, Eduardo Salvino, Josy Panão, Leandro Carvalho, Lucas Bambozzi, Lyara Oliveira, Marcelo Salum, Mariana Shellard, Monique Allain e Natália Coutinho. Nele, a reflexão teórica e artística estreitam suas relações.

Veredas em Buenos Aires com Regina Johas, Paula Braga, Gonzalo Aguilar, Buenos Aires

Veredas em Buenos Aires

Com Regina Johas, Paula Braga, Gonzalo Aguilar

Em junho, o VEREDAS-SP dá continuidade a programação de viagens culturais, sendo sua próxima parada a capital portenha. Essa edição em Buenos Aires acontecera com Prof. Dra. Regina Johas , Prof. Dra. Paula Braga e Prof e critico de arte Gonzalo Aguilar com discussões sobre arte nos principais museus, galerias e ateliês da cidade, com ênfase na arte moderna e contemporânea.

Vamos visitar o MALBA, um dos maiores museus de arte latino-americana do mundo, que comemora 10 anos de abertura. Também faz parte desse roteiro, Faena ArtsCenter, o PROA, Museu Xul Solar, Museo Fortabat, o Museu Nacional de Belas Artes, que possui o maior acervo de arte impressionista da América Latina e Galerias de Arte Contemporânea.

7 a 10 de junho de 2012
(chegando em Buenos Aires no dia 6 de junho)

VEREDAS-SP
Rua Lisboa 328, Pinheiros, São Paulo - SP
11-3081 3505 ou veredas@veredas-sp.com
www.veredas-sp.com

Professores

Paula Braga é pós-doutoranda no Instituto de Artes da UNICAMP. Concluiu seu doutorado em Filosofia pela
Universidade de S. Paulo e é mestre em História da Arte pela University of Illinois at Urbana-Champaign, EUA. Organizou o livro ³Fios Soltos: a arte de Hélio Oiticica² (Editora Perspectiva, 2008) e tem publicado
artigos em revistas especializadas em arte como Third Text, Concinnitas, Arte al Dia International e Bravo!
Dentre suas curadorias destacam-se Silêncio (Zipper Galeria) e A Metafísica do Belo (Galeria Nara Roesler).
Ministra cursos sobre história da arte na Escola do MASP, Veredas, e no ItaúCultural, onde coordenou o Projeto Experiência em 2011.

Gonzalo Aguilar é professor de literatura brasileira na Universidade de Buenos Aires e crítico de arte. Publicou vários livros sobre literatura, cinema e artes, dentre eles "Poesia Concreta Brasileira", editado pela
EDUSP, "Otros mundos (un ensayo sobre nuevo cine argentino)" e "Por una ciencia del vestigio errático:
ensaios sobre la antropofagia de Oswald de Andrade".

Regina Johas Artista é plástica e pesquisadora. Doutora (2004) em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes /USP, graduada em Artes Visuais pela Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP)
e especializada em História da Arte pela Universidade de Colônia, Alemanha (1989). Atua como artista
multimídia. Participou em diversas exposições nacionais e internacionais. Possui obras nos seguintes
acervos públicos: Museu de Arte Moderna/São Paulo; Museu Nacional de Belas Artes/Rio de Janeiro;
Museu de Arte Contemporânea do Paraná/linguagem visual, vetores con Paraná; Museu de Arte de Ribeirão
Preto/São Paulo. Participação em exposições recentes: “Jardins Circulares” – Galeria Veredas SP – SP/
2011, "Trans_imagem"(como curadora) – Galeria Virgilio – SP/2010; "Sobre o Desenho" – MABE/ FAAP/
Lutetia – SP/2008; Ctrl_C Ctrl_V"– SESC Pompéia – SP/2007; 7ème Mondiale de l`Estampe et de la
Gravure Originale, Triennale de Chamalières – Chamalières, França/2006; “10 anos de um novo MAM:
Antologia do acervo” – MAM – SP/2005; “38. Bienal Internacional de Cerveira” – Portugal/2005. Como
pesquisadora, investiga questões referentes à análise da imagem e da ceituais da arte contemporânea e
gênese dos processos criativos. É Professora Titular Doutora na Fundação Armando Álvares Penteado
(FAAP), nos cursos de Artes Visuais e de Arquitetura e Urbanismo. Professora Doutora colaboradora na pósgraduação em História da Arte da FAP/FAAP/Ribeirão Preto.

Curso Hélio Oiticica: Museu É O Mundo com Paula Braga na Veredas SP, São Paulo

Hélio Oiticica: Museu É O Mundo

Professora: Paula Braga

O curso apresenta os principais conceitos que embasam a obra de Hélio Oiticica, como invenção, experimental, crelazer e mundo erigindo mundo. Discutiremos as obras que marcam cada salto que o artista dá em direção à expansão do campo da arte, tais como Parangolé, Tropicália, Éden, subterranean Tropicalia projects, Cosmococas e Magic Squares. O contexto político e cultural que envolve essas obras estará sempre presente na discussão, bem como outros artistas com os quais Hélio Oiticica dialogava.

2, 9, 16 e 23 de maio, quartas-feiras, 19-21h

Valor: R$ 260

Veredas - SP
Rua Lisboa 328, Pinheiros, São Paulo - SP
11-3081 3505 ou veredas@veredas-sp.com
http://www.veredas-sp.com/

Paula Braga é pós-doutoranda no Instituto de Artes da UNICAMP. Concluiu seu doutorado em Filosofia pela Universidade de S. Paulo e é mestre em História da Arte pela University of Illinois at Urbana-Champaign, EUA. Organizou o livro “Fios Soltos: a arte de Hélio Oiticica” (Editora Perspectiva, 2008) e tem publicado artigos em revistas especializadas em arte como Third Text, Concinnitas, Arte al Dia International e Bravo!

