Blog do Canal

Carlos Fajardo no MON, Curitiba

O Museu Oscar Niemeyer (MON) inaugura dia 22 de novembro, quinta, às 19h15, a mostra Diáfano - Reflexos, transparências e opacidade na obra de Carlos Fajardo, com curadoria de Henrique Xavier. Neste dia é comemorado o aniversário do MON, com programação especial o dia todo e entrada franca até 21h.

A exposição faz parte de um amplo projeto de exposições e pes­quisa sobre a obra de Carlos Fajardo, apresentando, sobretudo, a produção mais recente do artista, inclusive uma obra foi criada especialmente para a mostra.

As obras recentes, nove ao total, trabalham sobretudo com um tipo de superfície mui­to especial: a reflexiva. São obras marcadas pelo uso estético de vidros, espelhos e superfícies semirreflexivas, transparentes e coloridas, as quais são combinadas não apenas entre si, mas também associadas a fotografias de grandes dimensões, a feltros de lã de ovelha, a prata molda à mão, a caixas e a estruturas tridimensionais.

Há, também, uma obra de luz, proveniente da trajetória de mais de cinquenta anos de carreia do artista. Contudo, não se trada de expô-la de maneira meramente histórica, mas de colocá-la com vida e atualidade em tensão com o material novo.

A obra de Fajardo marca a contínua renovação de uma trajetória que se inicia em 1966 e permanece até os nosso dias em um constante diálogo com os caminhos mais ousados da arte contemporânea. “São desenhos, pinturas, vídeos, esculturas e instalações; sendo, principalmente, obras que possuem um tênue erotis­mo, pois lidam sutilmente com a presença, o corpo e o desejo do espectador”, analisa o curador.

Por meio deste conjunto de materiais são produzidas experiências capazes de brincar, duplicar e fundir espa­ço, cor, arquitetura e a imagem dos próprios espectadores presentes na exposição.

As criações do artista serão dispostas procurando interagir entre si e com o espa­ço ao seu redor, operando como uma única grande instalação. Assim, o espectador não se depara apenas com uma série de obras autônomas, uma ao lado da outra, mas com um conjunto coeso que reflete a si mesmo em um diálogo com o ambiente, apropriando-se esteticamente do próprio espaço do museu.

A mostra fica em cartaz até 28 de abril de 2019. A visitação pode ser feita de terça a domingo, das 10h às 18h. No dia da abertura a entrada é gratuita.

Carlos Alberto Fajardo frequenta o curso de arquitetura na Universidade Mackenzie, em São Paulo, entre 1963 e 1972. Na década de 1960, estuda pintura, desenho, comunicação visual e história da arte com Wesley Duke Lee (1931 - 2010), e música contemporânea com Diogo Pacheco (1925). Participa da criação do Grupo Rex, com Wesley Duke Lee, Nelson Leirner (1932), Frederico Nasser (1945), Geraldo de Barros (1923 - 1998) e José Resende (1945), em 1966, e torna-se co-editor do jornal Rex Time. Em 1970, com Luiz Paulo Baravelli (1942), Frederico Nasser e José Resende, funda a Escola Brasil:. Estuda gravura em metal com Babinski (1931) e litografia com Regina Silveira (1939). No início de sua trajetória, trabalha com diferentes técnicas, realizando objetos, pinturas, colagens, desenhos e gravuras. A partir de 1981, expõe trabalhos em pintura, constituídos por um conjunto de telas e de superfícies em madeira pintada, apenas apoiados nas paredes da sala, criando assim um espaço entre os dois planos. Passa a dedicar-se à realização de esculturas em que explora questões como peso, gravidade ou sustentação da obra no solo. Em 1987, recebe a Bolsa Ivan Serpa da Funarte e, em 1989, a Bolsa Vitae de Artes. Desde 1996, leciona no departamento de artes plásticas da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo - ECA/USP.

Vanderlei Lopes na Athena, Rio de Janeiro

A Galeria Athena apresenta, a partir do dia 29 de novembro, a exposição Arena, de Vanderlei Lopes, com cerca de 30 trabalhos inéditos, feitos em bronze, que ocuparão todo o espaço expositivo da galeria. Produzidas este ano, as obras da exposição se unem em torno da questão do tempo e da construção cultural. As obras são feitas a partir de moldes dos objetos originais, o que as torna muito próximas ao real, não parecendo, em um primeiro olhar, serem em bronze. Em muitas delas, há a questão do movimento, como se o tempo tivesse sido congelado durante a ação.

“Factualidade e ficção, pensamento e ação, colidem-se nesse constante processo. Aqui, perpetuados em bronze, situações cotidianas e transitórias surgem como esculturas, monumentos que desejam discutir tais fenômenos”, conta Vanderlei Lopes.

Um grande tronco de árvore cortada, fundida em bronze, com cerca de 3,60m de diâmetro por 1,25m de altura, com uma arena vazia em seu topo, estará na sala menor da galeria, que mede 50m². A arena foi construída a partir das linhas circuncêntricas da madeira, que podem ser vistas em um corte, através dos quais é possível calcular a idade da árvore. A arena é um local de acontecimentos por princípio, um lugar de espetáculos desde os tempos mais antigos, mas neste trabalho ela aparece vazia. “Construída escalonada, faz eco aos movimentos circuncêntricos do crescimento da árvore e sobrepõe ao tempo natural de seu crescimento o tempo cultural, aludido pela arena. De outro lado, o trabalho relaciona o corte à construção cultural, ao acontecimento civilizatório. O teatro vazio, alusão ao palco social onde se desenrolam os acontecimentos, a atuação cotidiana”, afirma Vanderlei Lopes.

No salão maior, que tem 140m² e pé direito de 6,5m, estarão cerca de 20 esculturas em bronze, simulando primeiras páginas de jornais, que estarão espalhadas pelo chão, com noticias relacionadas à construção cultural. “Trata-se de jornais fixados em bronze – esses elementos cotidianos que de tão transitórios, passam a ser passado no dia mesmo em que foram impressos, aqui, convertidos ao estatuto de monumento”, conta o artista. Os jornais trazem imagens de explosões, objetos ou situações cotidianas incendiadas que colidem com frases de origens diversas, apropriadas ou transformadas, manifestos e fragmentos reflexivos, escritos por figuras emblemáticas e constitutivas de uma elite cultural. Nos jornais criados pelo artista há imagens de diversos incêndios, como o recente que atingiu o Museu Nacional e outros mais antigos, como o do MAM, no Rio de Janeiro, e do Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo, além de imagens de disputas de poder e de território, como a Bomba de Hiroshima e o ataque às Torres Gêmeas, no dia 11 de setembro de 2001. “Os jornais têm a fixação do tempo, e esses trazem imagens de transformações. Uma espécie de tragédia perpassa os jornais espalhados pelo chão, que intenta friccionar um repertório de matriz construtiva a outro, de cunho mais trágico”, ressalta o artista, que data os jornais de acordo com a data de feitura das obras.

Nesta mesma sala, estará a obra “Demiurgo”, uma sacola de bronze azul, que flutua no ar rente à parede, como o resíduo de um vento que passou, materializando em estado de suspensão o voo desse objeto. Complementa a exposição a obra “Insônia”, um travesseiro, também em bronze, cuja ponta é dobrada, dando a impressão de ser realmente um travesseiro de tecido maleável, com um redemoinho modelado em sua superfície. Na parede, há a fotografia de um tornado, em diálogo com a escultura. “Ambos os trabalhos, sobrepõem a fixação dos fenômenos naturais a que aludem ao modo como as obras surgem instaladas fisicamente no espaço expositivo”, diz o artista.

Ao articular as duas salas da galeria, Vanderlei Lopes cria um jogo de contrastes em que o espaço físico menor está ocupado por um único trabalho de grandes dimensões, que o torna denso, enquanto o espaço maior, ocupado por outros de menor escala, dispostos no chão, apresenta aspecto mais esparso, criando uma inversão, assim como a arena, que aqui surge vazia, contrapondo-se ao seu sentido original, que é um lugar de acontecimentos, de movimento, de fatos. O nome da exposição surge desta visão mais ampla do que seria arena, esse lugar de acontecimentos, onde uma árvore acaba de ser cortada, jornais estampam noticias recentes, pedaços de papéis rasgados voam com o vento, assim como uma sacola azul e um travesseiro após a passagem de um tornado.

SOBRE O ARTISTA

Vanderlei Lopes (Terra Boa – PR, 1973) é formado em artes plásticas pela UNESP. Possui obras em importantes coleções públicas, como Pinacoteca Municipal e Pinacoteca do Estado de São Paulo; Coleção Itaú; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte do Rio; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto.

Entre suas principais exposições individuais destacam-se: “Domo” (2016), na Capela do Morumbi; “Monumento” (2016), na Galeria Athena Contemporânea; “Grilagem” (2014), no Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro; “Transitorio” (2014), na Galeria nueveochenta, em Bogotá; “Voo, Maus Hábitos” (2007), no Porto, Portugal.

Entre as exposições coletivas estão: “Gold Rush” (2016), no De Saisset Museum, nos EUA; “Uma coleção particular - Arte Contemporânea no Acervo da Pinacoteca” (2015/2016), na Pinacoteca do Estado de São Paulo; “Realidades – Desenho Contemporâneo Brasileiro” (2011), no SESC-SP; “Les Cartes Blanches du Silo à l’Emsba” (2009), no Beaux-Arts de Paris, l`école nationale supérieure, em Paris; “Loop Videoart Barcelona” (2009), no Centre Civic Pati Llimona, em Barcelona; “Nova Arte Nova” (2008/2009), no CCBB Rio de Janeiro e São Paulo, entre outras.

Cobogó lança Arte Censura Liberdade na Travessa Ipanema, Rio de Janeiro

Editora Cobogó lança Arte Censura Liberdade - Reflexões à luz do presente que, a partir dos casos de censura às artes que ocorreram em 2017 e reflete sobre as formas de cerceamento como fenômeno global. Haverá um debate com a presença dos autores da publicação.

Organizado por Luisa Duarte, reúne dezenove textos de curadores, artistas e pensadores: Adriana Varejão, Bernardo Mosqueira, Clarissa Diniz, Daniela Labra, Daniela Name, Fred Coelho, Gaudencio Fidelis, Gregorio Duvivier, Lilia Schwarcz, Luiz Camillo Osório, Marcelo Campos, Maria Melendi e Lais Myrrha, Marisa Flórido, Michelle Sommer, Moacir Dos Anjos, Ronaldo Lemos, Sergio Martins, Suely Rolnik, Suzana Velasco.

28 de novembro de 2018, quarta-feira, às 19h

Livraria da Travessa
Rua Visconde de Pirajá 572, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ

“Melhor seria se este livro não precisasse existir. O seu objeto parecia ter ficado para trás. Censura era, sobretudo, no âmbito nacional, um substantivo feminino destinado aos livros de história quando se referiam à ditadura militar (1964-1985)”, afirma a curadora Luisa Duarte, que organiza o livro Arte Censura Liberdade - Reflexões à luz do presente.

Mas trinta e três anos depois do movimento das Diretas Já, o Brasil se vê envolto em uma série de episódios de cerceamento da liberdade de expressão no campo da arte, sendo os mais conhecidos o do fechamento precoce da exposição QueerMuseu, no Santander Cultural, em Porto Alegre, e os ataques ao artista Wagner Schwartz por ocasião de sua performance La Bete, no 35 o Panorama da Arte Brasileira, no MAM-SP.

Pensando na necessidade da criação de um espaço para o pensamento acerca da realidade complexa que vivemos, a Editora Cobogó, a partir de uma edição da revista Jacaranda, reuniu diversos artistas, pensadores e curadores para publicar textos a respeito desse momento histórico.

“Se o escopo das reflexões presentes ao longo deste volume tem como origem casos ocorridos em solo brasileiro, a atenção dos dezoito autores aqui reunidos transcende as nossas fronteiras, nos dando a pensar sobre as novas/antigas formas de cerceamento e o neofascismo como fenômenos globais,” afirma Duarte.

Arte Censura Liberdade conta com a coordenação editorial da jornalista Suzana Velasco que também assina o primeiro texto do livro, “Um ano de ataques à criação artística e à liberdade de expressão”, no qual é apresentado ao leitor um panorama dos fatos que marcaram o período. O último texto da publicação é um ensaio de Suely Rolnik, intitulado “O abuso da vida – Matriz do inconsciente colonial capitalístico”, em que ele alarga o entendimento de censura a questão do alcance e às consequências que estes agentes coletivos têm no indivíduo.

Ao longo do livro, uma multiplicidade de pontos de vista abrem caminhos de interpretação do que se passou: “Notas sobre a miséria do olhar”, de Moacir dos Anjos, lembra que uma certa miséria do olhar não é exclusiva dos conservadores, mas sim algo que pode afetar, também, aqueles que defendem o poder transformador da arte; “A hora das instituições”, de Sergio Bruno Martins, se dedica a pensar o papel central das instituições diante dos impasses postos em cena no ano de 2017; “La Bête – depois da intolerância, alguma conversa”, de Luiz Camillo Osorio, traz o pensamento posterior à tormenta tecido pelo curador do 35 o Panorama da Arte Brasileira, no MAM de São Paulo, no qual a performance La Bête, de Wagner Schwarz, foi alvo da censura que atravessou o país; “O corpo nu, aquele estranho conhecido”, de Daniela Labra, traça um olhar retrospectivo sobre o nu na arte; “Arte para quem? Arte para todos”, de Frederico Coelho, coloca as artes visuais em relação a outras linguagens, como a música e a literatura, para pensar o seu (não) lugar no imaginário popular do país; “Fome de democracia – Arte, política & utopia”, de Michelle Sommer, parte de um encontro entre Mário Pedrosa, Darcy Ribeiro, Glauber Rocha e Ferreira Gullar, no ano de 1977, para refletir sobre o Brasil de trinta anos depois; “Arte entre liberdade e servidão”, de Marisa Flórido, aborda o fascismo como aquilo que alveja o poder de imaginar outros mundos possíveis, próprio da arte; “Mensageiros do medo – atos iconoclastas no Brasil atual”, de Maria Angélica Melendi e Lais Myrrha, pensa o horror à imagem em tempos de censura; “Imagem, ficção e gueto”, de Daniela Name, aposta na possibilidade de o meio de arte ver a si mesmo criticamente no sentido de alargar as fronteiras de seu próprio gueto; “Tudo – ainda – está em seu lugar”, de Clarissa Diniz sublinha a importância de se problematizar a luta de classes circunscrita na chamada “guerra cultural” que habita o ataque ao território da arte contemporânea; “Herança conquistada, direitos esquecidos, espelhos devolvidos: a presença da cultura africana no entendimento da arte e da cultura brasileiras”, de Marcelo Campos, descortina embates vividos pela sociedade brasileira no campo religioso, racial, e também artístico, que antecedem os conflitos de 2017; “Veneno-remédio: arte e liberdade de expressão”, de Ronaldo Lemos, apresenta um ponto de vista jurídico sobre os dilemas diante da censura na era da internet e das fake news; “A crise de 2017”, de Bernardo Mosqueira, evoca encruzilhadas e possíveis aberturas para o território da arte; uma entrevista com Gaudêncio Fidélis, curador da exposição Queermuseu dá voz a quem esteve no centro dos ataques sofridos em 2017; “Arte degenerada no Brasil ou como sair da arquibancada moralista”, de Lilia Moritz Schwarcz, faz um recuo histórico traçando semelhanças entre o moralismo que abateu o Brasil atual e o estado totalitário da Alemanha nazista dos anos 1930, 40 e 50; “Nossos conservadores”, de Gregorio Duvivier, apresenta uma crônica aguda sobre o reacionarismo brasileiro e o papel paralisante do medo em tempos obscuros; por fim, uma conversa com Adriana Varejão, cuja obra Cena de interior II (1994) foi um alvo preferencial da censura à Queermuseu, traz o ponto de vista de quem se viu, involuntariamente, no foco da censura.

“Conservar é guardar ao abrigo do mundo. Conserva-se o picles com vinagre.
Conserva-se a carne com sal. Conserva-se os refrigerantes com benzoato de sódio.
Conserva-se um corpo com cirurgias plásticas, conserva-se um rosto com botox.
Como é que se conserva um país inteiro? Joga-se sal sobre ele? Ácido fosfórico?
Como é que se estica as bordas do país numa operação de macro-lifting?”
Gregório Duvivier.

Ana Teixeira lança livro na Casa Plana, São Paulo

Lançamento do livro "Para que algo aconteça Ana Teixeira, 1998-2018" com a realização da ação Outra Identidade, realizada por Estela Miazzi

3 de dezembro de 2018, segunda-feira, das 19 às 22h

Casa Plana
Rua Fradique Coutinho 1139, Pinheiros, São Paulo, SP
11-3032-2057

O livro reúne um conjunto significativo de trabalhos dos vinte anos de trajetória da artista Ana Teixeira, dando visibilidade a uma produção múltipla, composta por ações e intervenções em espaços públicos, desenhos, esculturas, instalações e vídeos. Editado pela artista e por Josué Mattos, historiador da arte e curador, o livro foi produzido de forma independente e contém textos críticos de Cauê Alves, Claudia França, Galciani Neves, Paula Alzugaray e Paula Braga.

“Grande parte de minha produção nestes vinte anos teve a cidade e seus habitantes/passantes como elementos substanciais; mas também minhas obras de ateliê – como desenhos, esculturas, objetos e vídeos – revelam que minha matéria-prima é o ser humano, são as gentes, somos nós”, diz a artista no texto de abertura do livro.