Dentre suas curadorias destacam-se Silêncio (Zipper Galeria) e A Metafísica do Belo (Galeria Nara Roesler). Ministra cursos sobre história da arte na Escola do MASP, Veredas, e no ItaúCultural, onde coordenou o Projeto Experiência em 2011.

Projeto de pesquisa 2012 - a imagem em questão com Glória Ferreira e Luiz Ernesto na EAV, Rio de Janeiro

Projeto de pesquisa 2012 - a imagem em questão

Com Glória Ferreira e Luiz Ernesto

Curso coordenado por Glória Ferreira com a participação do professor Luiz Ernesto Moraes. Como projeto de pesquisa destinado a artistas e pesquisadores de várias áreas, o objetivo do curso é promover a reflexão teórica e prática sobre questões que permeiam o meio da arte em sua relação com o mundo.

A imagem em questão
Como temática a ser tratada nesta sua primeira edição, A imagem como questão visa fomentar, por meio de aulas expositivas, apresentação de trabalhos artísticos e de pesquisas teóricas, trocas e interfaces com convidados de diferentes campos de estudo e pesquisa, bem como com outros professores da EAV.

Inscrições até 26 de março de 2012

Escola de Artes Visuais do Parque Lage
Rua Jardim Botânico n° 414, Jardim Botânico, Rio de Janeiro - RJ
21-3257-1800 ou eav@eav.rj.gov.br
http://www.eavparquelage.rj.gov.br

Convocatória e Ficha de Inscrição

O Programa, promovido pela Escola de Artes Visuais do Parque Lage com recursos da Secretaria de Estado de Cultura do Rio de Janeiro, destina-se a artistas e pesquisadores de várias áreas, com processo de trabalho pessoal em desenvolvimento, promove a reflexão teórica e prática sobre questões que permeiam o meio da arte em sua relação com o mundo.

O Programa, de seis meses, consiste de encontros semanais para avaliação e discussão da produção dos alunos, debates e palestras com convidados.

A imagem em questão, temática a ser tratada nesta primeira edição, visa fomentar trocas e interfaces com convidados de diferentes campos de estudo e pesquisa, bem como com outros professores da EAV.

Sobre o Programa

Serão realizados encontros semanais com professores do Programa e convidados de outros campos de estudo, comportando aulas expositivas, apresentação de trabalhos artísticos e de pesquisas teóricas, durante os períodos de abril a junho e de agosto a outubro.

Uma publicação on line reunirá textos dos professores do Programa, dos convidados e de material selecionado dos alunos.

Especialização Estéticas Tecnológicas na PUC - Cogeae, São Paulo

Estéticas Tecnológicas

Coordenação: Profa. Dra. Maria Lúcia Santaella Braga

Professores: Alexandre Braga, André Leite Coelho, Eliseu de Souza Lopes Filho, Lia Chaia, Dra. Lúcia Leão, Ms. Marcelo Moreira Santos, Dra. Maria Cândida de Almeida Castro, Dra. Maria Lúcia Santaella Braga, Priscila Arantes, Dr. Roclaw Basbaum, Dr. Rubens Fernandes Jr., Dr. Sérgio Bicudo Veras, Dra.Rosangella Leote (Sujeito a alterações)

Apesar de a palavra estética ser hoje utilizada indiscriminadamente, neste curso parte-se do significado cunhado por seu fundador, A. Baumgarten, no seu livro “Aesthetica”, publicado na primeira metade do século XVIII. Derivada do grego aisthesis, estética quer dizer, antes de tudo, sentir (não com o coração ou os sentimentos, mas com os sentidos, numa rede de percepções físicas). Este programa inédito irá estudar o potencial que os dispositivos tecnológicos apresentam para a criação de efeitos estéticos capazes de acionar a rede de percepções sensíveis do receptor.

Início em 20 de março, terças e quintas-feiras, 18h30-22h30

Público alvo: Graduados e profissionais de qualquer área do saber interessados em especializar seus conhecimentos em estéticas tecnológicas.

*Investimento (mensalidade ):
Valor total do curso: R$ 15.004
Valor parcelado em 20x: Matrícula R$ 750,20 + 19 parcelas de 750,20

Local de matrícula: PUC-SP - Unidade COGEAE Consolação

PUC-SP - Unidade COGEAE Consolação
Rua da Consolação, 881 - Consolação - São Paulo - SP
11-3124-9600
http://cogeae.pucsp.br/cogeae/curso/223
Segunda a sexta, 9-20h30; sábado, 8-12h30

Este curso analisa de forma inovadora as inter-relações entre diferentes linguagens tecnológicas, como a fotografia, o cinema, o vídeo, as instalações, as sonoridades, a hipermídia, a ciberarte e a cienciarte.

O programa oferece uma visão histórica e sincrônica das estéticas tecnológicas, na medida em que cada nova tecnologia absorve e se enriquece das tecnologias pré-existentes. Embora o foco de interesse do curso esteja mais voltado para as estéticas digitais, o curso começa com a fotografia e o cinema porque uma das características mais importantes das estéticas digitais está justamente na absorção e hibridização das estéticas tecnológicas anteriores.