No lançamento será realizada a ação Outra Identidade, na qual um carrinho-escritório ambulante, contendo carteiras de identidade fabricadas pela artista, são distribuídas às pessoas interessadas em troca de suas impressões digitais. No lugar de números, fotos ou nomes, Outra identidade sugere frases. Cada participante escolhe uma ou mais frases, que possam identificá-lo. Não sei de mim, eu falo mentiras, não tenho certezas, tenho sonhos, e meu lugar é onde eu quiser, estão entre elas.

Ana Teixeira é artista formada pela ECA (Escola de Comunicações e Artes) da USP e mestra em Poéticas Visuais pela mesma Universidade. Seu trabalho transita por diferentes meios, com interesse particular pelo desenho e pela arte participativa, tendo a literatura e o cinema como suas principais referências.
Nos últimos anos participou de exposições e residências em diferentes partes do mundo. Dentre elas, destacam-se Heimatwechsel/ Change of Home, (Dortmund, Alemanha, 2004); Espace Paul Ricard, (Paris, França, 2005); Bienal de Performances Deformes, (Santiago do Chile, 2006); Mercer Union - Centre of Contemporary Art (Toronto, Canadá, 2008); International Workshop for Visual Artists, Kulturreminsen, (Brande, Dinamarca, 2010); Instituto Sacatar (Itaparica, Brasil, 2011); MAC, Museo de Arte Contemporaneo (Santiago, Chile, 2014). Trabalhos da artista podem ser vistos em: www.anateixeira.com

Beatriz Milhazes lança livro com conversa no Itaú Cultural e Carpintaria

Publicação organizada por Frédéric Paul, curador do Centro Nacional de Arte e Cultura Georges-Pompidou, em Paris, conta com uma entrevista realizada por Richard Armstrong, diretor do Guggenheim Museum de Nova York, além de um ensaio crítico do próprio organizador. Lançamento acontece em São Paulo, no Itaú Cultural, com oficina ministrada pela artista para o público infantil, e no Rio de Janeiro na Carpintaria.

No dia 3 de dezembro (segunda-feira), às 19h, em São Paulo, o Itaú Cultural lança Beatriz Milhazes, Colagens. O livro faz parte das comemorações de 10 anos da Editora Cobogó, tem patrocínio do Banco Itaú e apoio do Itaú Cultural. A noite conta com a presença da artista em sessão de autógrafos e conversa com o curador Ivo Mesquita e com o público sobre a publicação e sua obra. O instituto também promove nos dias 1 e 2 de dezembro (sábado e domingo), das 14h às 17h, oficina de colagem para crianças, ministrada por Beatriz - inscrições online.

No Rio de Janeiro, o livro é lançado na Carpintaria, no dia 5 de dezembro (quarta-feira), às 19h, com a presença da artista, conversa com a curadora Luiza Interlenghi e sessão de autógrafos.

Durante uma residência na Bretanha, em 2003, Beatriz Milhazes ofereceu chocolates e doces para a equipe do centro de arte, pedindo que cada um lhe devolvesse os papéis das embalagens depois de os comerem. Em sua mala, a artista havia levado do Brasil toda uma seleção de embalagens. Foi desse modo que ela iniciou um novo projeto: o de colagens.

Até então, a colagem era, para Beatriz, uma atividade secundária, uma espécie de rascunho das pinturas. “Ajudou a desenvolver minha linguagem sobre pintura apenas com tinta, desenhos originais criados por mim, mantendo a intensidade e a lealdade das cores”, conta ela. “Eu podia justapor e conferir as imagens antes de colá-las na tela, e também a textura da superfície era lisa”, completa.

Com o tempo, a técnica das colagens foi ganhando rumo próprio e destaque dentro do atelier de Beatriz. “Existe uma troca muito interessante entre minhas colagens em papel e minha pintura. Cada processo tem seu próprio tempo e suas necessidades. Só precisamos ouvir”, explica a artista na entrevista dada a Richard Armstrong e publicada no livro.

“As colagens têm uma espécie de diálogo com um diário imaginário”, observa ela. “Os papéis colecionados vêm de uma variedade de interesses: às vezes é uma atração estética, em outras são parte de uma rotina, como embalagens de chocolate ou recortes que sobraram de impressões existentes”, diz Beatriz concluindo que por isso a sua construção da composição da colagem cria um diálogo que só existe na colagem.

Para o organizador do livro, o curador do departamento de arte contemporânea do Centro George Pompidou, Frédéric Paul, ao utilizar ingredientes descartáveis para suas colagens, a artista enfatiza a aceleração dos ciclos do gosto artístico. “A futilidade da guloseima e das compras são a expressão da fútil versatilidade dos indicadores de tendências”, escreve Paul. “São também, seguramente, a expressão da presumida futilidade decorativa. A obra de Milhazes possui a extraordinária complexidade das coisas simples, e nos coloca diante de uma estonteante evidência plástica”, conclui ele.

Sobre Beatriz Milhazes

Nasceu em 1960 no Rio de Janeiro, Brasil, onde vive e trabalha. A sua obra está em importantes coleções públicas, como o 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan; Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne / Beaubourgh (Paris, França); Fondation Beyeler (Basel, Suíça); Fundação Edson Queiroz (Fortaleza, Brasil); Instituto Itaú Cultural, Museu de Arte Moderna/MAM e Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo, Brasil); Museu Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro, Brasil); Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art/ MoMA e Solomon R. Guggenhein Museum (Nova York, EUA); São Francisco Museum of Modern Art/ SFMoMA (San Francisco, EUA); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, Espanha) e Museum of Contemporary Art e Tokyo Art Museum (Tóquio, Japão). Mais informações sobre a artista na Enciclopédia Itaú Cultural.

Aonde vamos? na Lume, São Paulo

Galeria Lume estreia coletiva com tom crítico e reflexivo

Com trabalhos de artistas de diferentes gerações, exposição curada por Paulo Kassab Jr. sugere reflexão acerca de questões políticas e sociais que assolam o País

Uma pausa em meio às intempéries sociais e políticas que tomam conta do País no momento presente. Uma lacuna com indagações para quem busca respostas. Como enxergamos os períodos de transição do passado e do presente? Essas são algumas das questões que conduzem a coletiva Aonde vamos?, exposição que a Galeria Lume realiza a partir de 1º de dezembro, com obras de artistas do corpo representado e também de convidados.

Com curadoria de Paulo Kassab Jr., a mostra reúne trabalhos de Adolfo Montejo Navas, Ana Vitória Mussi, Clara Ianni, Ile Sartuzi, Kilian Glasner, Nazareth Pacheco, Ole Ukena e Tiago Tebet. Direta ou indiretamente, as obras dialogam com o momento que o Brasil atravessa e, sem apresentar respostas, propõem uma série de indagações sobre a relação de uma intolerância crescente cultivada em nossa sociedade com hábitos de consumo fugazes e a imponência das redes sociais em nossas vidas.

"Enquanto nos adaptamos e reinventamos formas mais sustentáveis de conviver e compartilhar, o consumo e as redes sociais continuam a crescer como uma fonte de prazer quase orgástica. Tudo se vende, tudo se compra, tudo se expõe, tudo se posta. As eleições tornaram-se concursos de popularidade em vez de serem um debate racional de propostas. Enquanto isso, insuspeitos eleitores se deleitam com falsas notícias (fake news), posts revoltos e engajados, uma sucessão infinita de likes e deslikes", afirma Paulo Kassab Jr. "Vivemos um momento de reticência: a transição incerta entre dois governos temerários insinua uma sociedade que se instala entre a euforia e tristeza", completa.

Cenas de violência do passado e do presente se fundem nas projeções de Bang, videoinstalação de Ana Vitória Mussi, artista catarinense e radicada no Rio de Janeiro, precursora no uso da fotografia vinculada à linguagem audiovisual. Neste trabalho, ela une a ficção à realidade ao intercalar cenas de filmes que retratam a Segunda Guerra Mundial, registros fotojornalísticos da guerrilha urbana que tem sobrevida nas favelas cariocas e ainda frames aleatórios e nem por isso menos significativos: o voo do avião de combate e o salto de um atleta olímpico do documentário de Leni Riefenstahl, cineasta alemã que ganhou notoriedade por seus filmes propagandas do governo de Adolf Hitler.

Em War II, a paulistana Clara Ianni faz uma referência ao jogo de tabuleiro que divide jogadores entre continentes e seus respectivos exércitos. Nos seis painéis que compõem o trabalho, a identificação mais do que clara de um inimigo a ser, literalmente, destruído.

Nazareth Pacheco integra a exposição com duas das peças de Objetos Aprisionados, série de caixas que reúnem objetos e documentos de caráter autobiográfico, frutos de tratamentos médicos e estéticos a que a artista foi submetida durante a infância e adolescência. Aqui, os trabalhos chamam atenção justamente para a violência latente na busca incessante por um padrão de beleza socialmente estabelecido - dinâmica hoje reforçada pelas redes sociais. "O modo de vida dedicado ao externo, à aparência, impõe padrões massacrantes e, de certo modo, inatingíveis. E uma vez que o mundo real não nos permite as correções de aplicativos como Facetune ou Airbrush, recorremos a cirurgias plásticas, tratamentos e remédios que se vendem como milagrosos.

Tiago Tebet surge na mesma toada. O artista paulistano traz AssimComoEuOuAssimComoVocê e Canalhada, trabalhos que apresentou em 2017, na coletiva Fábula, frisson, melancolia, no Instituto Tomie Ohtake. Tomando sua cidade como território, faz uso de uma arquitetura que diverge daquela que é ensinada nas universidades, reforçando um descompasso sem fim com um mundo que se especializou em consumir sonhos. Ao artista, interessa o fazer passado de geração em geração. No primeiro dos trabalhos, por exemplo, sobre uma tela branca, padrões típicos de pinturas de casa. E sobre o painel que se diz parede, alguns rabiscos, que evocam aqueles que o cercam.

13º leilão Anima na Luisa Strina e Blombô Leilões, São Paulo

Está chegando a hora do tradicional leilão da Galeria Luisa Strina em prol da ONG Anima. Nesta 13ª edição do Leilão Anima teremos um número bem maior de obras disponíveis, e o leilão será realizado online, em parceria com a Blombô Leilões. Este novo formato possibilita que você participe do leilão de qualquer lugar previamente ou na hora do pregão que acontecerá online. Algumas obras ficarão em exposição na sede da Blombô Leilões em São Paulo.

O leilão pode ser acessado neste link.

A ONG Anima atende adolescentes, jovens e adultos, fazendo a integração entre portadores do vírus HIV/Aids e não portadores. Para saber mais sobre o trabalho realizado, acesse www.anima.org.br.

Contamos com sua participação!

13 º Leilão Anima – Galeria Luisa Strina & Blombô Leilões

26 de novembro, segunda-feira
Leilão disponível online pela Blombô Leilões em www.blomboleiloes.com.br

28 de novembro, quarta-feira
Preview com happy hour das 17h30 – 20h.

27 a 30 de novembro, terça a sexta-feira
Exposição de parte das obras no escritório da Blombô, situado à Av. 9 de Julho nº 5144, das 9h às 18h

3 de dezembro, segunda-feira, às 20h
Fechamento do leilão

Agradecemos aos artistas: Adriana Affortunati Martins, Adriana Aranha, Alan Fontes, Albano Afonso, Alberto Simon, Alexandre da Cunha, Alexandre Paiva, Alice Quaresma, Alice Shintani, Alvaro Seixas, Ana Luiza Dias Batista, Ana Nitzan, Ana Zveibel, André Komatsu, Andrey Rossi, Antonio Pulquério, Armando Mattos, Bernardo Ortiz, Beto Shwafaty, Brígida Baltar, Bruno Baptistelli, Bruno Miguel, Bruno Novaes, Caetano de Almeida, Camille Kachani, Carla Chaim, Carlos Nunes, Carol Paz, Celia Euvaldo, Cildo Meireles, Claudia Jaguaribe, Claudio Cretti, Claudio Matsuno, Daniel Barclay, Daniel Caballero, Daniel Jablonski, Daniel Lannes, Daniel Melim, David Almeida, David Magila, Deborah Engel, Ding Musa, Diogo de Moraes, Dora Longo Bahia, Éder Roolt, Eduardo Muylaert, Eduardo Srur, Elen Braga, Eric Frizzo Jonsson, Estela Sokol, f.marquespenteado, Feco Hamburguer, Federico Herrero, Felipe Cama, Felipe Góes, Fernando Burjato, Fernando Velázquez, Flávia Junqueira, Flora Leite, Francisco Hurtz, Giba Gomes, Giovani Caramello, Giselle Beiguelman, Guga Szabzon, Guilherme Callegari, Gustavo Rezende, Gustavo von Ha, Guto Lacaz, Hugo Houayek, Ivan Padovani, James Kudo, Janaina Wagner, João GG, João Loureiro, João Maciel, Laura Gorski, Laura Lima, Laura Vinci, Leka Mendes, Leopoldo Ponce, Luana Lins, Luisa Editore, Malu Pessoa, Mano Penalva, Marcelo Amorim, Marcelo Gandhi, Marcius Galan, Marepe, Mariana Palma, Marina Saleme, Marlene Stamm, Mauricio Adinolfi, Maxwell Alexandre, Mirian Perez, Monica Barki, Monica Tinoco, Nario Barbosa, Nazareno Rodrigues, Nicolás Paris, Nino Cais, Paul Setúbal, Paulo Climachauska, Paulo Lima Buenoz, Rafael Santacosta, Raquel Nava, Renato Dib, Roberta Tassinari, Roberto Sanovicz, Rodrigo Garcia Dutra, Rodrigo Sassi, Rose Klabin, Rosilene Fontes, Sandra Cinto, Shirley Paes Leme, Simone Fontana Reis, Teresa Viana, Thiago Barbalho, Thiago Honório, Thiago Toes, Tiago Carneiro da Cunha, Tiago Mestre, Victor Leguy, Victor Lema Riqué, Wagner Malta Tavares, Yuli Yamagata.

Agradecimento às galerias A Gentil Carioca, Carbono, Casa Triângulo, Fortes D’Aloia & Gabriel, Janaina Torres, Leme, Marilia Razuk, Mendes Wood, Nara Roesler, OMA, Portas Vilaseca, Raquel Arnaud, Superfície, Vermelho, Zipper e, em especial, à Arte 57 / Renato Magalhães Gouvêa Jr.

Imagens Impressas: um Percurso Histórico pelas Gravuras da Coleção Itaú Cultural, São Paulo

Itaú Cultural encerra as grandes exposições do ano com mostra que passeia por seis séculos de arte em gravura

Em mais de uma centena de obras, entre dois andares do espaço expositivo do instituto, Imagens Impressas: um Percurso Histórico pelas Gravuras da Coleção Itaú Cultural revela as diferentes técnicas e temáticas abordadas do século XV ao XX, por meio de gravuras originais de artistas como Martin Schongauer, Eugène Delacroix, Francisco Goya, Edouard Manet, Honoré-Victorien Daumier, Edvard Munch e Pablo Picasso – estas duas, as mais recentes aquisições incorporadas ao acervo

De 28 de novembro a 17 de fevereiro, o Itaú Cultural apresenta a exposição Imagens Impressas: um Percurso Histórico pelas Gravuras da Coleção Itaú Cultural. Com curadoria de Marcos Moraes, a mostra mapeia seis séculos da produção gráfica europeia, com mais de 100 das 453 imagens impressas que compõem este acervo. Apresentadas de forma didática, estas obras revelam as diferentes técnicas utilizadas pelos artistas do século XV ao XX.

Trata-se de um recorte representativo, pela diversidade de técnicas, temas e destinações das gravuras. “Esta seleção permite pensar na linguagem gráfica e em outros caminhos de leitura e interesse ao longo desse instigante empreendimento que foi a produção de imagens impressas”, observa o curador.
Antes de chegar a São Paulo, a mostra fez uma itinerância passando por Santos, Curitiba, Fortaleza, Rio de Janeiro, Ribeirão Preto, Brasília e Florianópolis. Em São Paulo, vem acrescida de David et Bethsabée, uma litogravura de Pablo Picasso, de 1949, recém adquirida para a coleção e ainda não exibida ao público. Ao lado da xilogravura The Grils on the bridge, 1918, de Edvard Munch, mais uma obra recentemente incorporada ao acervo, ela oferece ao público uma abertura para os caminhos de experimentalismo, que a linguagem gráfica conseguiu alcançar e que possibilitou infindáveis investigações e inovações ao longo do século XX e do início do XXI.

David et Bethsabée e The Grils on the bridge, respectivamente Picasso e Munch, se somam a uma série de trabalhos de outros artistas também mais conhecidos como pintores. Entre eles, Edouard Manet, Eugène Delacroix, Francisco Goya, Henri de Toulouse-Lautrec e Rembrandt van Rijn. A gravura mais antiga em exibição na mostra é Cristo Carregando Cruz, feita em 1475 por Martin Schongauer, um dos primeiros gravuristas de que se tem notícia. Vale ressaltar as ilustrações realizadas por Gustave Doré, no século XIX, para o livro A Divina Comédia, de Dante Alighieri.

Todo esse conjunto, também contém obras do artista e caricaturista francês Honoré-Victorien Daumier, como Quelle heurese rencontre! – Les Amis (ca.1840), Mais pis que (s.d.), C’est bien parce (s.d.), Um ami est – Les Amis (ca. 1840), J’offrirai à monsieur (s.d.). Dele, há, ainda, o original de uma charge publicada no jornal Le Charivari, um dos principais veículos franceses no período.