O objetivo do curso é repensar em profundidade as questões estéticas que o acelerado desenvolvimento tecnológico do nosso tempo está colocando em pauta, levando em conta o desenvolvimento histórico das tecnologias e seus meios de produção de linguagem, assim como as teorias e as criações específicas a que elas deram origem.

As estéticas tecnológicas presentes na publicidade, em designs de hipermídia, em vinhetas de televisão, em documentários, na moda, nas sonoridades circundantes, no ciberespaço etc. constituem um tecido híbrido, intrincado e complexo, que será trabalhado sistematicamente no curso para desvendar a cultura estética contemporânea.

Ao final do programa, o participante será um especialista com habilidade para analisar, avaliar e gerir criticamente projetos e trabalhos no campo das estéticas tecnológicas.

Organização Curricular

Módulo I
- Foto
- Cinema

Módulo II
- Vídeo
- Instalações

Módulo III
- Sonoridades Tecnológicas
- Hipermídia

Módulo IV
- Ciberarte
- Ciênciarte
- Orientação de Monografia

Documentos para Matrícula:
Curriculum vitae atualizado, cópia autenticada do diploma de graduação, cópia do CPF, do RG e do comprovante de endereço (onde conste o CEP), além de carta justificando o interesse pelo curso contendo: 1) Porque da escolha do curso? 2) Quais as expectativas em relação ao curso? 4) Experiência profissional na área. 4) Outras informações que o candidato julgar importante e entregar pesquisa de perfil preenchida (clique aqui para download).

Aprovação
O certificado de Especialização será obtido mediante freqüência mínima de 75% das aulas ministradas em cada módulo e média igual ou superior a 7,0 (sete) em todos os módulos e na monografia de final de curso.

*Vencimentos:
1º semestre: março, abril, maio, junho e julho
2º semestre: agosto, setembro, outubro, novembro e dezembro
Os vencimentos ocorrem nos meses descritos acima sendo que a matrícula do curso corresponde a primeira parcela do semestre de ingresso.

Curso de História da Arte Contemporânea – De Leonardo ao Digital coordenado por Lucia Santaella e Daniela Bousso no Instituto Cervantes, São Paulo

Curso de História da Arte Contemporânea – De Leonardo ao Digital, para compreender a expressão legítima da Arte Contemporânea

Coordenação: Daniela Bousso e Lucia Santaella

Professores: Angélica de Moraes, Lucia Santaella, Lúcio Agra, Nancy Betts, Renata Motta

Idealizado pelas professoras Lucia Santaella (PUC-SP) e Daniela Bousso (curadora independente), o curso "De Leonardo à complexidade do Digital: para compreender a expressão legítima da Arte Contemporânea" tem por objetivo levar as pessoas a conhecerem a história da arte sob um ponto de vista não-linear com ênfase nas referências cruzadas entre a tradição e o contemporâneo, de modo a permitir a compreensão dos múltiplos caminhos abertos à arte na atualidade.

Este curso vai abordar as múltiplas facetas da Arte Contemporânea, desde a sua inserção histórica e expressões clássicas como pintura, gravura e escultura até suportes atuais como arte digital.

O curso é dividido em submódulos que abordam os rebatimentos do Renascimento, Barroco, Modernismo e Pós-modernidade sobre a Arte Contemporânea. Os artistas destas tendências serão trabalhados em simultaneidade com os contemporâneos.

21 de março a 27 de junho, quartas-feiras, 18h30-21h30

Matrículas nos dias 13 e 14 de Março, das 18h às 20h, no Instituto Cervantes

Condições de investimento: O pagamento pode ser realizado em parcela única de R$ 460 em 2 cheques pré-datados (ato + 30 dias) de R$ 240 ou em 4 cheques pré-datados (ato + 30, 60 e 90 dias) de R$ 125. Cheque ou dinheiro (para pagmento à vista)

Instituto Cervantes
Av. Paulista 2439, Metrô Consolação, São Paulo - SP
11-3897-9609
Informações: www.facebook.com/DeLeonardoAoDigital, http://twitter.com/leonardigital ou deleonardoaodigital@gmail.com
Ficha de matrícula

Conteúdo

Total de 42 horas, com certificado.

Módulo I: Panorama da História da Arte

- Submódulo 1: A Constituição dos Padrões Estéticos Renascentista e Barroco

O Renascimento refere-se ao Quattrocento italiano, que se distinguiu das retomadas anteriores da antiguidade clássica pela introdução de elementos inovadores na pintura que levaram à constituição de um padrão ou modelo estético dominante, envolvendo principalmente o desenvolvimento da perspectiva monocular altamente realista, o tratamento do espaço da pintura como janela, o estudo da luz e da sombra. A finalidade deste módulo é caracterizar esse modelo de representação para que seja possível compreender as mudanças na representação encetadas pela arte moderna a partir do impressionismo no sec. XIX.

O Barroco também se faz presente neste módulo devido à presença dominante dessa arte manifesta na pintura, escultura, arquitetura e música na cultura ocidental. Também será uma base necessária para, mais adiante estabelecermos um contraponto com o neo-barroco da pós-modernidade na segunda metade do século XX.

Voltado para os sentidos e cenas dramáticas, o Barroco é ainda uma arte realista, mas seu estilo monumental, retorcido com senso de movimento, energia e tensão, e seus acentuados contrastes entre o claro e escuro, intensificando os efeitos dramáticos, opuseram-se à centralidade geométrica, equilibrada e serena da arte renascentista.

- Submódulo 2: Inventores e ruptores do Renascimento ao Modernismo

Para atender ao objetivo final do curso - desenvolver a capacidade de estabelecer relações não-lineares entre obras e artistas - este submódulo tem por função destacar alguns dos mais relevantes artistas, criadores de linguagem, que, independentemente do período e lugar em que viveram ou do estilo em que costumam ser identificados, foram marcando os séculos, da Renascença ao Modernismo, com invenções e rupturas de padrão que fizeram avançar as linguagens da arte e anteciparam tendências futuras.

Alguns desses artistas são: o próprio Leonardo (1452-1519), por seu caráter emblemático, antecipador de todas as aproximações da arte com a ciência; Hieronymus Bosch (1450-1516), pintor e gravador flamengo, influente no surrealismo; Pieter Bruegel, o velho (1525-1569), que pintou paisagens por si mesmas e não como documentos de situações; Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), o grande mestre de todas as meta-artes, artes que pensam a si mesmas; Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828), artista subversivo que inspirou gerações futuras de artistas; John Constable (1776-1837) demonstrando que a pintura de paisagens podia ir por direções inesperadas; Joseph Mallord William Turner (1775- 1851) o mestre da luz, abrindo o caminho para os impressionistas; etc.

- Submódulo 3: As vanguardas históricas, a crise da representação (do Impressionismo a 1945) e as vanguardas artísticas (do pós-guerra, 1945 a 1970)

Neste módulo será apresentado o borbulhar de movimentos, estilos, escolas que, conhecidos sob o nome de vanguardas históricas, foram desconstruindo e decantando todos os princípios de representação sedimentados desde o Renascimento. As possibilidades de encontrar uma lógica interna para o agrupamento desses movimentos são bastante variadas. Algumas das possibilidades são as que se seguem:

(a) na vertente da luz: impressionismo
(b) na vertente subversora: futurismo, dadá, surrealismo;
(c) na vertente da decantação da forma: cubismo, vanguardas russas
(d) a fotografia e o aparecimento do cinema

A desconstrução da representação levada a efeito pelas vanguardas históricas do Modernismo terá como contraponto o impacto do surgimento da fotografia e do cinema como arte de massas sobre a arte e a questão da perda da aura do objeto único. Incorporações da visualidade fotográfica pela arte e dos procedimentos artísticos pelo cinema experimental serão trabalhadas. Os representantes das vanguardas no Brasil estarão inseridos e serão discutidos nos pontos convenientes.

Cessado o processo de decantação da luz, das cores e das formas, e nada mais restando dos alicerces visuais renascentistas, o momento do pós-guerra abriu caminho para uma irrupção de tendências artísticas que variam livremente, sem um telos e sem permitir qualquer tipo de agrupamento. São elas:

(a) a arte concreta e neo-concreta, optical art e cinetismo
(b) o novo realismo e sua “apaixonante aventura do real captado em si mesmo e não através do prisma da transcrição conceitual ou imaginativa”(Restany) tendo à frente a figura emblemática de Yves Klein. Os happenings e a body art como testemunhas de que quem manda na arte é ela mesma.
(c) a pop arte e seu canto paralelo, ironia e desdém, à explosão da cultura de massas
(d) a simplicidade extrema do minimalismo e o privilégio da idéia na arte conceitual. A land art, a arte povera.

- Submódulo 4 : O pós-moderno (de 1970 aos anos 1990)

Para Vattimo, a pós-modernidade aparece como uma espécie de renascimento dos ideais banidos e cassados pela modernidade racionalizadora. Esta termina quando não se pode mais falar da história como algo unitário e quando morre o mito do progresso. No campo da arte, a irrupção libertária das vanguardas artísticas já semeava, na realidade, o terreno para a emergência do pós-moderno, que Danto chama de “arte depois do fim da arte”.

Coincidindo com os primeiros passos da cultura do computador, com seus bancos de dados e de imagens, para a arte pós-moderna, a história não corre com o relógio, mas faz movimentos de vai e vem, retroativos e prospectivos, enfim, a história gira ao sabor do acesso às formas e estilos do passado, disponíveis para serem revirados e revividos.

Como tônicas do pós-moderno, serão abordados: a paródia, o clichê, o pastiche, o intertexto e a intersemiose. Dentro deste contexto, veremos a volta à pintura, a explosão do mercado de arte e a era Tatcher Reagan com ênfase na produção de artistas como Cindy Shermann , Nan Goldin e Pipilotti Rist, a polêmica da Grande Tela na curadoria de Sheila Leirner na Bienal de São Paulo e pintores como Anselm Kiefer, Keith Hering, Sandro Chia e a Transvanguarda, em meados dos anos 1980 entre outros.

- Submódulo 5: A condição atual da arte

Na sua condição atual, a arte é “por demais pluralista em intenção e realização para se permitir ser apreendida em uma única dimensão” (Danto).

Essa multiplicidade indiscernível tem levado os críticos a repetirem o que Rosalind Krauss chamou de condição pós-midiática das artes visuais, não apenas no sentido de que não há suportes ou mídias privilegiadas para as artes, mas também de que não tem absolutamente nenhuma importância que meio é usado.

Para Santaella, a arte atual, após ter passado pelos estágios pré-fotográfico e fotográfico, hoje está inserida em um estágio pós-fotográfico, emaranhada em uma rede de forças dinâmicas, tanto pré-tecnológicas quanto tecnológicas, artesanais e virtuais, locais e globais, massivas e pós-massivas, corporais e informacionais, presenciais e digitais etc.