“A imagem impressa acompanha a humanidade desde os seus primórdios, e podemos remontar essa trajetória às primeiras mãos marcadas, por meio de pigmentos, nas paredes de grutas e cavernas”, pontua o curador. De acordo com ele, as primeiras imagens impressas são xilogravuras produzidas no século XV, e, a partir desse período, aprimoram-se as técnicas: são incorporadas inovações e é desenvolvida a linguagem gráfica. Por esse caminho, no século XIX a gravura chega à autonomia. Para abordar esse meio de criação é preciso, portanto, delimitar um escopo. ”

Sobre Marcos Moraes

Doutor em Arquitetura e Urbanismo (2009), graduado em Direito (1979) e Artes Cênicas (1987), com especialização em Arte Educação e Museu, todos pela Universidade de São Paulo (USP). Atualmente é coordenador dos cursos de bacharelado e licenciatura em Artes Visuais, bem como dos Programas Internacionais de Residência Artística (Cité des Arts e Residência Artística FAAP), ambos da Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), onde também é docente (graduação e pós graduação) em História da Arte, Desenvolvimento de Projeto Integrado e é responsável pelos Seminários de Investigação Contemporânea, além de curador do Programa de exposição dos bacharelados em artes visuais, e das salas especiais com artistas convidados da Anual de Arte FAAP. Integra o Conselho de Aquisição do MAB FAAP e o Conselho Consultivo do MAM de São Paulo.

Coleção Itaú: acervo para todos os brasileiros

O Itaú conta com uma das maiores coleções corporativas de arte do mundo. Com mais de 15 mil peças, é constituída com recursos próprios, sem uso da Lei Rouanet. Para garantir o acesso do público, o Itaú Cultural realiza mostras gratuitas em sua sede e pelo país e exterior. Já realizou mais de 60 exposições vistas por mais de 1,7 milhão de pessoas de mais vinte cidades do Brasil e em seis países, como Argentina e França.

Zanini de Zanine na Luciana Caravello, Rio de Janeiro

Premiado designer apresenta obras inéditas, em madeira de demolição de espécies brasileiras, na Luciana Caravello Arte Contemporânea

Luciana Caravello Arte Contemporânea inaugura, no dia 1 de dezembro para convidados e no dia 3 de dezembro para o público, a exposição Planos Maciços, com cerca de treze obras inéditas do premiado designer Zanini de Zanine, que ocuparão todo o terceiro andar da galeria. Produzidas este ano, especialmente para esta mostra, as peças fazem parte de uma nova pesquisa do designer e foram produzidas com madeira de demolição de espécies brasileiras, valorizando e preservando as técnicas manuais de trabalho.

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A exposição terá peças de mobiliário – poltronas e bancos – e escultura de parede e de mesa, produzidas com ipê-tabaco e eucalipto vermelho, explorando as especificidades físicas e sensoriais de cada espécie, destacando suas cores e texturas. O ipê-tabaco, por exemplo, é uma madeira que tem veios fortes e bem definidos e isso sobressai no mobiliário. Apesar de serem de naturezas diferentes, as obras da exposição dialogam entre si. “Algumas esculturas nasceram do mobiliário e vice-versa”, conta Zanini de Zanine.

Como são feitas de madeira de demolição, o designer aproveitou, em muitos casos, a geometria original das peças para criar os novos trabalhos, inspirados no traço da geometria e no encaixe das formas. “As obras têm uma geometria forte e muitos ângulos são baseados nos encaixes e cortes das peças originais. Algumas, por exemplo, eram colunas e as peças novas nascem desses ângulos”, explica Zanini de Zanine.

Uma novidade é a utilização, pela primeira vez, de volumes cilíndricos em madeira nas peças de mobiliário, que são introduzidas como se estivessem perfurando as poltronas. “São peças fora do comum, diferente do que fiz até agora, com perfurações nas quais experimento o tarugo de madeira nos planos”, conta o designer.

Na exposição, haverá, ainda, alguns múltiplos, que fazem uma “tradução contemporânea de objetos da atualidade”, diz Zanini. Um exemplo é a escultura “Rivotril”, em madeira, que faz alusão ao medicamento tão em voga atualmente.

SOBRE O ARTISTA

Zanini de Zanine nasceu no Rio de Janeiro em 1978 e cresceu vendo o pai, José Zanine Caldas, trabalhar. Estagiou com Sergio Rodrigues, quando produziu seu primeiro móvel. Em 2002 graduou-se em Desenho Industrial pela PUC-Rio.

A partir de 2003, começou a produzir móveis em madeira maciça, com peças de demolição – colunas, vigas e mourões de casas antigas – batizadas como “Carpintaria Contemporânea”. A partir de 2005, começa a criar uma nova linha de móveis com peças produzidas industrialmente, usando além de madeira com origem controlada, materiais diversos como plástico, metacrilato, metais e partes de outros produtos industrializados. Para representar os móveis dessa nova linha, Zanini cria em 2011 o Studio Zanini.

Recebeu os mais importantes prêmios de Design do Brasil e fora pelos móveis que criou nos dois segmentos e expôs nos principais eventos nacionais e internacionais da área. Hoje assina peças para grandes marcas nacionais e internacionais como a francesa Tolix, as italianas Cappellini, Slamp e Poltrona Frau, ESPASSO entre outras.

Nomeado Designer do Ano pela Maison & Objet Americas 2015 e contemplado pelo Philadelphia Museum of Art como um dos jovens talentos que mais contribui para o desenho autoral na atualidade, Zanini de Zanine tem suas criações em acervos de museus da Europa, Estados Unidos e Brasil.

Award-winning designer presents new work using Brazilian timber from demolition sites at Luciana Caravello Arte Contemporânea

Opening on 1 December for invited guests, the Luciana Caravello Arte Contemporânea exhibition Solid Planes will open for the public on the third of the same month. The show contains around thirteen previously unseen works by the award-winning designer Zanini de Zanine and will occupy the entire third floor of the gallery. The pieces were produced this year especially for the show, as part of a new research project, and are crafted by hand out of Brazilian timber from demolition sites, in accordance with traditional techniques.

The exhibition contains furniture—armchairs and benches—and a wall and table sculpture, all made of ipê-tabaco and red eucalyptus, in a manner that explores the specific physical and sensorial features of each species, in particular their color and texture. Ipê-tabaco, for example, has sturdy, clearly-defined veins, which feature prominently in the furniture. Despite their differences, the works on display form a coherent whole. “Some sculptures came out of the furniture and vice versa”, Zanini de Zanine explains.

As they are made of wood from demolition sites, in many cases the designer exploited the original geometry of the pieces to create new works based on the original geometry and the way shapes fit together. Zanini de Zanine notes that “the works are solidly geometrical and many of the angles derive from the way the original pieces were cut and fitted. Some, for example, were columns and the angles are reflected in the new pieces.”

One novelty is the use, for the first time by this artist, of cylindrical wooden pieces which appear to bore through the furniture. “These are unusual pieces, different from anything I have done before, with holes, which I use experimentally for dowelling of the wooden planes”, the designer says.

The exhibition also contains some multiple pieces that form part of a “contemporary translation of present-day objects”, as Zanini puts it. One example is the wooden sculpture “Rivotril”, which alludes to the medication that is much in vogue these days.

ABOUT THE ARTIST

Zanini de Zanine was born in Rio de Janeiro in 1978 and grew up watching his father, José Zanine Caldas, work. He interned with Sergio Rodrigues, for whom he produced his first furniture. In 2002, he received a degree in Industrial Design from PUC-Rio.

Since 2003, he has been producing furniture in heavy wood, using timber from demolition sites—columns, beams and posts from old buildings—which he calls “Contemporary Carpentry”. As of 2005, he began a new line of industrially-produced furniture, using both controlled source wood and various other materials, such as plastic, methacrylate, metal, and parts of other industrial products. Zanini set up Studio Zanini in 2011 to promote this new line of furniture.

His furniture has received major awards in the field of Design, both in Brazil and around the world, and he has exhibited at prestigious national and international events. He now produces work for big national and international brands, such as Tolix in France, Cappellini, Slamp and Poltrona Frau in Italy, ESPASSO and others.

He was named Designer of the Year by Maison & Objet Americas 2015 and received recognition from the Philadelphia Museum of Art as one of the young contemporary designers who has contributed most to the field. Zanini de Zanine’s work is featured in museum collections in Europe, the United States and Brazil.

Almandrade na Luciana Caravello, Rio de Janeiro

Almandrade, um dos principais nomes da poesia visual e da arte experimental no Brasil, ganhará mostra que faz uma síntese de sua trajetória de mais de 45 anos, na Luciana Caravello Arte Contemporânea, com trabalhos produzidos desde a década de 1970 até os dias atuais. A exposição Investigações visuais ocupará todo o espaço térreo da galeria com cerca de 20 obras, dentre pinturas, objetos, gravuras, desenhos e poemas visuais, dando uma ampla ideia da produção do artista em diferentes suportes. A inauguração será no dia 1 de dezembro, para convidados, e no dia 3 de dezembro para o público.

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“A exposição mostra que há uma unidade, há um percurso, mesmo em diferentes suportes, além de haver um diálogo entre as obras de época e as mais recentes”, conta Almandrade. Dentre as obras apresentadas estão trabalhos raros, pouco vistos ou só apresentados na época em que foram produzidos, como é o caso da pintura vermelha “Sem título”, em tinta acrílica sobre tela, de 1986, restaurada recentemente.

Almandrade é artista visual e poeta com formação em arquitetura e urbanismo com uma produção alinhada em diferentes suportes que se fundamenta a partir de dois eixos: a arte construtiva e a arte conceitual, sem deixar de lado as conquistas e influências da poesia concreta e do Poema/Processo. O procedimento de Almandrade se resume em práticas semióticas que se apropriam de um repertório mínimo de signos em seus diferentes suportes. A exposição traz alguns exemplos de uma extensa produção de mais de quatro décadas.

O trabalho de Almandrade, tanto pictórico quanto linguístico, vem se impondo, ao longo dos anos, como um lugar de reflexão à margem do cenário cultural baiano. Depois dos primeiros ensaios figurativos, no início da década de 1970, conquistando uma Menção Honrosa no I Salão Estudantil, em 1972, sua pesquisa plástica se encaminha para o abstracionismo geométrico e para a arte conceitual. Como poeta, mantém contato com a poesia concreta e o poema/processo, produzindo uma série de poemas visuais. Com um estudo mais rigoroso do construtivismo e da Arte Conceitual, sua arte se desenvolve entre a geometria e o conceito. Desenhos em preto-e-branco, objetos e projetos de instalações, essencialmente cerebrais, calcados num procedimento primoroso de tratar questões práticas e conceituais, marcaram a produção deste artista na segunda metade da década de 1970.

No começo dos anos 1980, redescobre a cor e os trabalhos – pinturas, objetos e esculturas – ganham uma dimensão lúdica, sem perder a coerência e a capacidade de divertir com inteligência. Um escultor que trabalha com a cor e com o espaço e um pintor que medita sobre a forma, o traço e a cor no plano da tela. A arte de Almandrade dialoga com certas referências da modernidade, reinventando novas leituras.

Um dos suportes usados pelo artista, e que terá seis exemplares na exposição, é a gravura, que para ele é mais do que uma reprodução, é um meio de dar continuidade e multiplicidade ao trabalho. “A imagem reproduzida sempre surpreende, tem uma autenticidade garantida. Esculturas, pinturas, instalações, objetos desenhos e gravuras, a meu ver, são suportes diferentes capazes de materializar ou veicular um modelo conceitual, obedecendo às suas especificidades de expressão. No meu caso, em cada suporte procuro manter uma coerência estética e conceitual”, afirma.

Almandrade (Antônio Luiz M. Andrade) é artista plástico, arquiteto, mestre em desenho urbano, poeta e professor de teoria da arte das oficinas de arte do Museu de Arte Moderna da Bahia e Palacete das Artes. Ao longo de sua trajetória, participou de inúmeras mostras coletivas, Salões e Bienais, entre elas: XII, XIII e XVI Bienal de São Paulo; "Em Busca da Essência" - mostra especial da XIX Bienal de São Paulo; IV Salão Nacional; Universo do Futebol (MAM/Rio); Feira Nacional (S.Paulo); II Salão Paulista,I Exposição Internacional de Escultura Efêmeras (Fortaleza); I Salão Baiano; II Salão Nacional; Menção honrosa no I Salão Estudantil em 1972. Integrou coletivas de poemas visuais, multimeios e projetos de instalações no Brasil e exterior. Um dos criadores do Grupo de Estudos de Linguagem da Bahia que editou a revista "Semiótica" em 1974. Realizou mais de trinta exposições individuais em Salvador, Recife, Rio de Janeiro, Brasília e São Paulo; escreveu em vários jornais e revistas especializados sobre arte, arquitetura e urbanismo. Prêmios nos concursos de projetos para obras de artes plásticas do Museu de Arte Moderna da Bahia, 1981/82. Prêmio Fundarte no XXXIX Salão de Artes Plásticas de Pernambuco em 1986. Publicou os livros de poesias e/ou trabalhos visuais: "O Sacrifício do Sentido", "Obscuridades do Riso", "Poemas", "Suor Noturno", "Arquitetura de Algodão", "Escritos sobre Arte" e "Malabarismo das Pedras" (poesia). Prêmio Copene de cultura e arte, 1997. Tem trabalhos em vários acervos particulares e públicos, como: Museu de Arte Moderna da Bahia, Museu Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro), Museu da Cidade(Salvador), Museu Afro (são Paulo), Museu de Arte do Rio Grande do Sul (Porto Alegre) e Pinacoteca Municipal de São Paulo.

Almandrade, one of the most important visual poets and experimental artists in Brazil, will feature in a Luciana Caravello Arte Contemporânea show that looks back on a career stretching from the 1970s to the present day. Visual Investigations will occupy the entire ground floor of the gallery, displaying 20 works, including paintings, objects, prints, drawings and visual poems and providing a broad overview of the artist’s work on a variety of supports. The opening on 1 December will host invited guests and the show will open for the general public on 3 December.

“The exhibition demonstrates that a common thread runs through my work, regardless of the support, and that there is a clear connection between earlier and more recent pieces”, Almandrade says. The works on show included rarely seen items and ones not exhibited since the time they were originally produced, such as the 1986 red acrylic on canvas painting ‘Untitled,’ which has recently been restored.

Almandrade is a visual artist and poet who trained as an architect and whose work, guided by constructive and conceptual art, employs a variety of supports but is also influenced by concrete poetry and the poem/process movement. Almandrade uses semiotics and a minimal repertoire of signs on various supports. The exhibition presents some examples from a career that spans more than four decades.

Almandrade’s work is both visual and linguistic and has carved out a niche for itself over the years on the margins of the Bahia arts scene. After initial attempts at figurative work, in the early 1970s, which earned him an Honorary Mention at the First Student Salon in 1972, he turned his attention to geometric abstraction and conceptual art. As a poet, he is still influenced by concrete poetry and the poem/process movement, and has produced a series of visual poems. His in-depth study of geometrical constructivism and conceptual art has led him to produce work that strikes a fine balance between the two. In the second half of the 1970s, his deeply cerebral work ranged from black-and-white drawings to objects and installation projects, all based on meticulous attention to practical and conceptual issues.

In the early 1980s, he rediscovered color and the paintings, objects and sculptures from this period took on a playful aspect, without losing their coherence and the capacity to stimulate the mind. Almandrade is a sculptor who works with color and space and a painter who is interested in shapes, lines and colors on the canvas surface. His work provides a new reading of some elements of modernity.

One of the supports the artist uses—six examples of which appear in the show—is printing. This means more to him than mere reproduction; it is a way of ensuring the continuity and multiplicity of his work. “A reproduction of an image always contains some surprises. Authenticity is guaranteed. Sculptures, paintings, installations, objects, drawings and printing are, to my mind, different supports that are all capable of shaping or conveying a conceptual model, in due deference to the particular mode of expression of each. In my case, I try to maintain aesthetic and conceptual coherence with each support”, the artist explains.

Almandrade (Antônio Luiz M. Andrade) is a visual artist, architect, urban designer and poet and conducts art theory workshops at the Museu de Arte Moderna da Bahia and Palacete das Artes. During his long career, his work has featured in various group shows, salons and biennales, including the 12th, 13th and 16th São Paulo Biennale; "In Search of Essence" – a special show for the 19th São Paulo Biennale; the 4th National Salon; Football World (MAM/Rio); the National Art Fair (S.Paulo); the 2nd São Paulo Salon, the 1st International Exhibition of Ephemeral Sculpture (Fortaleza); the 1st Bahia Salon; the 2nd National Salon; and an Honorary Mention at the 1st Student Salon in 1972. He has been a part of various visual poetry, multimedia and installation project groups in Brazil and overseas. He was a founder member of the Bahia Language Studies Group, which published the journal "Semiótica" in 1974. He has staged more than 30 solo shows in Salvador, Recife, Rio de Janeiro, Brasília and São Paulo and written in various newspapers and specialist journals on art, architecture and urban planning. He has received awards in visual arts project competitions staged by the Bahia Museum of Modern Art, 1981/82 and the Fundarte Prize at the 39th Pernambuco Visual Arts Salon in 1986. He has published books of poetry and/or visual works, including "The Sacrifice of Meaning", "Obscurities of Laughter", "Poems", "Night Sweat", "The Architecture of Cotton", "Writings on Art" and "Juggling Stones" (poetry). He received the Copene arts prize in 1997. His work features in various private and public collections, including the Bahia Museum of Modern Art, the National Museum of Fine Arts (Rio de Janeiro), the Salvador City Museum, the African Museum (São Paulo), the Rio Grande do Sul Museum of Art (Porto Alegre) and São Paulo’s Pinacoteca Municipal.

Fundação Iberê Camargo realiza jantar com leilão de obras de arte, Porto Alegre

Evento dá início a um programa anual, nos moldes aplicados por grandes instituições internacionais: obras doadas por artistas referenciais da arte brasileira e colecionadores irão a leilão. Na ocasião, a instituição lança o Clube Iberê.

27 de novembro de 2018, terça-feira, a partir das 20h

Casa NTX
(em frente ao Aeroporto Internacional Salgado Filho)
Av. das Indústrias 1395, Anchieta, Porto Alegre, RS
Informações: 51-3247-8000 ou contato@iberecamargo.org.br
Convites a R$ 500,00 por pessoa

No dia 27 de novembro, terça-feira, a Fundação Iberê Camargo promove o primeiro grande jantar com leilão de obras de arte, dando início a um programa que será realizado anualmente, nos modelos praticados por grandes instituições culturais do mundo. O evento será realizado na Casa NTX, em Porto Alegre/RS, e a Fundação espera receber cerca de 800 pessoas, que serão recepcionadas com uma apresentação da Orquestra Jovem do Rio Grande do Sul e menu especialmente preparado pelo Chef Lucio. Os convites ainda podem ser adquiridos telefone 51-3247-8000 ou por e-mail, mas restam poucos lugares.

O leilão vai oferecer 13 obras de importantes artistas do cenário da arte brasileira, como José Bechara, Daniel Senise, Nuno Ramos, Vik Muniz, Cildo Meireles, Artur Lescher, Iole de Freitas, Siron Franco, Karin Lambrecht e Maria Tomaselli, além de três obras de Iberê Camargo. As obras foram doadas pelos próprios artistas – com exceção das obras de Karin Lambrecht, Siron Franco e de Iberê Camargo, que foram doadas por colecionadores. Além de Vik Muniz e dos membros da Diretoria e Conselho da Instituição, autoridades e convidados, confirmaram presença no jantar os artistas Nuno Ramos, José Bechara, Iole de Freitas, Daniel Senise, Artur Lescher, Karin Lambrecht e Maria Tomaselli. O leilão será comandado pelo empresário Nelson Sirotsky, o artista Vik Muniz e o leiloeiro Jones Bergamin "Peninha".

O valor arrecadado no evento vai contribuir para a realização das atividades da Fundação em 2019. Os interessados em dar lances no leilão e adquirir as obras, poderão conhecer as peças ao vivo, em um preview que será realizado na instituição de 20 a 25 de novembro. As visitas devem ser agendadas pelo telefone 51 3247.8000 ou pelo e-mail contato@iberecamargo.org.br.

Uma comissão de mulheres liderada pela Cônsul honorária da Holanda, Ingrid de Kroes, está mobilizando a sociedade gaúcha para o jantar. Juntas, já comercializaram cerca de 600 convites. São elas: Adriane Kiperman, Ana Espíndola, Ana Logemann, Anna Paula Ribeiro, Anik Suzuki, Audrey Randon, Bruna Stern, Bettina Becker, Carol Logemann, Caroline Kreling, Cecilia Schiavon, Claudia Bartelle, Claudia Wolf Ling, Clenir Wengenovicz, Dulce Helene Goettems, Elisabete Brochmann, Fernanda Maiosonnave, Giovana Stefanini, Goia Cairoli, Glaucia Stifelman, Jaqueline Testa, Josiane Castro, Karla Johannpeter, Laura Malcon, Laura Ormazabal Moura, Livia Bortoncello, Maria Elena Johannpeter, Marina Sirotsky, Mauren Motta, Nara Sirotsky, Olga Velho, Paula Weber Rosito, Priscilla Nunes, Renata Weisheimer Rohde, Sandra Echeverria, Sandra Ling e Silvana Zanon.

Para viabilizar o jantar e o leilão, a Fundação Iberê Camargo contou com o patrocínio das seguintes empresas: Dufrio (patrocinador Master), Meta, Somma Investimentos, Carpena Advogados, Urban Advisors e Pestana Leilões. Estas empresas assumiram todos os custos para a realização do evento.

Na ocasião, também será lançado o Clube Iberê – um projeto que tem como objetivo a criação de um sistema de governança sustentável para a FIC, entregando para seus associados uma série de experiências culturais exclusivas. Com o intuito de fortalecer o movimento cultural e criar espaços para reflexão a partir da arte e suas relações, o Clube Iberê possibilitará aos seus associados a oportunidade de fazer parte da história da Fundação, contribuindo para a construção de um ambiente cultural cada vez mais diverso, inclusivo e transformador e potencializando o acesso à programação cultural.

Tania Canidani na Vermelho, São Paulo

Tania Candiani trabalhava em sua exposição Cuatro Actos, para o Espacio Odeón, em Bogotá, quando decidiu filmar El principio, el paréntesis y el fin, el telón. A artista se debruçava sobre a linguagem teatral, sobre seus mecanismos e códigos de comunicação como estratégias para revelar e ocultar uma construção específica de realidade, quando começou a observar as cortinas de teatro como paisagens. Candiani viu nos drapeados, plissados e planos dos tecidos topografias que se assemelham a cordilheiras ou ao deserto com seus espelhismos que geram realidades óticas.

Na biblioteca do congresso americano, em Washington, Candiani foi buscar textos que investigavam as cortinas enquanto paisagens e colecionou escritos tão diversos quanto o poema épico Orlando Furioso, de Ariosto, El hombre del telón, de Leila Guerriero e Fábulas de Fredo, do fabulista romano Gaius Iulius Phaedrus, além de trabalhos de outros 5 autores.

Textos e palavras se tornaram o material de trabalho de Candiani que através de montagens, desvios e fragmentações compôs um novo texto que conduz as imagens captadas de diferentes cortinas de teatro. A artista descobriu que diferentes tipos de teatros têm diferentes tipos de cortina que, com seus métodos de descortinar específicos, provocam múltiplos efeitos de cena. Tania captou ainda os plissados das vestes de estátuas de pedra da Folger Shakespeare Library, em Washington, D.C., EUA, que se assemelham a cortinas de pedras. A sorte permitiu que Candiani registrasse o momento em que técnicos removiam e dobravam a cortina do Auditório León Greiff, da Universidade Nacional da Colômbia.

Tania Candiani dividiu o filme em três partes. Na primeira, sobre imagens de panos de cena estáticos, o texto investiga as cortinas enquanto paisagem de configurações repletas de acidentes geográficos. Na segunda, as cortinas balançam, se agitam e se abrem para revelar as cenas e seu potencial de ação para um público pronto a devorar as narrativas que de lá poderiam escorrer. Os textos aí vêm de títulos de fábulas de moral e soam agourentos, ominosos ou venturosos. Na terceira parte, findo o espetáculo, as cortinas se fecham e as luzes se acendem, revelando cortinas esquecidas, puídas, cheias de pó e feridas.

El principio, el paréntesis y el fin, el telón
Direção: Tania Candiani
Câmera: Juan Daniel Caro, Laura Pombo, Tania Candiani
Edição: Laura Pombo, Juan Daniel Caro
Música: Thrones and Dominions – Earth (Sub Pop Records)
Voz em off: Camilo Maldonado
Com fragmentos de textos e variações de: El hombre del telón, de Leila Guerriero; The Art of Fiction, de Henry James; Lonesome Words. The Vocal Poetics of the Old English Lament and the African American Song, de M.G. McGeachy; Enciclopedia dello spettacolo, de Elena Povoledo; Il sipario dal mito all’illusione, de Anna Panicali; Orlando Furioso, de Ludovico Ariosto; Fábulas de Fredo, de Gayo Julio Fredo; A la deriva, de Horacio Quiroga
Produzido por: Espacio odeón
Bogotá, Colômbia, 2018
10’27’’

Sobre a artista

Candiani já teve sua obra exibida em importantes mostras e museus como 56ª Bienal de Veneza, como representante do México (2017), XI Bienal de Cuenca (2011), XI Cairo Biennial (2008), IV Bienal de Monterrey (2000), Krasnoyarsk Museum Centre (Rússia), Museo de Arte de Sonora [MUSAS] (México), Polytechnic Museum (Rússia), Museum of Contemporary Art San Diego (EUA), California Museum of Photography (EUA) e The Jewish Museum (EUA), entre outros.

Tania Candiani já recebeu prêmios de prestígio como o Smithsonian Artist Research Fellowship (2017-2018), Wharhol Foundation (2016), Guggenheim Fellowship (2011-2012), entre outros. Seu trabalho está presente em coleções públicas como Deutsche Bank, Museum of Contemporary Art San Diego, Perez Museum, Museo Universitario de Arte Contemporâneo (MUAC) e Museo Amparo.

Fabio Morais na Vermelho, São Paulo

Em çonoplaztía, Fabio Morais apresenta um novo grupo de trabalhos que tiveram sua origem em publicações. As peças são formadas por conjuntos de letras e números em acrílico recortado a laser, que propõem uma maneira própria de leitura. Os textos revelam sentido apenas quando as letras e números são lidos ou sonorizados. Assim, a leitura não se baseia na imagem da palavra - que o olho reconhece como imagem total, sem precisar soletrá-la - mas sim no som gerado pelo ato de ler letra por letra, ou sílaba por sílaba, de forma oral ou em pensamento.

Este descolamento entre a leitura e a imagem da palavra requer um engajamento do leitor. Caso o observador decida por decifrar a linguagem proposta, Morais impõe um tempo alongado para decodificar a sua escrita.

çonoplaztía, o trabalho que dá título à exposição, é também o primeiro a ser visto por quem a visita. Talvez por isso sua conformação seja a mais tradicional de todas, mantendo a leitura ocidental mais comum, da esquerda para a direita, e o aspecto formal de palavra convencional. A variante da palavra “sonoplastia” não chega a ser uma transcrição fonética típica de dicionários, já que não utiliza os códigos do alfabeto fonético, mas se utiliza do som da fala para substituir letras por outras letras dentro do próprio alfabeto latino.

çonoplaztía acaba funcionando como uma prática para o que virá a seguir na exposição, quando sentenças se desmontam horizontalmente, e frases são substituídas por letras e números cujos tamanhos e posições ditam o ritmo em que devem ser lidas. O próprio teor do termo sonoplastia, que se refere ao conjunto de efeitos sonoros utilizados em filmes, peças de teatro ou na radiofonia, já dita que a importância maior estará no som oferecido por cada caractere, e não por sua imagem.

erre (2018) completa a exposição. Embora, à primeira vista, pareça destoar dos outros trabalhos da exposição, erre também trabalha com o descolamento entre significante e significado que pauta todas as obras de çonoplztía. Nessa obra, um jogo de erros é proposto em um texto de duas linhas, no qual o erro é o apontamento de um erro que nunca ocorreu.

Sobre o artista

O livro “Retícula, trabalhos de 2003 a 2018” sobre a obra de Morais, é editado pela Automatica e tem texto e edição do curador Jacopo Crivelli Visconti e é patrocinado pelos colecionadores Luciana e Antonio Wever e da Coleção Moraes-Barbosa com produção da Vermelho em realização do Ministério da Cultura.

Fabio Morais esteve em diversas mostras institucionais ao longo de 2018, como Water in The World – Flowing Deep Inside, no HilbertRaum, em Berlim, Alemanha, que agora pode ser visitada no Adelina Instituto Cultural, em São Paulo, até fevereiro de 2019. Morais também esteve na IN LOCUS - Mostra de Performance, do Sesc Santo Amaro, além de exposições coletivas no Museu Victor Meirelles e no Museu de Arte de Santa Catarina.

Fabio Morais já teve seu trabalho exposto em importantes mostras como na Bienal Sur (2017), Bienal de Fotografia de Lima (2014), 8ª Bienal do Mercosul (2011) e 29ª Bienal de São Paulo (2010).

Carla Zaccagnini na Vermelho, São Paulo

Desde a década de 2000, Carla Zaccagnini vem estudando e colecionando representações simbólicas de nações, de seus hinos a suas bandeiras. Em sua sexta individual, Três análises e um presságio, na Vermelho, Zaccagnini reúne, pela primeira vez, três obras articuladas em torno dessas coleções e um vídeo finalizado em 2017.

Em Prisma, iniciada em 2010 e finalizada em 2018, Zaccagnini cria uma versão do jogo Pega
Varetas (ou Mikado), onde as varetas agigantadas carregam a distribuição cromática de todas as bandeiras nacionais do globo terrestre. A artista descobriu que todas as bandeiras nacionais, juntas, são formadas, ao todo, por 88 tons. A partir desse estudo, Carla dividiu os tons por porcentagens em relação a sua soma total e os distribuiu de maneira proporcional pelas varetas de seu jogo, como se, em único gesto (o de soltar as varetas para o início do jogo), os tons pudessem ser misturados, bem como as nações.

Em World Score, de 2018, Zaccagnini criou um hino comum a todas as nacionalidades a partir das notas coincidentes na soma dos hinos nacionais. Sobrepondo os diversos hinos, a artista destacou as notas que coincidiam por terem sido escritas iguais à mesma distância do início das músicas, por dois ou mais compositores. Zaccagnini destaca uma vontade no texto que escreveu para acompanhar a exposição: “Como soaria essa nova música feita do que é comum às nações naquilo que diferencia cada uma?”

Sobre um mesmo campo (2011) faz parte do estudo comparativo das bandeiras nacionais, ainda em desenvolvimento pela artista. Nessa parte do projeto, elementos figurativos representados em bandeiras de todos os países foram agrupados em 13 categorias: Luas, Sóis, Estrelas, Constelações, Mapas, Embarcações, Construções, Árvores, Aves, Mamíferos e Dragões, Armas, Escudos e Coroas.
Recortados em campos de papel preto, esses elementos figurativos são apresentados aqui como ausência, um vazio no hipotético espaço comum de onde eles poderiam ter sido retirados, antes de serem posicionados nas diferentes bandeiras dos diferentes países que, um a um, representam.

Ao sol do novo mundo (2016-2017) foi filmado em um palacete da Vila Itororó, um conjunto arquitetônico com mais de dez edificações construídas ao longo do século XX para fins residenciais e de lazer. Em 2006, a Vila Itororó foi decretada área de utilidade pública, tendo sido desapropriada pelo governo do Estado de São Paulo para fins culturais. Em um quarto de um palacete da vila, a artista encontrou diversos vitrais com diferentes bandeiras, incluindo a bandeira do Brasil. Ao longo do dia, a luz que entra por esse vitral específico faz a bandeira nacional “escorrer” pelo chão. Esse caminho percorrido pela projeção da bandeira foi registrado por Zaccagnini durante duas horas e meia. Ao fundo, podemos ouvir o som de obras de reformas que acontecem no complexo, contrapondo um potencial construtivo à ruína sugerida pelo percurso da bandeira que se desfaz no chão.

Em 2018, Zaccagnini teve individual no Museo Experimental El Eco, na Cidade do México, além de ter participado de coletivas na Suécia, no Brasil e no México.

Carla Zaccagnini já participou de diversas Bienais como a 8ª Bienal de Berlim, 9ª Bienal de Shangai e 28ª Bienal de São Paulo. Carla também já teve seu trabalho apresentado em individuais em diversos museus como Museu de Arte de São Paulo (MASP - Brasil), Van Abbemuseum (Holanda), Malmö Kunstmuseum (Suécia), Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC – Espanha), Nationalmuseum (Suécia).

Seu trabalho está presente em importantes coleções como Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil), Tate Modern (Ingleterra), Kadist Art Foundation (EUA), Cisneros Fontanals Art Foundation (EUA), Solomon R. Guggenheim (EUA) e Museu de Arte de São Paulo – MASP (Brasil).

Fernando Vilela na Mario de Andrade, São Paulo

Os desenhos e pinturas de Fernando Vilela apresentam narrativas que se acumulam, se sobrepõem e gritam. Permeados de acontecimentos e memórias, os fragmentos embaralhados de histórias cotidianas, atravessados pela violência, trazem a síntese de um pensamento gráfico, no qual a cidade, o convívio, a agressividade e a crueza da vida se dão em desenhos (à carvão, nanquim e óleo – Enquanto isso), em instalação (Coleção 1968-1973) e em objetos (Arsenal).

Com densidade, antagonismos e complementos explícitos – como guerra e paz, silêncio e explosão – esses trabalhos dão forma a complexos mundos internos, do prosaico ao sublime. As perguntas de Vilela se movem em direções variadas, repletas de indignação. A assertividade livre no uso das linguagens faz com que cada assunto se desdobre para além dos suportes utilizados. O imaginário do artista, forjado na belicosidade da ditadura, encontra ecos no mundo do pré-guerra com as touradas de Lorca ou as urgentes questões do mundo contemporâneo – dos conflitos, passando por Alepo, Síria ou Turquia – no entanto, nenhum desses fatores históricos contextualizam seu trabalho. Eles representam, na verdade, um chamamento de fúria e de desejo – de atenção e de movimento em direção ao desconhecido.