Neste contexto, serão abordados os vídeos, as instalações, a evolução dos dispositivos e interfaces, os games, as bienais, as documentas, o sistema da arte (produção artística, instituições, mídia e mercado) a hibridização das linguagens e suportes, as intersecções entre meios, tribos e contextos, as redes sociais, a convergência entre as artes e a comunicação, e será analisada a passagem da arte do analógico ao digital.

Sobre os professores

Lucia Santaella

Professora titular da PUC/SP, Livre-Docente em Ciências da Comunicação pela ECA/USP. É Diretora do CIMID, Centro de Investigação em Mídias Digitais, da PUC/SP e Coordenadora do Centro de Estudos Peirceanos.

Coordenou o lado brasileiro do projeto de pesquisa Probral (Brasil-Alemanha/Capes-DAAD, 2000-2003) sobre relações entre palavra e imagem nas mídias. É presidente honorária da Federação Latino-Americana de Semiótica e Vice Presidente da Associación Mundial de Semiótica Massmediática y Comunicación Global, México, desde 2004. É membro correspondente brasileira da da Academia Argentina de Belas Artes, eleita em 2002.

É membro do Advisory Board do Peirce Edition Project em Indianapolis, USA. Foi membro dos grupos idealizadores e realizadores dos projetos de implantação dos cursos de graduação em Jornalismo, do curso de Publicidade e do curso multidisciplinar em Tecnologia e Mídias Digitais da PUC-SP.

Tem 28 livros publicados, entre os quais destacam-se:

- Arte e Cultura, equívocos do elitismo (1982, Cortez);
- O que é Semiótica (1983, Brasiliense);
- Cultura das Mídias (1992, Experimento);
- A Percepção. Uma Teoria Semiótica (1993, Experimento);
- Estética. De Platão a Peirce (1994, Experimento);
- Imagem. Cognição, Semiótica, Mídia (com Winfried Nöth, 1998, Iluminuras)
- Culturas e artes do pós-humano. Da cultura das mídias à cibercultura (2003, Paulus).
- Comunicação e semiótica (com Winfried Nöth, 2004, Hacker).
- Por que as comunicações e as artes estão convergindo? (2005, Paulus).

Angélica de Moraes
Crítica de artes visuais, curadora e jornalista cultural, é editora de Artes Visuais da revista Select. Fez curadorias para Masp, Pinacoteca SP, MAM-SP, Paço das Artes (SP), Paço Imperial (Rio) e Santander Cultural (Porto Alegre), entre outras instituições. Atividades docentes: palestrante do Curso de Formação de Mediadores da 5a Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2005), ministrou curso de História da Arte Contemporânea na Fundação Joaquim Nabuco (Recife, 2005) e o curso História da Arte Itinerante, do Itaú Cultural (várias capitais do Centro-Oeste e Nordeste, 2007). Integrou o corpo docente do curso de História da Arte no Museu da Imagem e do Som (São Paulo, 2010 e 2011). Livros publicados: "Regina Silveira: Cartografias da Sombra” (Edusp, 1996); “Arte Brasileira 50 Anos” (Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Alvares Penteado, de São Paulo, 2010), entre outros. Escreveu o livro monográfico “Alex Flemming e a fotografia” (Ed. CosacNaify), com lançamento previsto para maio de 2012.

Lúcio Agra
Natural de Recife (PE), cresceu no Estado do Rio de Janeiro e, há 15 anos, vive e trabalha em São Paulo. Sua produção artística mescla a poesia, a performance, a música e as tecnologias. Também é professor de performance na Graduação em Comunicação das Artes do Corpo da PUC-SP, mesma instituição na qual doutorou-se em Comunicação e Semiótica com a tese Monstrutivismo - reta e curva das vanguardas, recentemente publicada (Ed. Perspectiva, 2010). Prepara novo livro sobre a performance no contemporâneo.

Nancy Betts
Graduada em Licenciatura em Educação Artística (1992 – FAAP) e Mestre em Comunicação e Semiótica (2002 – PUC/SP). Professora de Evolução das Artes Visuais (História da Arte) na Faculdade de Artes Plásticas – FAAP. Integrou até 2009 o corpo docente dos cursos de Pós-graduação lato sensu de Audiovisual e Design Gráfico, do SENAC/SP, nas disciplinas de Semiótica da imagem e do som e Comunicação, Linguagem e Sentido respectivamente. Curadora independente e pesquisadora cadastrada no CNPq. Participação em congressos – ANPAP, INTERCOM. Atuando principalmente nas linguagens da Arte, Tecnologia e Design, nos seguintes temas: poéticas de apropriação, intertextualidade, interface crítica, interatividade, semiótica discursiva, efeitos de sentido.

Renata Motta
Doutora pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo – FAU/USP. Experiência na área de museus e gestão cultural. Trabalhou e realizou pesquisa para diversas instituições, como Fundação Bienal de São Paulo, Arte/Cidade, Fundação Victor Civita, Itaú Cultural e Santander Cultural; trabalhou como colaboradora do Paço das Artes/São Paulo, atuando nos projetos museográficos das exposições dessa instituição. Desenvolveu atividades didáticas em história da arte e gestão cultural, na Escola da Cidade e na PUC-SP. Foi diretora do Instituto Sergio Motta, onde, desde 2000, coordenou diversos projetos em arte e cultura digital. Desde fevereiro de 2011 é Diretora do Sistema Estadual de Museus (SISEM-SP), instância articuladora dos museus paulistas, da Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo.