Fernando Vilela (1973, São Paulo, Brasil): Artista, autor e ilustrador de livros, Fernando vive e trabalha em São Paulo. Utiliza diversas linguagens, como gravura, desenho, colagem, escultura, instalação e fotografia. Realizou exposições na Pinacoteca do Estado de São Paulo, no Centro Cultural São Paulo, e foi contemplado pelo Prêmio Funarte de Arte Contemporânea. No exterior, expôs na Bélgica, França, Espanha, Portugal, Estados Unidos e México. Possui obras nas coleções do MoMA de Nova York, do Museu de Arte Contemporânea de São Paulo, do Museu de Arte Moderna de São Paulo e da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Como autor e ilustrador, já publicou em oito países. Por seus livros ilustrados recebeu cinco prêmios Jabuti e a Menção Honrosa Novos Horizontes do Prêmio Internacional Bologna Ragazzi Award.

Chantal Akerman no Oi Futuro Flamengo, Rio de Janeiro

Obra da diretora belga vai ocupar todo o centro cultural no Flamengo com videoinstalações

Mostra aproxima público brasileiro da estética singular da cineasta e de seu olhar sobre o universo feminino

Consagrada internacionalmente, a cineasta Chantal Akerman (1950-2015) realizou mais de 40 filmes, alguns dos quais com lugar assegurado entre os clássicos de todos os tempos. Para celebrar seu legado, o Oi Futuro inaugura dia 26 de novembro a primeira exposição no Brasil sobre a obra da artista e sua inserção no universo das artes visuais. Dona de um olhar singular sobre o universo feminino e construtora de um ritmo que rompeu com vários dos cânones do cinema de seu tempo, Chantal ocupará, com quatro videoinstalações, três andares do centro cultural no Flamengo.

Chantal Akerman – Tempo Expandido é uma mostra inédita, que conta com a curadoria de Evangelina Seiler e tem sua montagem supervisionada por Claire Atherton, uma das colaboradoras mais próximas de Akerman. O objetivo é aproximar o público brasileiro da estética, do estilo e sobretudo da visão particular da artista sobre o universo feminino. Beto Amaral, da Cisma, idealizou a exposição em 2014, em parceria com a galeria Marian Goodman. Daniela Thomas e Felipe Tassara assinam a expografia da mostra.

– Há um ano que estou completamente dedicada ao universo de Chantal Akerman – entusiasma-se Evangelina Seiler. – Estou muito feliz por ter sido convidada para essa curadoria tão especial. Nosso grande objetivo é fazer com que a obra mais que singular de Chantal Akerman chegue ao maior número possível de pessoas. É muito importante que cada vez mais gente conheça a magnitude e a importância do trabalho dessa grande diretora – frisa.

– Faz quatro anos que tento viabilizar esse projeto. O Oi Futuro foi o primeiro a acreditar nele. Neste momento em que estamos em transe com as questões identitárias no Brasil, não há cineasta mais atual do que Chantal Akerman, que problematiza e questiona a noção de identidade em sua vasta obra. – explica Beto Amaral.

– Além de ser uma das cineastas mais influentes e originais da história do cinema mundial, Chantal Akerman foi uma pioneira no olhar para o feminino, valorizando as questões de gênero durante toda a sua carreira e inovando não só na forma como também no conteúdo. O Oi Futuro se orgulha de fechar a programação 2018 de nossas galerias com esta exposição inédita, compartilhando com o público a experiência de vivenciar intensamente a obra dessa grande artista, que ainda se faz incrivelmente atual – diz Roberto Guimarães, Gerente Executivo de Cultura do Oi Futuro.

A MOSTRA

As experiências de Chantal Akerman no terreno das videoinstalações a levaram a participar de algumas das mostras mais importantes do mundo, como a Documenta de Kassel (2000) e a Bienal de Veneza (2001 e 2015), entre outras, sempre com grande sucesso. Suas obras nessa área foram desenvolvidas com base em alguns de seus próprios filmes – aos quais acrescentou material de novas filmagens que realizou.

O Oi Futuro receberá quatro videoinstalações da cineasta: In the Mirror (1971-2007) exibe uma cena de um dos primeiros filmes da cineasta (L’Enfant Aimé ou Je joue à être une femme mariée, 16mm, de 1971), na qual uma jovem nua, em frente a um espelho, examina o próprio corpo detalhe por detalhe.

La Chambre (2012) foi criada a partir de imagens do filme homônimo de 16mm, lançado em 1972. No artigo “Chantal Akerman: autorretrato da cineasta”, de 2004, a revista Cahiers du Cinéma, editada pelo Centre Pompidou, resume assim o filme: “Uma longa e lenta panorâmica descreve repetitiva e continuamente o espaço de um quarto. No leito, Chantal Akerman – primeiro sentada e imóvel e, quando a câmera retorna, comendo uma maçã. Trata-se tanto de um autorretrato misterioso da cineasta em seu lugar previsível, quanto o equivalente, para o seu cinema, a uma natureza morta: reunir seus motivos pessoais em uma descrição repetitiva para melhor descartá-los em seguida.”

Maniac Summer (2009) é composto por imagens e sons gravados em Paris, no verão de 2009.

É um tríptico abrangente, sem começo nem fim, sem um assunto ou tema específico. A câmera é posicionada na frente de uma janela e fica ali rodando. Observa movimentos, registra ruídos que vêm da rua ou do parque próximo, capta Chantal Akerman em suas rotinas normais no apartamento: fumando, trabalhando, falando ao telefone. Fragmentos da vida cotidiana da artista são apresentados no vídeo central da instalação, enquanto os painéis auxiliares mostram um material mais simbólico, composto de imagens do vídeo principal que foram isoladas, modificadas e repetidas várias vezes. Essas pós-imagens abstratas constituem uma espécie de lembrança, que remete às imagens do elemento central da instalação, assim como tantas sombras da sua realidade.

A quarta obra será Tombée de Nuit sur Shanghai (2009), com projeções de imagens do episódio homônimo dirigido por Chantal Akerman para o filme O Estado do Mundo, que reuniu seis diretores de vários países e foi produzido em comemoração aos 50 anos da Fundação Calouste Gulbenkian, de Portugal.

É uma instalação single channel, que evoca a arte da direção e da observação. As imagens estáticas características do estilo de Akerman captam o porto, os barcos que cruzam o rio, as pessoas que passam, o horizonte da megalópole, os gigantescos anúncios iluminados e o cair da noite em tempo real. Tombée de nuit sur Shanghai tem pouco ou nenhum enredo, mas uma poderosa atmosfera que lhe faz as vezes. Sua representação do ambiente urbano está ancorada na relação dialética entre o olhar estático do observador e os vários movimentos dos sujeitos desse olhar.

O burburinho natural de um hotel-restaurante serve de trilha sonora para esse devaneio visual sem um sentido aparente.

RITMO, ESTILO E VONTADE PRÓPRIOS

A jovem que aos 18 anos largou a escola de cinema para fazer seu primeiro curta e que, aos 25, estarreceu a Semana dos Realizadores em Cannes, em 1975, com a exibição de seu mais aclamado longa, Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, Bruxelles, sempre soube intimamente o que queria fazer para a tela grande. No entanto, seu encontro real com o cinema se daria na adolescência e por puro acaso: o título do filme Pierrot Le Fou, de Jean-Luc Godard, visto no cartaz, atraiu sua atenção. Resolveu entrar no cinema e, após a sessão, entre encantada e decidida, disse: – É exatamente isso que eu quero fazer na vida.

Filha de imigrantes judeus poloneses, vítimas do Holocausto (a mãe, Natalia, foi a única de sua família a sobreviver ao campo de concentração de Auschwitz), Chantal carregou sempre consigo a marca de um sofrimento presente, porém selado pelo silêncio, já que a mãe – a referência mais determinante em sua vida e carreira até o último filme – jamais falou sobre o assunto. Quando menina, Chantal conviveu com as tradições e os rituais judaicos até o falecimento do avô – e recordava que aqueles rituais lhe traziam uma certa paz e boas lembranças. A observação do cotidiano das tias maternas e paternas fez com que desenvolvesse uma compreensão muito particular das tarefas diárias de uma casa, como fazer a comida, pôr a mesa, lavar, passar... tudo que as mulheres faziam com o mesmo esmero e incansavelmente, vezes sem conta. Essa faina tipicamente feminina trazia em si um ritmo que Chantal acabou por incorporar às imagens que mais tarde criaria.

– Minha mãe não gostava muito que eu brincasse na rua, então eu olhava muito pela janela – declarou, em uma entrevista ao programa Parlons Cinéma, da TV francesa. – Eu me lembro de mim assim, muitas vezes sozinha, olhando pela janela.

O dia-a-dia de uma casa e a visão da janela são elementos muito presentes em sua filmografia, marcada por quadros parados, longas tomadas e pelo movimento de ir e vir – carros, ônibus, trens – observado a uma certa distância. A câmera de Chantal Akerman funciona como um ponto de observação, um convite ao espectador para que descubra, por si mesmo, tudo que a cena revela. Não há indução, os diálogos são esparsos. A câmera parada pode representar uma janela para dentro – de personagens e de ambientes – ou uma janela para fora, no caso do contato com o movimento do mundo.

LIÇÕES DO TEMPO

O tempo, na obra de Chantal Akerman, é essencial para a percepção da narrativa. – Quando alguém diz: “vi um filme ótimo, nem senti o tempo passar!”, desconfio que essa pessoa está sendo ‘roubada’ de algo muito precioso – revela. – Em meus filmes, quero que a pessoa sinta o tempo passar e tudo que essa passagem traz consigo – dizia.

Seu cinema é feito de quadros aparentemente estáticos, mas que revelam toda a intensidade da narrativa, e de tomadas longas, sem cortes rápidos. Se o personagem sai da cena, a câmera não o acompanha. E a cena fala por si. O momento do corte acontece na hora que tem de acontecer. Essa dinâmica lenta e estratificada cria uma força dramática muito grande, que arrebata o espectador. É um mergulho no escuro que acaba por revelar uma clareza impressionante. Como observa Claire Atherton, sua colaboradora por 35 anos na sala de montagem, “cada filme, cada instalação era como se fosse a primeira vez. Não tínhamos regras, medos ou barreiras. A cada vez retornávamos a uma nova aventura sensorial e intelectual. Nossas trocas eram muito simples; falávamos pouco, como se palavras em excesso pudessem vir a destruir alguma coisa. Costumávamos dizer “é bonito” ou “é forte”. Gostávamos de certas palavras e Chantal dizia que tínhamos de ser drásticas, sem fazer concessões.”

Alberto Baraya e Benjamim Taubkin na EAV Parque Lage, Rio de Janeiro

Paisagens – Partituras, um encontro entre música e pintura: Alberto Baraya e Benjamim Taubkin performam nos jardins do Parque Lage

25 de agosto de 2019, domingo, às 12h

Escola de Artes Visuais do Parque Lage
Clareira perto da gruta (em caso de chuva, o evento será no Salão Nobre)
Rua Jardim Botânico 414, Rio de Janeiro, RJ

A busca por conhecimento compartilhado uniu o artista colombiano Alberto Baraya ao pianista Benjamim Taubkin. No dia 25 de novembro, ao meio-dia, os jardins do Parque Lage vão funcionar como laboratório experimental da dupla, que fará uma performance ao ar livre, ao lado da gruta. O piano, deslocado de seu cenário habitual, será levado para a área externa, onde pintor e pianista realizarão sua própria interpretação da paisagem. O trabalho propõe que as paisagens pintadas por Baraya, as “paisagens-impressões”, se convertam em potenciais partituras a serem reinterpretadas por Taubkin.

Tanto a pintura de paisagens como a música produzida no piano se cruzam em suas origens similares. O desenvolvimento da pintura de paisagens se deu paralelamente ao desenvolvimento do instrumento. O espírito romântico implicava na predisposição à ideia da contemplação da paisagem, ou seja, a projeção do sentimento interior aos fenômenos atmosféricos e a geografia observada. Também, por outro lado, a ideia de manifestação dos sentimentos desejava ser expressada através do instrumento pela excelência do piano como tal.

Alberto Baraya (1968, Bogotá, Colômbia) vive e trabalha em Bogotá. Estudou pintura na Universidad Nacional de Colombia de 1987 a 1992. Mais tarde, formou-se mestre em Estética e Teoria da Arte na Universidade Autónoma y Complutense de Madri. Em suas fotos, vídeos, objetos encontrados e desenhos, Alberto Baraya parodia a exploração colonial e seus ecos nas relações mundiais contemporâneas. Na década de 1990, produziu autorretratos irônicos, destacando a maleabilidade da identidade pela inclusão de referências a obras de arte consagradas. Desde 2001, Baraya se define como um “viajero”, em referência aos viajantes europeus dos séculos 18 e 19 que empreendiam expedições botânicas em nome da ciência e a serviço da colonização. Em seu projeto “Herbário de plantas artificiais”, Baraya segue os passos daqueles pseudocientistas, coletando, catalogando e expondo plantas artificiais. “Ao coletar flores de plástico na rua, me comporto como os cientistas que a educação ocidental espera que nos tornemos”, explica o artista. Seus trabalhos foram apresentados em inúmeras bienais, entre elas a 10ª Bienal do Mercosul em Porto Alegre, Brasil (2015); 8ª Bienal de Berlim (2014); 9ª Bienal de Shanghai, na China (2012); 11ª Bienal de Cuenca, no Equador (2011); 53ª Bienal de Veneza (2009); 27ª Bienal de São Paulo (2006); 1ª Bienal de Medellín (1997); Bienal do Caribe em Santo Domingo, na República Dominicana (2003); e 4ª Bienal de Bogotá (1994). Baraya realizou individuais em instituições como o Frost Art Museum, em Miami; Indianapolis Museum of Contemporary Art; Museo de Arte Moderna de Bogotá; e Palais de Tokyo, em Paris. Participou de coletivas no Museum of Latin American Art – MOLAA, em Long Beach; Fundación/Colección Jumex, na Cidade do México; Bronx Museum, em Nova York; Institute of Contemporary Art, na Philadelphia; e Fundació Joan Miró, em Barcelona

Benjamim Taubkin é um dos pianistas mais conhecidos da cena brasileira, tendo gravado e lançado vários discos em nosso país e no exterior. É compositor, intérprete, arranjador, produtor musical e curador. Dirige o Núcleo Contemporâneo que se dedica à música, promove encontros, recitais, eventos e produção de discos.

Alberto Baraya na Nara Roesler, Rio de Janeiro

No dia 25 de novembro, no Parque Lage, o artista realiza performance pictórica-musical em parceria com o pianista Benjamin Taubkin

Alberto Baraya, o artista-viajante contemporâneo que já participou, entre outras, da 27ª Bienal Internacional de São Paulo (2006) e da 53ª Bienal de Veneza (2009), desta vez tem o Rio de Janeiro como fonte de seu Estudios Comparados de Paisaje. Neste ano, o colombiano esteve duas vezes na cidade carioca para conceber a nova série de mais de 20 trabalhos que traz para a Galeria Nara Roesler.

A exemplo dos europeus que empreendiam expedições botânicas no período colonial, suas obras investigam territórios para criar poéticas ficcionais que refletem sobre o poder e os resquícios do colonialismo, questionando tanto o impulso de controlar o mundo por meio do ato de nomeá-lo e classificá-lo quanto a construção de identidades nacionais. Em sua última exposição na galeria, em 2010, o artista apresentou um desdobramento de seu emblemático projeto Herbario de Plantas Artificiales, séries concebidas a partir de plantas e flores de plástico das mais diversas procedências e fotos que registram o procedimento de trabalho, apropriando-se dos métodos dos naturalistas botânicos para colocar em questão o pensamento positivista, numa resistência aos princípios da educação ocidental.

No atual projeto, para criar seus Estudios Comparados de Paisaje, Baraya baseia-se na tradição das pinturas de paisagens – também conhecidas como “Panoramas” – retratadas por viajantes ou residentes, procurando debater, entre outros aspectos, a noção de paisagem nacional. Para sua Expedición Rio de Janeiro, especialmente realizada para sua nova exposição na galeria, o artista selecionou uma série de vistas panorâmicas da cidade, produzindo por meio da técnica da pintura novas telas nos mesmos locais onde estiveram os pintores acadêmicos. Baraya em seguida levou as obras ao ateliê e, por meio de intervenções, desconstruiu narrativas, convertendo as pinturas em objetos. “Algumas dessas paisagens-impressão funcionam como estágios nos quais desenvolvo comentários de interesse pessoal e social”, explica o artista. Segundo Baraya, nessa série, isso é feito através da introdução de animais-personagens estranhos àquela natureza originalmente representada. “A migração das espécies ou a qualificação de espécies exóticas se inscrevem na tradição literária e gráfica da fábula”, comenta. Ainda para ele, as paisagens-impressões são suscetíveis de serem lidas e reinterpretadas sob a perspectiva de outras categorias do conhecimento e da arte.

Parque Lage, dia 25 de novembro, às 11h

Para Baraya, no caso particular dos Estudios Comparados de Paisaje, os objetos à óleo são propostos como partituras em potencial para serem interpretadas no piano. Daí a realização de uma performance com paisagens-partituras, em parceria com Benjamin Taubkin. Como um laboratório experimental, o piano é retirado de seu cenário habitual e levado ao espaço exterior, os jardins, onde o pintor e o pianista realizam suas próprias interpretações da paisagem ao redor. Ao final do primeiro ato, as obras da exposição na Galeria Nara Roesler levadas ao local tornam-se partituras, sendo reinterpretadas pelo músico ao piano.