Curso arte como fotografia com Denise Gadelha no Atelier a Pipa, São Paulo

Curso arte como fotografia

Professora: Denise Gadelha

O surgimento e a popularização da fotografia, em meados do século 19, conduziram inevitavelmente ao confronto desta nova mídia com as formas de produção de imagens tradicionais. O curso analisará a transformação dos papéis assumidos pela fotografia em relação às artes visuais por meio de um percurso histórico ilustrado.

9 e 16 de abril, segundas-feiras, 19h30-22h30

Valor: R$ 190

Atelier a pipa
Rua Fidalga 958 (acesso pela Rua Rodesia), Vila Madalena, São Paulo - SP
11-2506-0096 ou contato@atelierapipa.com.br
http://atelierapipa.blogspot.com/

Conteúdo programático:

O surgimento da fotografia em meio à paisagem cultural do Romantismo e os primeiros passos em direção à arte, agenciados pelo Pictorialismo. A fotografia nas Vanguardas Históricas; a Agenda Moderna de Stieglitz; o real na fotografia do início do século 20 e o olhar tipológico na Nova Objetividade Alemã. A relação da fotografia com a “desmaterialização do objeto artístico” nas décadas de 1960 e 1970. A produção associada à exposição New Topographics. A difusão de obras fotográficas em museus e galerias a partir da década de 1980.

* Denise Gadelha é mestre em Poéticas Visuais pelo Programa de Pós Graduação em Artes Visuais da UFRGS. Atua como artista e professora. Ministra cursos sobre Artes e Fotografia. Recentemente participou da exposição “Geração 00: a Nova Fotografia Brasileira” curada por Eder Chiodetto apresentada no Sesc Belenzinho (abril/2011). Foi artista também da mostra “Histórias de Mapas, Piratas e Tesouros” realizada no Itaú Cultural, sob a curadoria de Eduardo Brandão e Cia de Foto (outubro/2010). Conduziu o programa educativo da SP-Arte/Foto (setembro/2010) e o ciclo de palestras na SP-Arte/Foto/2011.

Ciclo História(s) da Arte no Brasil na Biblioteca Mário de Andrade, São Paulo

Ciclo História(s) da Arte no Brasil

A Biblioteca Mário de Andrade realiza no mês de março o segundo módulo do ciclo "História(s) da Arte no Brasil". Os encontros terão duas apresentações de palestrantes convidados por dia, abordando dois temas distintos, como abstrato, moderno e Vanguardismo brasileiro.

13, 15, 20 e 22 de março de 2012

Biblioteca Mário de Andrade – Auditório
Rua da Consolação 94, Consolação, São Paulo - SP
http://www.prefeitura.sp.gov.br/cidade/secretarias/cultura/bma/
Durante a atividade, a Sala de Artes Sérgio Milliet, aberta ao público até as 19h, exibirá exposições de seu acervo relacionadas aos temas enfocados.

Programação

Tema: Figurativo, abstrato, moderno

Modernismo, Barroco Mineiro, Abstração Gestual: A Crítica de Arte de Lourival Gomes Machado
Com Ana Cândida de Avelar.

Galeria, Fundação e Museu: Três Tempos da História do MAM-SP
Com Regina Teixeira de Barros.
Dia 13, das 19h às 21h

Tema: Vanguardismo brasileiro

Mário Pedrosa e o Exercício Experimental da Liberdade
Com Francisco Alambert.

Arte Moderna e Mediação Institucional: A criação da Bienal Internacional de São Paulo
Com Marilúcia Bottallo.
Dia 15, das 19h às 21h

Tema: Arte e universidade

História da Arte nos cursos de Arquitetura
Com Ana Beluzzo

Arte e História da Arte na Universidade
Com Teixeira Coelho
Dia 20, das 19h às 21h

Tema: Panorama atual

A Internacionalização da Arte Brasileira no século XX: Alguns problemas sobre a escrita da História da Arte hoje
Com Sônia Salzstein.

A reavaliação crítica da Arte Brasileira do século XIX nas últimas décadas
Com Sonia Gomes Pereira.
Dia 22, das 19h às 21h

Em novembro passado, a Biblioteca Mário de Andrade (BMA) promoveu o primeiro módulo do ciclo História(s) da Arte no Brasil. Neste mês, dando continuidade às discussões, acontece, a partir do dia 13 de março, o segundo módulo. Os encontros seguem o mesmo esquema da edição anterior, com duas apresentações de palestrantes convidados por dia, abordando dois temas distintos. Entre os assuntos abordados, estão Figurativo, abstrato, moderno e Vanguardismo brasileiro.

O ciclo é um projeto concebido em conjunto com a diretoria e a equipe de ação cultural da BMA. A segmentação dos módulos enfoca as diferentes visões que se projetaram sobre a arte no Brasil, bem como as muitas histórias originadas a partir da produção artística. “O principal critério utilizado para a definição dos módulos foi a criação dos museus de arte na década de 1940. A nosso ver, com os museus, começam a se constituir outras maneiras de se ver e pensar a história da arte”, explica o pesquisador em artes visuais Thiago Gil, curador e mediador do evento. “Fato importante nesse processo é que alguns dos principais historiadores da arte no Brasil, nas últimas décadas, foram também diretores de museus e curadores de bienais. Com isso, tiveram a oportunidade, muito difícil até então, de materializar seus pensamentos sobre arte também na organização de exposições, nas premiações e aquisições para acervos”, acrescenta.