Alberto Baraya (1968, Bogotá, Colômbia) é conhecido por sua produção multimídia, composta por escultura, instalação, desenho, fotografia e vídeo, baseada numa abordagem que revisita de forma crítica a prática dos viajantes europeus entre os séculos XVII e XIX. Por meio de suas obras, o artista cria paródias sobre a exploração colonial e sua repercussão nas relações mundiais contemporâneas, questionando as narrativas construídas sobre o conceito de nacionalidade. No começo dos anos 2000, Baraya adotou a postura de “viajero”, empreendendo viagens exploratórias no modelo das antigas expedições botânicas e antropológicas realizadas em nome da ciência e a serviço da colonização para questionar as motivações existentes por trás da racionalidade científica, os modelos taxonômicos e os processos de mistificação que envolvem as relações identitárias. Suas obras vem sendo apresentadas em individuais e coletivas por diversas partes do mundo, além de em importantes bienais, como: Manifesta 12 (M12), Palermo, Itália (2018); 10ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre/RS, Brasil (2015); 8ª Berlin Biennale, Berlim, Alemanha (2014); 9ª Shanghai Biennale, Shanghai, China (2012); 11ª Bienal de Cuenca, Cuenca, Equador (2011); 53ª La Biennale di Venezia, Veneza, Itália (2009); 27ª Bienal de São Paulo, São Paulo/SP, Brasil (2006); 5ª Bienal del Caribe, Santo Domingo, República Dominicana (2003); 1ª Bienal de Medellín, Medellín, Colômbia (1997); e 4ª Bienal de Bogotá, Bogotá, Colômbia (1994).

Benjamin Taubkin (1956, São Paulo, Brasil) é um dos pianistas mais conhecidos da cena brasileira, tendo gravado e lançado vários discos no Brasil e no exterior. É compositor, intérprete, arranjador, produtor musical e curador. Dirige o Núcleo Contemporâneo que se dedica à música, promove encontros, recitais, eventos e produção de discos. Destaca-se como curador de festivais e de projetos musicais que fazem a produção brasileira dialogar com outras culturas. Benjamim atua diferentes formações, do solo à Orquestra Sinfônica e já tocou ou gravou com músicos como Marcos Suzano, Banda Savana, Rafael Rabelo, Zizi Possi, Moacir Santos, Paulo Moura, Mônica Salmaso, Hermeto Paschoal, entre muitos outros.

Eva Castiel na Mario de Andrade, São Paulo

Eva Castiel inaugura exposição individual e lança publicação na Biblioteca Mário de Andrade

A artista Eva Castiel inaugura no sábado, dia 24 de novembro de 2018, às 11 horas, na Biblioteca Mário de Andrade, a exposição Em si. Na individual são exibidos um vídeo e uma instalação com projeções fotográficas sobre camadas de tecidos semi-transparentes que mostram retratos de mulheres nômades realizados pela artista na Tunísia e no Marrocos, entre 2010 e 2017.

Eva relembra “uma das coisas que me interessou nessas mulheres é o fato delas não se fixarem no espaço; o território que elas habitam é transitório e se constrói sobre tramas afetivas. As mulheres bérberes mais velhas ainda ostentam tatuagens faciais com símbolos tradicionais. O fato delas carregarem sua cultura impressa em seus rostos denota que elas se orientam através do corpo, reinventando seu modo de vida constantemente, pois o corpo é um campo de movimentos intensivos e de variação contínua”.

Na entrada da exposição, a artista apresenta um vídeo de seu próprio olho, que, afetado por essas imagens, percorre infinitamente o espaço circundante, ao mesmo tempo em que sugere um olhar para si mesmo. A instalação que dá nome à mostra é um convite para o visitante a transitar por entre as diversas camadas de tecidos e observar como sua própria sombra se funde às imagens projetadas. O espaço expositivo se completa com uma peça sonora realizada especificamente para a ocasião.

Lançamento do livro “Eva Castiel – Estrangeira”

Organizada e apresentada pela crítica de arte e curadora Daniela Bousso, a publicação “Eva Castiel – Estrangeira” revisita a produção da artista sob a ótica de autores como Laymert Garcia dos Santos, Carlos Fajardo, Branca de Oliveira e Nelson Brissac.

“Eva sempre trabalha com morte, memória e esquecimento [...] com véus, velaturas que remetem à morte e formam mapas, justamente à maneira de um estrangeiro se guiar em um lugar que não é o dele. O estrangeiro é cartográfico porque há deslocamento todo o tempo. As imagens nunca se definem completamente e, por isso, o estrangeiro não é só “estrangeiro”, mas também o outro, o estranho. Ou seja, Eva também trabalha com a alteridade, no sentido de o sujeito ser ele fora de si, o estranho familiar.”, escreve Carlos Fajardo.

Eva Castiel - Artista multimídia nasceu e trabalha em São Paulo, transita entre a instalação, a videoarte e arte pública. Iniciou sua carreira nos anos 1980 e fez parte do grupo Casa Blindada no período de 2000 a 2006. Realizou diversas exposições individuais no Brasil e em países como Alemanha, Israel, Hungria, Nova York e China, entre elas: “Infinita”, na Valu Oria Galeria, em São Paulo, 2007; “A Oeste, O Muro”, na Capela do Morumbi em 1998 e na Ruine Der Franziskaner Klosterkircher, Berlim, 2002; e “Kalk”, na Galeria Barsikow, em Berlim, 2000. Participou de várias exposições coletivas, entre elas, “Corpoinstalação”, no SESC Pompéia, São Paulo, em 2009, “Paralela Bienal de São Paulo”, em 2006, “Genius Loci”, no Instituto Maria Antônia, em São Paulo, 2002, “São Vito”, no artecidadezonaleste, São Paulo, 2002 e “Nach Westen Die Mauer”, em Lutherkirche, em Colônia, 2000. Foi representada pela galeria Valu Oria por oito anos e hoje faz parte da Galeria Mônica Filgueiras.

Sétima edição do Leilão Anual do Pivô, São Paulo

O Pivô realiza a sétima edição de seu Leilão de Parede Anual, que acontece de 25 de novembro a 01 de dezembro, período no qual serão leiloados mais de 100 trabalhos de artistas emergentes e consagrados, que acreditam na missão do espaço e contribuem para a manutenção do Pivô e sua programação. Os lances iniciais partem de 50% do valor de mercado e poderão ser dados por telefone ou presencialmente ao longo da semana da exposição, ou apenas presencialmente no evento de encerramento no dia 01 de dezembro.

25 de novembro a 1 de dezembro de 2018

Pivô
Av. Ipiranga 200, Edifício Copan, Bloco A, loja 54, Centro, São Paulo
11-3255-8703
Terça-feira a sexta-feira, das 13h às 19h; sábados das 13h às 19h
Para adquirir ingressos para o Almoço Beneficente ou maiores informações sobre as obras do Leilão Anual, escreva para: apoios@pivo.org.br

No dia 25 de novembro, o Pivô realiza um almoço beneficente celebrando o início do Leilão. Desde outubro estão sendo vendidos os 200 ingressos para participação no evento, que terá o menu organizado por Janaina Rueda do Dona Onça - parceira de longa data do espaço. Os participantes desse evento terão acesso em primeira mão às obras disponíveis e a instituição prepara uma programação especial para esse dia.

O Leilão Anual é o principal evento de arrecadação de fundos do Pivô e quando a instituição recebe um importante retorno da cena artística nacional e internacional - o volume e a qualidade dos trabalhos doados torna a relevância do projeto evidente.

Este ano, o Pivô já recebeu doações de obras de importantes artistas de diversas gerações, como Jac Leirner, Anna Maria Maiolino, Patrícia Leite, Nuno Ramos, Mauro Restiffe, Paulo Pasta, AVAF, Leda Catunda, Erika Verzutti, Lucas Arruda, Daniel Steegman Mangrané, entre outros. Além desse importante retorno da comunidade artística, a instituição também recebeu uma grande resposta do público ao evento. Nos últimos anos, cerca de 90% dos trabalhos foram vendidos e os recursos gerados foram revertidos para a para manutenção do espaço, remuneração da equipe, programação de exposições, projetos comissionados, ciclos de eventos e residências artísticas.

Para participar do Leilão Anual do Pivô, é necessário preencher uma ficha de inscrição que estará disponível no local ou pode ser enviada por e-mail. O Pivô recebe lances ao longo da semana da exposição, que podem ser cobertos até o último minuto do evento de encerramento do leilão. O leilão de parede caracteriza-se pela ausência de leiloeiro.

Diferente dos leilões convencionais, o participante do leilão de parede registra sua oferta diretamente na parede, ao lado da obra, anotando o valor de seus lances que poderão ser aumentados no dia do evento em no mínimo R$ 100 sobre a oferta anterior. Os lances poderão ser recebidos ao longo da semana, das 13 às 19h ou presencialmente durante o evento de encerramento, no dia 1 de dezembro das 13 às 20h. Os pagamentos poderão ser realizados com depósito bancário ou dinheiro.

Entre os artistas confirmados para o Leilão Anual do Pivô 2018

Adriano Costa, Alex Cerveny, Alexandre Brandão, Alexandre Canonico, Alexandre Wagner, Amanda Mei, Ana Dias Batista, Ana Linnemann, Ana Mazzei, Ana Prata, Anderson Godinho, Anna Maria Maiolino, Antonio Malta, asma, avaf, Beatriz Ruco, Bruto Brito, Bruno Faria, Bruno Novaes, Camila Sposati, Carolina Caliento, Carolina Cordeiro, Celeste Rojas, Cristiano Lenhardt, Daniel Jablonski, Daniel Lie, Daniel Senise, Daniel Steegmann- Mangrané, Débora Bolsoni, Dora Smék, Efrain Almeida, Elvis Almeida, Engel Leonardo, Erica Ferrari, Erika Verzutti, Felipe Ferraro, Felipe Seixas, Flora Leite, Flora Rebollo + Thiago Barbalho, Fraus, Frederico Filippi, Gabriella Garcia, Gilson Rodrigues, Giselle Beiguelman, Giulia Puntel, Gokula Stoffel, Guerreiro do Divino Amor, Gui Pondé, Guido Yannitto, Guilherme Callegari, Guilherme GAFI, Guilherme Ginane, Guto Lacaz, Hannah Lees, Ilê Sartuzi, Jac Leirner, Jaime Lauriano, Janina McQuoid, Jarbas Lopes, João GG, João Loureiro, Juliana Cerqueira Leite, Julia Mota, Julio Lapagesse, Laura Lima, Laura Gorski, Laura Vinci, Leandro Muniz, Leda Catunda, Lenora de Barros, Letícia Ramos, Lucas Arruda, Lucas Simões, Luiz Roque, Lyz Parayzo, Mano Penalva, Marcelo Cipis, Márcia de Moraes, Márcia Xavier, Marcius Galan, Maria Monteiro, Mariana Teixeira, Marcel Darienzo, Martin Lanezan, Maura Grimaldi, Mauro Restiffe, Maya Weishof, Mayana Redin, Melissa Stabile, Motta & Lima, Nuno Ramos, Oskar Schmidt, Paloma Bosquê, Patrícia Leite, Paul Setúbal, Paulo Arraiano, Paulo Monteiro, Paulo Pasta, Pedro Victor Brandão, Pepi Lemes, Pontogor, Rafael Silvares, Rafaela Foz, Raquel Sena, Regina Parra, Renan Marcondes, Renata Pedrosa, Renato Castanhari, Renato Pera, Ricardo Alves, Rita Vidal, Rodolpho Parigi, Rodrigo Arruda, Rodrigo Cass, Rodrigo Matheus, Romeu Mizuguchi, Santarosa Barreto, Selene Alge, Sérgio Pinzón, Sérgio Sister, Simon Fernandes, Sofia Lotti, Thalita Hamaoui, Thomaz Rosa, Tiago Carneiro da Cunha, Victor Leguy, Virgílio Neto, Vivian Caccuri, Yasmin Guimarães, Yorgos Petrou, Yuli Yamagata, entre outros.

Sobre o Pivô

O Pivô, fundado em 2012, é uma associação cultural sem fins lucrativos que atua como plataforma de experimentação artística para artistas, curadores, teóricos, estudantes e público em geral. Tem por objetivo propor questionamentos críticos no campo das artes visuais, arquitetura, urbanismo e outras áreas da cultura, disponibilizando um espaço de exposição, investigação e intercâmbio de propostas artísticas nos âmbitos nacional e internacional. Sua programação é ampla e contempla exposições, residências artísticas, intervenções, cursos, debates e palestras. Desde 2012, a instituição realizou cerca de 45 projetos, acolhendo em média 260 artistas de 20 países diferentes e recebeu cerca de 55 mil visitantes.

Marina Monumental: A Arte Delas na Marina da Glória, Rio de Janeiro

A Arte Delas: projeto Marina Monumental celebra a produção das mulheres nas artes plásticas

Em sua terceira edição, mostra de arte a céu aberto ocupa a Marina da Glória entre 25 de novembro e 6 de janeiro. Megaexposição reúne trabalhos de artistas sobre identidade feminina e luta por direitos da mulher. Entrada é gratuita

A força da mulher nas artes. De 25 de novembro a 6 de janeiro, a Marina da Glória recebe a terceira edição do projeto Marina Monumental. A Arte Delas é o tema do evento este ano. Com curadoria de Marc Pottier, a mostra reunirá vinte e uma obras exclusivamente de artistas mulheres com trabalhos inéditos criados para o evento. A abertura irá contar com a cinco performances que exaltam a união, força, respeito e se integram ao espaço e obras do lugar. O objetivo é dar visibilidade à produção das mulheres nas artes e mostrar como elementos centrais do cotidiano estão intimamente ligados à construção da identidade da mulher, como a luta por direitos, meio ambiente, corpo, violência, silenciamento e empoderamento.

Para mostrar a infinidade de temas explorados pelas mulheres em seus trabalhos, Marc Pottier procurou artistas com estilos diversos. “Esta edição traz trabalhos que apresentam diferentes perspectivas sobre o que é – e como é ser mulher – e olhares distintos sobre o feminino. Também apresenta obras importantes que valorizam e homenageiam a produção artística e cultural das mulheres em um espaço importante de representatividade que são as artes plásticas”, destaca Marc, que vive e trabalha entre o Rio e Paris.

Um dos destaques da edição é a variedade de expressões artísticas da mostra, que contará com instalações, esculturas, grafites, experiências interativas e performances – todas estabelecendo uma interação com a arquitetura e o local. A exposição vai contar com trabalhos criados exclusivamente para o evento, pelas artistas, Amalia Giacomini, Ana Holck, Ananda Nahu, Ana Paola Protasio, Ana Vitoria Mussi, Claudia Jaguaribe, Claudi Melli, Claudia Sehbe, Gabriela Gusmão,Gabriela Maciel, Marcela Grosman, Janaina Mello Landini, Janaina Tschäpe, Liana Nigri, Maria Laet, Maria Lynch, Maria Fernanda Lucena, Nathalie Nery, Panmela Castro, Rosangela Dorazio e Simone Cupello.

A grafiteira Panmela Castro – militante do feminismo negro e fundadora da Rede Nami -, preparou especialmente para a exposição uma instalação, que homenageia mulheres perseguidas. Cada vestido-bandeira, carrega o nome de uma mulher do mundo que luta por mais qualidade de vida e liberdade para as mulheres. “Esse trabalho é para chamar a atenção e valorizar a luta dessas mulheres que estão sendo reprimidas por lutarem por seus direitos”, diz a artista.

Para Nathalie Nery, o evento é importante devido ao momento político que estamos vivendo. “Não deixa de ser um ato de resistência e de marcação de posição valorizar o trabalho de tantas mulheres nas artes”, afirma. Ela irá apresentar a obra “Cativa”, uma árvore que se reinventa, o projeto fala de vida, morte e transformação como um destino que precisa ser inventado por cada de nós.

A carioca Ana Paola Protasio, famosa por incorporar objetos do cotidiano em seus trabalhos, preparou uma instalação em que vai explorar o fundo do mar; a carioca Claudia Jaguaribe, cuja produção extrapola os limites entre as artes plásticas e a fotografia, homenageia a Baía de Guanabara; Maria Laet, outra carioca da lista e um dos destaques da Bienal de São Paulo deste ano, criou a obra “Quase nada, 2018”, que busca sobrepor lugares e tempos através dos sentidos.

“O Monumental já faz parte do calendário cultural do Rio de Janeiro. É uma mostra interativa, em um espaço público, com o acesso aberto, democrático. A cada ano a curadoria traz um tema instigante. Percebemos que os visitantes estão sempre relembrando de obras das edições anteriores, e isso é gratificante”, afirma Kátia d’Avillez, coordenadora geral do projeto.

Além do contato com obras de artistas de algumas das principais galerias brasileiras, no “Marina Monumental", o visitante poderá apreciá-las em um espaço amplo e público, e com o adicional de serem ‘emolduradas’ por uma das paisagens naturais mais incríveis do mundo. Os trabalhos terão como pano de fundo grandes cartões postais da cidade, a Baía de Guanabara, o Pão de Açúcar e o Cristo Redentor, além dos Jardins do Parque do Flamengo.