A maior motivação para a criação do ciclo de palestras foi o próprio acervo bibliográfico da Sala de Artes da BMA, que possui vasto material sobre história da arte e arquitetura nacional e internacional. Ao escolher os palestrantes, os nomes foram selecionados no âmbito universitário. Segundo Gil, foram priorizados pesquisadores que desenvolvem trabalhos especificamente sobre o tema de cada mesa, ou que tenham ao menos uma experiência reconhecida no campo da história da arte. Neste segundo módulo, foram confirmados os nomes de Ana Cândida de Avelar, doutoranda em Artes Visuais pela USP; Francisco Alambert, doutor em história social pela USP, entre outros.

Oficina de performance Intrafluxos com Maíra Vaz Valente no Paço das Artes, São Paulo

Oficina de performance Intrafluxos

Com Maíra Vaz Valente

O Paço das Artes promove a oficina Intrafluxos em março. Idealizada pela artista Maíra Vaz Valente, a atividade tem como proposta pensar a performance como prática de intervenção na paisagem urbana. Procedimentos e jogos de percepção serão abordados a fim de estabelecer relações com o espaço para, a partir daí, agir e intervir.

13 e 15 de março, terça e quinta, 14h-18h

Inscrições: envio de carta de interesse para o e-mail educativo@pacodasartes.org.br

20 vagas

Paço das Artes
Av. da Universidade nº 01, Cidade Universitária, São Paulo - SP
11-3814-4832
www.pacodasartes.org.br

Maíra Vaz Valente é artista plástica. Trabalha a partir de práticas performativas no campo da visualidade e seus desdobramentos. Participou de mostras nacionais e internacionais com suas proposições - São Paulo, Rio de Janeiro, Recife, Vitória, Porto Alegre, Monterrey (México) e Lisboa (Portugal). É também co-fundadora do grupo de estudos Núcleo Aberto de Performance (NAP). Graduou-se em Artes Plásticas na Escola de Comunicações e Artes/USP em 2009.

Panorama da Arte Contemporânea com Regina Parra na Escola São Paulo, São Paulo

Panorama da Arte Contemporânea

Professora: Regina Parra

Venha discutir e refletir sobre os caminhos da arte contemporânea a partir da apresentação de artistas como representativos da cena atual. A partir da análise dos trabalhos de artistas como Olafur, Gordon Matta-Clark, Joseph Beuys, Cindy Sherman, Damien Hirst, Jeff Koons, Hélio Oiticica, Ernesto Neto entre outros e também da discussão de alguns textos fundamentais para arte contemporânea, o curso abordará aspectos decisivos para o entendimento da arte produzida desde a década de 60 até hoje.

12 de abril a 31 de maio, quintas-feiras, 14-17h

Investimento: R$ 240 + 2 parcelas de R$ 240

Aulas avulsas deste curso pelo valor de R$110

Escola São Paulo
Rua Augusta 2239, São Paulo - SP
11-3060-3636 ou info@escolasaopaulo.org
http://www.escolasaopaulo.org

AULA 1
Modernismo e Pós-modernismo

Conteúdo: Contextualização histórica e social para entender a passagem da Modernidade para o Pós-modernismo. O fim das vanguardas. Greenberg e pós-Greenberg: a pureza dos meios x a interdisciplinaridade. Como definir a arte contemporânea?

AULA 2
A expansão do espaço na arte contemporânea: Olafur Eliasson + Richard Serra + Gordon Matta-Clark

Conteúdo: Nos últimos quinze anos, Olafur Eliasson tem criado instalações espetaculares baseadas em mecanismos de movimento, projeção e sombra. Seus ambientes imersivos transformam a percepção do público ao propor novas formas de lidar com o espaço, a visão, a luz e a cor. Os trabalhos de Richard Serra expandem e problematizam a relação entre obra, espaço e espectador. O centro de gravidade e o equilíbrio, a massa e o vazio, a percepção do espaço e a consciência corporal por parte do público, constituem os temas básicos de suas gigantescas esculturas em aço. Grande parte da produção de Gordon Matta-Clark é constituída por intervenções artísticas que demonstram um olhar crítico ao exercício da arte e da arquitetura. O artista leva a ação escultórica para a arquitetura ao produzir cortes diretamente nas paredes e estruturas de prédios e casas.

AULA 3
A diluição dos limites entre arte e vida: Joseph Beuys + Félix González-Torres + Marina Abramovic

Conteúdo: A natureza profundamente experimental do trabalho de Joseph Beuys faz confundir os limites entre arte e vida. Durante sua trajetória, o artista alemão produziu objetos, instalações, esculturas e desenhos que desafiam as noções artísticas mais tradicionais. Félix González-Torres utilizava materiais extremamente mundanos como balas, relógios e lâmpadas para discutir de forma poética a transitoriedade da vida. Sempre explorando a participação do público, seus trabalhos lidam com questões como espaço público e privado, história subjetiva e história política, homossexualismo e Aids. Utilizando seu próprio corpo como instrumento de trabalho, Marina Abramovic já teve uma arma apontada para sua cabeça, permaneceu em silêncio durante 700 horas e ateou fogo na própria roupa. Ao levar aos extremos seus limites físicos e mentais, a artista cria performances que ao mesmo tempo chocam e desafiam os espectadores.