Rafael Alonso no Anexo Millan, São Paulo

O pintor Rafael Alonso apresenta, de 24/11 a 20/12, a sua primeira exposição individual na Galeria Millan, intitulada Emissário. Nesta nova série de trabalhos, que ocupa o espaço do Anexo Millan, localizado a apenas 50 metros da galeria, Alonso exibe pinturas morfologicamente diversas entre si mas que carregam em diferentes graus o mesmo raciocínio: a ideia de que elas seriam sintomas da crise de certa ideia de “realidade”. São colagens de signos que vão desde o conceito de paisagem comumente associado aos trópicos, como acontece na obra “Chuva Dourada”, passando pelo cromatismo chavão de “Delírio Tropical”, até a história recente da arte brasileira com referências aos projetos concretos, como na pintura “Raspadinha”.

O humor é uma característica fundamental e perpassa todas as obras apresentadas nesta mostra. Conceitos como gosto e expressividade são discutidos pela produção de imagens ao mesmo tempo atraentes e desconcertantes de Alonso. Através da cor, da composição, da ocupação do espaço, do uso dos materiais ou do uso das palavras, o artista fluminense nos propõe uma reflexão acerca de concepções muitas vezes cristalizadas do que seria o fazer artístico.

Sobre Rafael Alonso

Nascido em Niterói (RJ) em 1983, Rafael Alonso vive e trabalha no Rio de Janeiro (RJ). É graduado em Pintura e atualmente é doutorando em Linguagens Visuais pela Escola de Belas Artes da UFRJ.

Em suas obras propõe negociações entre seu cotidiano e sua prática artística - investiga as possibilidades de articulação entre a experiência do dia-a-dia e a pintura. Alonso experimenta campos de atuação para a cor, para a forma e para o gesto, ao mesmo tempo em que não retira a pintura do seu modelo crítico de refletir sobre seu tempo e lugar. Entre suas exposições individuais importantes estão: Museu de Arte Contemporânea de Niterói, RJ (2017); Paço Imperial, Rio de Janeiro, RJ (2012); Paço das Artes, São Paulo, SP (2011); e Centro Cultural São Paulo, SP (2006).

Participou de dezenas de mostras coletivas, entre as quais: The Sun – Living with Our Star, Science Museum, Londres, Reino Unido (2018); Pintura – Diálogo de Artistas, Caixa Cultural, Rio de Janeiro, RJ; Trienal Frestas, SESC Sorocaba, SP; e Swype, Baby Swype, Tech Art Lab, Cascais, Portugal (2017); Artes Visuais em Revista, Espaço Cultural BNDES, Rio de Janeiro, RJ; e Alster Kunstsalon, Merck Finck & Co., Hamburgo, Alemanha (2016); X Bienal do Mercosul, Porto Alegre, RS; e Cariocas, Maison Folie Wazemmes, Lille, França (2015); Lugares, Ações, Processos, Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, RJ (2013); Caos e Efeito, Itaú Cultural, São Paulo, SP (2011); Converging Trajectories, Modified Arts, Phoenix, Arizona, EUA (2010); e Trilhas do Desejo, Itaú Rumos Artes Visuais, Paço Imperial, Rio de Janeiro, RJ (2009), entre outras.

Recebeu o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, RJ (2011); e o prêmio SIM de Artes Visuais, Secretaria de Cultura, Estado do Pará. Foi finalista da Bolsa Iberê Camargo, Porto Alegre, RS (2005).

Laercio Redondo na Pinacoteca, São Paulo

Coleção de arte brasileira da Pinacoteca recebe nova interpretação em exposição de Laercio Redondo

O artista cria uma instalação sensorial no Octógono e intervém junto a obras de quinze artistas, incluindo Anita Malfatti, Almeida Júnior, Claudia Andujar, Maria Martins, entre outros, propondo novas leituras da arte brasileira

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, apresenta, de 24 de novembro de 2018 até 25 de fevereiro de 2019, a exposição Laercio Redondo: Relance, que ocupa os espaços do Octógono e também da exposição de longa duração do acervo no primeiro andar da Pinacoteca. Com curadoria de Fernanda Pitta, curadora sênior do museu, e consultoria curatorial da historiadora da arte norte-americana Kaira M. Cabañas, a mostra propõe investigar outras possíveis interpretações das narrativas da história do Brasil, contadas através da coleção do museu, a partir da experiência olfativa.

A prática do artista Laercio Redondo, que vive entre a Suécia e o Brasil, desde há muito se detém sobre imagens da memória coletiva e sobre certos apagamentos na cultura brasileira. Para o Projeto Octógono, o paranaense explora as potencialidades de uma anedota do artista Estevão Silva (c.1844-1891) – o primeiro pintor de ascendência africana a frequentar a Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro –, que se valia do recurso de apresentar suas pinturas de natureza-morta, juntamente com as frutas representadas, de modo que seus odores também fizessem parte da percepção do observador.

Tal estratégia sugeriu a Redondo uma maneira de propor uma intervenção que explorasse outras possibilidades da experiência do objeto artístico para além do visual. Esta resultou na proposta de uma intervenção no Octógono que dá início a um percurso pela coleção do museu em que o público vai encontrar displays posicionados estrategicamente próximos a obras de Anita Malfatti, Almeida Júnior, Claudia Andujar, Maria Martins, entre outros, contendo cartões com odores. Tais acordes olfativos foram desenvolvidos através de uma parceria entra a curadoria da Pinacoteca e a casa de fragrâncias alemã, Drom Fragrances, criados pelos perfumistas Cleber Bozzi e Luis Paulo Natividade, com a direção olfativa de Matthieu Ferreira, Renata Abelin e Kelly Medeiros que integram o time de fragrâncias e a área criativa da empresa.

A curadora da mostra comenta que “o odor está neste trabalho de Laercio Redondo como um ponto de partida para o desenrolar de histórias de rastros, restos, apagamentos e retornos”, explicando assim que “o privilégio dado ao sentido do olfato é uma estratégia de ativação, de libertação, de outras memórias, permitindo outras interpretações. Redondo, que sempre tem trabalhado com procedimentos de erosão, de revolvimento e reconfiguração das imagens, desta vez estende ao limite a sua iconoclastia, numa atitude que lhe pareceu necessária para de certa maneira escapar ao poder normalizador das imagens”.

Em Relance, que empresta seu título da canção de Caetano Veloso, o artista busca provocar um desvio crítico do valor simbólico e dos significados comumente atribuídos a algumas obras do acervo. “A aposta, portanto, é de que o cheiro revolva a memória do espectador, produza um embaralhamento e ative uma experiência histórica que transforme a percepção do presente, confrontando seus apagamentos, explicitados pelas imagens”, afirma Pitta. A estratégia visa a abrir a possibilidade, a partir da inversão destes sentidos, de novas interpretações, bem como apontar lacunas nas narrativas do Brasil a partir da coleção do museu.

PROJETO OCTÓGONO

Criado em 2003, o projeto Octógono Arte Contemporânea ocupa um espaço importante do museu, apresentando produções de arte contemporânea comissionadas pelo museu. Ao longo desses 15 anos, o projeto apresentou cerca de 40 site-specifics de artistas brasileiros e estrangeiros, entre eles Ana Maria Tavares, Artur Lescher, Carla Zaccagnini, Carlito Carvalhosa, Joana Vasconcelos, João Loureiro, José Spaniol, Laura Vinci, Regina Silveira, Rubens Mano, Laura Lima, entre outros.

SOBRE O ARTISTA

Laercio Redondo nasceu em Paranavaí, PR, em 1967 e vive e trabalha entre o Rio de Janeiro, RJ, e Estocolmo, Suécia. Terminou sua pós-graduação na Konstfack, University College of Art, Crafts and Design, em Estocolmo, Suécia, e realizou exposições individuais em espaços importantes como Dallas Contemporary (2016); Ana Mas Projects, Barcelona (2016); Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (2015); Die Raum em Berlim (2014), entre outros. Exposições coletivas incluem a Bienal de Cuenca (2018); Tarsila e Mulheres Modernas no Rio (2015) e Josephine Baker e Le Corbusier no Rio – Um caso transatlântico (2014), ambas no Museu de Arte do Rio de Janeiro; Idea di Frattura – Opinione Latina / 2, Galleria Francesca Minini, Milão (2014); Amor e ódio à Lygia Clark, Zachęta National Gallery of Art, Varsóvia (2013); The right to the city, Stedelijk Museum Bureau, Amsterdam (2013); O interior está no exterior, SESC Pompéia, São Paulo (2013); Bananas is my Business: The South American way, Museu Carmen Miranda, Rio de Janeiro (2011); Leibesübungen – Vom Tun und Lassen in der Kunst, Galerie der Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig (2008); Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2008); entre outras.

Tiago Sant’Ana na Simone Cadinelli, Rio de Janeiro

Simone Cadinelli Arte Contemporânea apresenta individual de Tiago Sant’Ana, que questiona a colonização e a abolição no mês da Consciência Negra

Nascido em Santo Antônio de Jesus, município considerado a capital do Recôncavo Baiano, Tiago Sant’Ana imprime suas raízes na maioria dos trabalhos como artista visual e performático. Em Baixa dos Sapateiros, individual que inaugura no dia 24 de novembro, no mês da Consciência Negra, na Simone Cadinelli Arte Contemporânea, não será diferente. A ideia central parte da imagem histórica dos sapatos como símbolo de libertação pós-abolição negra no Brasil. Essa abolição, oficiosa e sem reparação, era simbolizada pelo gesto de pessoas negras poderem calçar sapatos – tal qual a população branca.

O título, “Baixa dos sapateiros”, remete a uma região de mesmo nome em Salvador, na Bahia, local em que muitas pessoas negras recorriam para confeccionar seus sapatos. “O nome surge com essa proposta de falar de um lugar em que muitas pessoas iam desejando essa representação da liberdade, que eram os sapatos”, informa o artista. “Era uma geografia que simbolicamente envolvia uma expectativa por essa promessa de cidadania para as pessoas negras, que nunca chegou completamente até hoje”, completa.

Considerado um dos pontos altos da exposição, as esculturas com sapatos ̶de açúcar cristal estabelecem um paralelo com o complexo sistema de exploração da cana-de-açúcar e a chegada de muitos engenhos na região do Recôncavo. Clarissa Diniz é responsável pela curadoria da exposição, que conta com vídeo, fotografias, objetos e instalações em torno do tema.

“O açúcar aparece com recorrência em meus trabalhos como uma tática de aproximar o debate sobre colonização com a atualidade, sobretudo para falar sobre racismo e a violência contra a população negra”, afirma Tiago, que foi um dos artistas indicados ao Prêmio PIPA 2018 e realizou recentemente a exposição solo “Casa de purgar” (2018), no Museu de Arte da Bahia e no Paço Imperial, no Rio de Janeiro.

Um dos trabalhos que estará presente na mostra é a série de proposições de performance, resultado de uma residência artística de Sant’Ana por dois meses em Lisboa, Portugal. Nessas obras, o artista trabalha com os imaginários sobre a colonização portuguesa no Brasil, incluindo uma peça que critica os nomes perversos que europeus intitulavam os navios negreiros.

No andar superior da galeria, o artista cria um núcleo formado por um vídeo e uma fotografia que são compostos a partir da presença de homens negros descalços que carregam consigo pares de sapato a tiracolo. Para realização do trabalho, o artista usou como locação um antigo casarão no centro de Salvador.

"Tiago integra este momento recente da arte brasileira no qual as questões centrais relativas à formação social do país são tratadas por aqueles que, histórica e contemporaneamente, experimentam as violências e contradições desse percurso.

Trata-se de uma arte que não mais tematiza - de um ponto de vista distanciado, folclorizante ou cientificista - essa história, mas a reconta, reencena criticamente, escancara suas feridas abertas e performa suas possibilidades de transformação. Como a obra de Sant'Ana, esses trabalhos têm a capacidade de falar sobre processos complexos como a escravidão ao, por sua vez, propor situações nas quais seus sujeitos (como, por exemplo, os negros) ocupam outra posição diante da narrativa.Com isso, reposicionam a história do Brasil e, em especial, rearranjam, no presente, sua arte. Com Baixa dos Sapateiros, Tiago Sant'Ana nos traz mais um capítulo desse recente momento social, político e cultural da arte produzida no (e a partir do) Brasil", analisa a curadora, Clarissa Diniz.

Até o final do ano, o artista segue com a agenda cheia: Histórias Afro-Atlânticas, MASP e Instituto Tomie Ohtake (vídeo "Apagamento #1"), até 21 de outubro; In Loqus, SESC Santo Amaro (exibição do vídeo "Anunciação"), de 24 a 27 de outubro; Adorno Político, no Espaço de Intervenção Cultural Maus Hábitos em Porto/Portugal (exibição da obra "Passar em branco") ,de 8 de novembro a 23 de dezembro; Panapaná, Galeria Archidy Picado (curadoria de Tiago Sant'Ana e Raphael Fonseca), exposição que abre no dia 9 de novembro.

ATIVIDADES

Desde a sua idealização, a galeria tem como propósito promover a arte contemporânea através de uma programação diversificada, com exposições de artistas representados e em ascensão no mercado, workshops, debates, visitas guiadas, performances e vídeos. Durante o período da mostra serão realizadas visita guiada e conversa na galeria com a curadora Clarissa Diniz e Tiago Sant’Ana. O projeto “Encontros sobre arte” terá dois dias destinados a palestras do artista, que também fará uma performance durante a programação.

15/12 - Visita guiada e conversa na galeria com Clarissa Diniz e Tiago Sant’Ana

14 e 15/01 – Workshop “A performance negra nas artes visuais do Brasil”, com Tiago Sant’Ana
Tiago Sant'Ana irá abordar a linguagem da performance e seus intercâmbios estéticos com as poéticas negras. Durante os dois dias, o artista fará um panorama sobre a história da arte da performance, além de discutir conceitos de arte afro-brasileira e arte negra, debatendo também os cruzamentos conceituais entre performance e a questão da negritude no Brasil. Além disso, será apresentado um repertório histórico de artistas da performance negra nas artes visuais do Brasil, com destaque para os desafios e as potências de produzir arte negra na contemporaneidade.

16/01 - Performance de Tiago Sant’Ana

Tiago Sant’Ana (Santo Antônio de Jesus, 1990) é artista da performance, doutorando em Cultura e Sociedade pela Universidade Federal da Bahia. Desenvolve pesquisas em performance e seus possíveis desdobramentos desde 2009. Seus trabalhos como artista imergem nas tensões e representações das identidades afro-brasileiras – tendo influência das perspectivas decoloniais. Foi um dos artistas indicados ao Prêmio PIPA 2018. Realizou recentemente a exposição solo “Casa de purgar” (2018), no Museu de Arte da Bahia e no Paço Imperial, no Rio de Janeiro. Participou de festivais e exposições nacionais e internacionais como “Histórias Afro-atlânticas” (2018), no MASP e no Instituto Tomie Ohtake, “Axé Bahia: The power of art in an afro-brazilian metropolis” (2017-2018), no Fowler Museum at UCLA, “Negros indícios” (2017), na Caixa Cultural São Paulo, “Reply All” (2016), na Grosvenor Gallery, e “Orixás” (2016), na Casa França-Brasil. Foi professor substituto do Bacharelado Interdisciplinar em Artes na Universidade Federal da Bahia entre 2016 e 2017.

Clarissa Diniz é curadora e escritora em arte. Graduada em Lic. Ed. Artística/Artes Plásticas pela Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) e mestre pelo Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ). Foi gerente de conteúdo do Museu de Arte do Rio - MAR entre 2013 e 2018, onde desenvolveu também projetos curatoriais. Publicou os livros “Crachá – aspectos da legitimação artística”, “Gilberto Freyre” – em coautoria com Gleyce Heitor –; “Montez Magno”, em coautoria com Paulo Herkenhoff e Luiz Carlos Monteiro; e “Crítica de arte em Pernambuco: escritos do século XX” (coautoria com Gleyce Heitor e Paulo Marcondes Soares), dentre outros. De curadorias desenvolvidas, destacam-se “O abrigo e o terreno” (cocuradoria com Paulo Herkenhoff. Museu de Arte do Rio – MAR, 2013), “Ambiguações” (Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, 2013), “Pernambuco Experimental” (Museu de Arte do Rio - MAR, Rio de Janeiro, 2013), “Do Valongo à Favela: imaginário e periferia” (cocuradoria com Rafael Cardoso, Museu de Arte do Rio - MAR, 2014), entre outras.

Luiz Zerbini na Carpintaria, Rio de Janeiro

Luiz Zerbini exibe um conjunto de seis pinturas inéditas, além de uma escultura e dois grupos de slides fotográficos na Carpintaria, espaço da Fortes D’Aloia & Gabriel no Rio de Janeiro, quatro anos após sua última individual na cidade. Realizado nos últimos dois anos, o grupo de pinturas em grande formato dá continuidade a experimentação formal do artista, cuja prática opera em uma peculiar união entre figuração, abstração e geometria. Em seus novos trabalhos, o artista explora efeitos óticos a partir de composições geométricas em que o uso da cor e da luz apresenta-se como peça-chave de um rico e complexo vocabulário visual, desenvolvido desde a década de 80.

Luiz Zerbini nasceu em 1959, em São Paulo, mas vive e trabalha no Rio de Janeiro desde 1982. Entre suas exposições recentes, destacam-se: Intuitive Ratio na South London Gallery (2018), sua primeira individual em uma instituição do Reino Unido; a coletiva Southern Geometries, from Mexico to Patagonia (2018), atualmente em cartaz na Fondation Cartier Pour L’Art Contemporain em Paris; amor lugar comum, exposição de longa duração no Inhotim, inaugurada em 2013; Amor, exposição panorâmica de seu trabalho no MAM Rio de Janeiro (2012). Sua obra está presente em diversas coleções públicas, como: Inhotim, Instituto Itaú Cultural, MAM Rio de Janeiro, MAM São Paulo, entre outras. Paralelamente, Zerbini integra desde 1995 o coletivo Chelpa Ferro, com Barrão e Sérgio Mekler, que explora as relações entre as artes visuais e a música.