AULA 04
Pintura contemporânea: Luc Tuymans + Neo Rauch + Marlene Dumas

Conteúdo: Luc Tuymans trabalha a partir de imagens fotográficas para refletir sobre a impossibilidade da representação. Ao expor as lacunas existentes evento histórico e imagem representada, as pinturas de Tuymans atuam como vestígios ou falsos emblemas de algo que não pode ser transmitido. Neo Rauch faz da pintura uma área de conflito onde elementos utópicos e nostálgicos convivem. Em suas telas, encontramos tanto referências do realismo socialista da Alemanha oriental, onde o artista cresceu, como também influências vindas do ocidente, como cores industriais e uma fatura realista que beira o cartoon. Uma das mais notáveis pintoras contemporâneas, Marlene Dumas transforma atitudes pessoais em manifestações políticas, propondo uma reflexão contundente sobre violência, sexualidade e erotismo.

AULA 5
O vídeo na arte contemporânea: Bill Viola + Anri Sala + Francis Alys

Conteúdo: Um dos pioneiros da vídeo arte, Bill Viola discute os grandes temas da existência em seus trabalhos, trazendo à tona a relação entre a vida humana e o universo ou entre a vida e a morte. Francis Alÿs parte de alegorias poéticas para tratar de questões políticas e sociais, como as fronteiras nacionais, o local e o global e as áreas de conflito atuais. Seu diverso e complexo corpo de trabalho inclui vídeos, pinturas, performance, desenho e fotografias. Trabalhando principalmente com vídeos, Anri Sala cria obras onde história política, biografia pessoal, documentação e ficção se combinam de tal forma que já não se pode discernir uma coisa da outra. Procurando captar justamente esses momentos de transição e incertezas, Sala coloca em xeque nossas convicções, desestabilizando conceitos e preconceitos.

AULA 6
Os limites entre a chamada alta cultura e a cultura pop ou mídia de massa: Jeff Koons + Takashi Murakami + Damien Hirst

Conteúdo: O imaginário pop e kitsch está presente nos trabalhos de superfícies sedutoras e execução impecável de Jeff Koons. A exploração do banal acabou virando a marca desse artista que cria suas obras a partir de personagens de desenhos animados, celebridades e anúncios de revista, evidenciando uma poética que lida não apenas com as imagens em si, mas que também trata da relação do espectador com elas. O trabalho de Takashi Murakami problematiza as fronteiras entre ocidente e oriente, passado e presente, alta cultura e cultura pop. Produzindo não apenas obras de arte, Murakami chocou o mundo da arte com sua colaboração para Louis Vuitton, desafiando o limite entre arte e comércio. Tido como a pessoa mais poderosa do mundo das artes, segundo a revista ArtReview, Damien Hirst ficou conhecido por preservar animais em formaldeído, criando trabalhos tão polêmicos quanto irônicos que lidam com a inevitabilidade da morte e questionam o papel da arte na cultura contemporânea.

AULA 7
Arte contemporânea brasileira I: Hélio Oiticica + Cildo Meireles + Rivane Neuenschwander

Conteúdo: Um dos principais expoentes da arte brasileira, Hélio Oiticica se destaca por uma produção de caráter experimental e original que estimula a participação do público. Legitimando procedimentos e materiais oriundos da cultura popular, como em seus Parangolés, o artista evidencia a capacidade de responder criativamente às adversidades, bem como uma postura igualitária, liberta de constrangimentos políticos, econômicos, estéticos ou morais. Cildo Meireles parte de objetos do cotidiano ou de uma memórias de infância para criar instalações que propõem uma reflexão filosófica e sensorial, sem com isso perder a dimensão política. A passagem do tempo, a fragilidade da vida e os ciclos da existência são apenas algumas das muitas questões trazidas por Rivane Neuenschwander. Em trabalhos que ganham forma compinturas, instalações, performances ou ações coletivas, a artista apresenta aos espectadores aquilo que os circunda, mas que passa quase sempre despercebido.

AULA 8
Arte contemporânea brasileira II: Ernesto Neto + Marepe + Leonilson

Conteúdo: Utilizando tecidos, temperos e isopor como materiais da sua obra, Ernesto Neto expande a prática da escultura ao propor um trabalho simultaneamente escultórico e experimental, onde a interação física do espectador é fundamental. Marepe propõe em seus trabalhos um diálogo entre elementos da vida cotidiana e materiais nordestinos. Bacias de metal, barracas, filtros de barro e até um cajueiro aparece em seus trabalhos com forma e função alterados. Leonilson documentou a si mesmo e as angústias de sua geração por meio de uma poética tão delicada quanto contundente. Suas pinturas, desenhos, bordados, instalações e esculturas impressionam por sua extrema simplicidade e enorme capacidade de síntese.

Curso Teórico

Nível: Básico

Regina Parra
Graduada em Artes Plásticas pela FAAP e mestranda em Artes Visuais da Faculdade Santa Marcelina, Regina Parra estudou também na École des Beaux Arts, em Paris, e na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro. Integrou o grupo 2000e8 e foi selecionada para alguns dos principais programas para jovens artistas, como a Temporada de Projetos do Paço das Artes, onde realizou mostra individual em 2009, e o Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo, onde apresenta em novembro deste ano um trabalho inédito em vídeo. Realizou exposições individuais na Galeria Leme, em São Paulo, e na Fundação Joaquim Nabuco, em Recife. Entre as coletivas de que participou, destacam-se A Carta da Jamaica, curadoria de Alfons Hug, no Oi Futuro do Rio de Janeiro; Rice and Beans, curadoria Jacopo Visconti, no Studio Trendy em Miami; À Sombra do Futuro, curadoria de Luiza Proença e Roberto Winte,r no Instituto Cervantes; Paralela 2010, curadoria de Paulo Reis; e 2000e8, curadoria de Paulo Pasta, no SESC Pinheiros.