Luiz Zerbini, Carpintaria, Rio de Janeiro, RJ - 27/11/2018 a 19/01/2019

Luiz Carlos Felizardo no Ling, Porto Alegre

Abertura da mostra acontece no dia 20 de novembro, com palestra do artista e da curadora Mônica Zielinsky. A entrada é franca

De 20 de novembro de 2018 a 23 de março de 2019, o Instituto Ling apresenta a exposição A Estranha Xícara, do artista e fotógrafo Luiz Carlos Felizardo. Por ocasião da abertura da exposição, na terça-feira, 20 de novembro, às 19h, o artista e a curadora Mônica Zielinsky farão uma conversa aberta com o público. A entrada é franca, por ordem de chegada.

A exposição traz 18 fotografias e montagens digitais, realizadas entre os anos de 2011 e 2017, que dão conta de uma transformação na carreira de Felizardo, em que o artista explora tecnologias digitais para compor imagens com novas técnicas e possibilidades criativas. A mostra é composta também por 35 objetos pessoais, como brinquedos que o artista ganhou e peças de seus antepassados.

Felizardo começou a trabalhar nas montagens de A Estranha Xícara em 2011, em razão de uma ataxia que lhe impôs sérias dificuldades motoras. Assim, o ambiente em que vivera por 40 anos - o laboratório fotográfico tradicional - precisou ser deixado para trás e o artista buscou, a partir de então, explorar novos suportes e técnicas para seu trabalho. Para ele, a exposição é uma espécie de homenagem aos objetos de sua história pessoal: "Esses objetos conviveram comigo por muitos anos - alguns pela vida inteira, alguns bem mais velhos do que eu mesmo. De alguma forma, todos eles estiveram e estão presentes em tudo o que fiz e faço. Fotografá-los foi a maneira que encontrei de prestar-lhes uma homenagem, dando-lhes o uso que não têm quando estão limitados a espiar-nos", escreve em seu texto. O título da mostra refere-se ao poema Cerâmica (1962), de Carlos Drummond de Andrade: Os cacos da vida, colados, formam uma estranha xícara./ Sem uso, / ela nos espia do aparador. Para o artista, o conjunto de imagens que resultou na exposição contém essa ideia.

Para a curadora Mônica Zielinsky, Felizardo revela aptidão para retrabalhar as próprias imagens e fazer uma instigante reconfiguração dos sentidos dos objetos ou lugares do passado, realizando uma generosa transformação que aponta novas realidades, composições e reconstruções: "O artista traz à luz diversas sutilezas de sua inegável memória afetiva de todos os tempos e, simultaneamente, ressonâncias que tangenciam um sutil veio de reverberação cultural. Entre os ágeis fluxos do passado ao presente ou do presente ao passado, esses trabalhos se fundamentam em distintos regimes de historicidade ao permitirem, também, pensar o futuro", afirma em seu texto curatorial.

A exposição é organizada pelo Instituto Ling com patrocínio da Fitesa Nãotecidos SA e financiamento do Pró-cultura RS / LIC - Lei de Incentivo à Cultura, Governo do Estado do Rio Grande do Sul.

Maritza Caneca + Claudia Melli na Anita Schwartz, Rio de Janeiro

A Anita Schwartz Galeria inaugura em 22 de novembro as exposições Entre Águas, de Maritza Caneca, e Revoada, de Claudia Melli, ocupando o térreo e o segundo andar da galeria no Baixo Gávea, respectivamente. Maritza Caneca dá continuidade à pesquisa com piscinas, tema que permeia sua trajetória artística desde 2012. Já em “Revoada”, Claudia Melli apresenta um conjunto de desenhos realizados entre 2017 e 2018, numa alusão ao movimento da vida e passagem do tempo.

Em sua segunda individual no Rio, a fotógrafa Maritza Caneca expõe o resultado de suas andanças por Budapeste em julho de 2018, onde visitou 56 piscinas em cinco dias. Com 9 imagens inéditas, de 100 X 150cm e ampliadas em papel algodão, a seleção traz o registro das termas Rudas, Szechenyi, Gellert, Kiraly, Lukacs, Palatinus e Römai e inclui, ainda, a foto da instalação “Swimming Pool” (2016), de Leandro Erlich, que fica no Museum Voorlinden, em Wassenaar, na Holanda. Além das 9 imagens inéditas fará parte da exposição a obra “Swimming Pool”, 2018, que foi apresentada na ArtRio, e três obras em formato redondo em metacrilato, fineart, em tamanhos variados. A mostra terá um texto de apresentação assinado por Vanda Klabin.

“Este ainda é o trabalho das piscinas, mas em evolução. Quando chego em uma piscina é sempre uma surpresa. Por isso escolhi Budapeste, com suas termas de origem árabe, turca, romana. É um universo vasto de diferentes formas”, comenta Maritza.

Tendo como referência a obra de David Hockney e James Turell, o olhar da artista, que começou a carreira nos sets de cinema, está refletido na geometria dos elementos com que trabalha. “Busco a simetria nas imagens, mas não tenho compromisso com o local. A ideia ao registrar este ambiente é que ele se torne atemporal, único”, explica. Maritza Caneca completa a mostra com um vídeo em looping e duas esculturas de cubo em azulejo, cada uma com seis placas de 14 x 14cm, fruto da temporada em Lisboa no início de 2018. “Desde o início busco diferentes maneiras de registrar esta experiência. Em 2017 fiz o primeiro trabalho com azulejos, com a instalação de um grande painel com fotos da piscina do Copacabana Palace. Quando estive em Portugal, tive a oportunidade de aprimorar a técnica com azulejo queimado e produzir as placas com diferentes desenhos em cima das fotos de Budapeste”, completa.

Paulista radicada no Rio de Janeiro, após três anos sem expor na cidade, Claudia Melli faz sua primeira individual na Anita Schwartz Galeria. “Revoada” é um conjunto de 90 desenhos em nanquim sobre placas de vidro, com dimensões variadas, realizados entre 2017 e 2018. No contêiner, no terraço da galeria, Claudia Melli complementará a exposição com o vídeo “IMAGENS DA LUA” (2007, 14’8”), da Sonda Espacial Kaguya do Japão, com imagens de diferentes momentos da lua ao longo de sua rotação. A mostra aborda um tema recorrente no trabalho da artista, antes representado pelos mares, árvores e vento: a passagem do tempo.

Inspirada pela Andorinha do Mar do Ártico (Sterna Paradisaea), espécie que entre as aves realiza extensas migrações, alcançando ao final do ciclo uma distância equivalente a uma volta completa ao redor da Terra, a artista se apropria do voo das aves em uma mesma direção para representar os ciclos naturais da vida.

“Assim como a migração de certos animais, a passagem das estações, o movimento das marés, o dia e a noite, a nossa respiração. Sendo a Terra um sistema fechado, o nosso ar, água, vida, alimento e tudo mais, não vem de outro lugar senão do eterno e sistemático movimento que acontece em nosso planeta através dos ciclos da natureza, mantendo o fluxo da vida contínuo fazendo com que estejamos todos conectados. Não se trata de uma visão ecológica, mas da minha perplexidade diante de tamanha perfeição e beleza”, comenta.

SOBRE MARITZA CANECA

Há cinco anos, Maritza Caneca se dedica a fotografar piscinas pelos quatro cantos do mundo. Já esteve em Israel, Suíça, Cuba e clicou o espelho d´água mais antigo de Lisboa. Seus trabalhos são conhecidos no circuito da arte internacional, em exposições coletivas na Arte Cartagena, Art Copenhagen, Scope Miami Beach, Scope Basel Suíça e Scope Nova York. Recentemente, a artista foi selecionada para uma residência artística no disputado BakehouseArtComplex, em Miami, onde tem um estúdio ao lado de mais de 50 artistas.

Seu percurso artístico começa nos anos 1980 como fotógrafa de still em filmagens cinematográficas. Desde então, assinou importantes projetos no cinema e na TV, entre eles “A luz do Tom” (2013), de Nelson Pereira dos Santos; “Carlos Burle Gigantes por Natureza” (2012), de Felipe Jofily; e “Viver com Fé, em Jerusalem”, com Cissa Guimarães, para o GNT. Suas fotos podem ser vistas no Rio de Janeiro, São Paulo, Los Angeles, Barcelona, Genebra e Londres. Entre as individuais estão as exposições “Water Diaries”, na Clima Art Gallery (2018), e “Pool Series”, na Bossa Gallery (2016), ambas em Miami.

SOBRE CLAUDIA MELLI

Expondo desde 2007, Claudia Melli atua na fronteira entre o desenho e fotografia, sempre indagando sobre a natureza dos mecanismos de percepção. Participou de algumas coletivas como o projeto de interferência no Museu da República, no Rio de Janeiro em 2007, “3 atos 3 artistas” na Galeria Eduardo Fernandes, em São Paulo (2009) e “Monumental”, na Marina da Glória (Rio de Janeiro, 2018). Entre as individuais estão a mostra “ONDE”, galeria Durex, Rio de Janeiro em 2008, “Série Azul” na Fundação Walter Wulltrich – Projeto Brasiléia (Basel, Suíça - 2014) e “Lugares onde nunca estive”, no MAM Rio (2015).

David Almeida na Mul.ti.plo, Rio de Janeiro

Indicado ao Prêmio Pipa, David Almeida expõe trabalhos que giram em torno de uma relação fugidia com o espaço, na Mul.ti.plo

Com uma série de obras que exploram a visualidade do espaço íntimo da cidade e da paisagem natural, David Almeida abre sua primeira exposição individual no Rio, Encalço. A mostra acontece na Mul.ti.plo Espaço Arte, no Leblon, de 22 de novembro a 19 de janeiro de 2019. Serão apresentados cerca de 15 trabalhos recentes, dentre eles 10 pinturas inéditas de médio e grande formato, que variam entre 25x30cm a 180x240 cm, criadas especialmente para a mostra.

São trabalhos que giram em torno de uma relação fugidia com o espaço, que se confunde entre paisagem natural e fragmento urbano. O artista brasiliense de apenas 28 anos, indicado ao Prêmio Pipa 2018, desenvolve sua arte por meio de múltiplas linguagens, como desenho, objeto, fotografia, instalações, performance e, sobretudo, a pintura.

David explica que as imagens das pinturas são de lugares que passou e das relações de narrativa e mistério a partir da ausência de fatos, do vazio, do resquício da passagem do outro:

“Em determinado momento do meu percurso, acontece um fato invisível, um gatilho desencadeado nessas cenas ou nesses objetos encontrados, que os transforma em imagens para mim. No momento do encontro com essas imagens porvir, acontece uma suspensão da história, um estanque de qualquer narrativa, onde eu me vejo de frente a uma espécie de mistério, de fantasma. Me dou conta de que não sei nada sobre aquele lugar ou coisa e de que o não saber é o que importa. Nesse breve momento de dúvida, é que se revela a imagem. É imagem, é espaço, mas também não é nada disso, pois é também superfície, cor, matéria, tempo, linguagem".

Segundo Maneco Müller, sócio da galeria, “David traz consigo uma inquietude própria dos grandes artistas; é um fabulador potente e singular, a fazer o caminho caminhar, com um tempo fora dos outros tempos. Tempo e estrada de poeta!”

Sobre o artista

Brasiliense radicado em São Paulo, David Almeida, de 28 anos, é formado em Artes Plásticas pela Universidade de Brasília. Premiado em 2013 no 12o Salão de Arte de Jataí, em 2014 pelo 20º Salão Anapolino de Arte e novamente em Jataí no 14o Salão de Arte de Jataí em 2015, participou de mostras coletivas como ‘Brazil: arbeit und freundschaft’, no Espaço Pivô, em São Paulo, e ‘20 - Pintura e Pictorialidade’, em Brasília, de 2000/2014 no Espaço Cultural Marcantonio Vilaça, ‘Ondeandaaonda I e II’ no Museu Nacional da República, ‘Scapeland – Território de Transito Livre’, no Memorial da América Latina. Em 2015, realizou a mostra individual ‘Sobre habitar o invisível’, na Referência Galeria de Arte em Brasília, após participar da Residência FAAP, em São Paulo. Realizou projetos de curadoria como a exposição coletiva ‘Turvas Narrativas’, na Orlando Lemos Galeria - Belo Horizonte. Participou de prêmios como ‘1o Salão Mestre D’Armas – Planaltina’, ‘Transborda Brasília – Prêmio de Arte Contemporânea’, e mais recentemente foi premiado com o primeiro lugar no ‘I Prêmio Vera Brant de Arte Contemporânea’. Em 2016 realizou a residência no Centro Cultural Elefante onde realizou a exposição ‘Asseidade da Fenda’, mais recente individual com curadoria de Ana Roman. É indicado ao prêmio PIPA de 2018.

Virginia de Medeiros na Casa Porto das Artes Plásticas, Vitória

A artista visual Virginia de Medeiros apresenta, de 20 de novembro de 2018 a 6 de janeiro de 2019, a exposição Studio Butterfly e outras fábulas, na Casa Porto das Artes Plásticas, em Vitória/ES. Contemplada pelo Prêmio Funarte Conexão Circulação Artes Visuais, promovido pelo o Ministério da Cultura e pela Fundação Nacional de Artes (Funarte), a mostra apresenta instalações, vídeos e fotografias na criação de narrativas que lançam um olhar surpreendente sobre histórias reais. O trabalho da artista baiana converge estratégias documentais para ir além do testemunho, questionando os limites entre realidade e ficção. A curadoria é assinada por Moacir dos Anjos. A visitação acontece de terça a sexta-feira, das 13h às 19h, e aos sábados, das 10h às 14h, com entrada gratuita. Na abertura, a partir das 19h, haverá bate papo e visita guiada com a artista. A classificação indicativa é de 16 anos.

A exposição “Studio Butterfly e outras fábulas”, que contém cenas de nudez, reúne quatro obras: “Studio Butterfly” (2003-2006), “Cais do corpo” (2015), “Manilas Bar – Casa da Marinalva” (2014), e “Sergio e Simone # 2” (2007-2014). Segundo a artista, os pilares dos seus trabalhos são sexualidade, gênero e religião. As obras apresentam uma perspectiva do encontro com o outro e do aprofundamento dessa vivência que exige uma intensa troca de referências e de afetos. “Meu trabalho fala de políticas do afeto e de economia do cuidado. É o que me move”, explica a artista. Partindo desse pressuposto, Virginia se lança a encontrar novos modos de ler a realidade e de estar atenta para as representações descuidadas que são criadas a respeito dela. Sendo assim, a artista mergulha, se envolve e participa das vidas das pessoas e das cidades com quem convive.

Para a realização da obra “Studio Butterfly”, que dá nome à exposição, a artista se dedicou por três anos ao estabelecer uma relação com várias travestis de Salvador. A vídeoinstalação apresenta o registro de testemunhos dados por várias das travestis em visita ao estúdio fotográfico montado por Virginia para acolhê-las. São depoimentos permeados por lembranças das fronteiras entre o masculino e o feminino. Em retribuição à cessão de imagens das travestis, a artista produziu books para cada uma delas. Ladeando a exibição do vídeo, projeções sequenciadas de fotografias retiradas desses books e de álbuns pessoais das travestis são instaladas: imagens das mesmas pessoas, mas feitas em condições e momentos distintos.

Já “Sergio e Simone # 2” reforça o baralhamento de gêneros sugerido na obra anterior e acrescenta, na tessitura fluida de imagens filmadas pela artista, ambiguidades identitárias que desconcertam e ensinam. O trabalho mostra, em telas distintas que por vezes se atravessam, depoimentos de duas personagens que são, ao final, uma pessoa apenas. Simone, uma travesti que tomava conta de uma fonte pública na Ladeira da Montanha, em Salvador, foi foco de Virginia em um primeiro momento. No entanto, após um delírio místico causado por overdose de crack, Simone decide abandonar a fonte. Volta para a casa dos pais, reassume seu nome de batismo, Sérgio, e se torna pregador evangélico, renegando a vida que antes levava, denunciando-a como provação de sua nova fé. A partir de então, a artista passa a filmar Sérgio, cujo comportamento parece conflitar em quase tudo com o de Simone, da sexualidade declarada às religiões que um e outro professam.

A terceira obra separa solidão e partilha, calmaria e desassossego, transgressão e obediência, entre outros pares de estados e fazeres tantas vezes distinguidos de modo artificial. Formada por um vídeo e quatro fotografias, “Manilas Bar – Casa da Marinalva” é um trabalho que foi comissionado pelo Museu de Arte do Rio (MAR). “A obra retrata o bordel de Marinalva, seu fechamento e o desaparecimento dessas pessoas e desses espaços de resistência. Mostra o processo de gentrificação, de higienização humana e de como não são pensados projetos sociais para inclusão daquelas pessoas que já ocupavam os locais”, conta Virginia.

A quarta e mais recente obra apresentada nesta exposição é “Cais do Porto”. Feita a partir de imagens e falas de prostitutas que vivem e trabalham no entorno da Praça Mauá, zona portuária do Rio de Janeiro, a obra mostra o local que foi objeto de radical intervenção urbanística na última década. Em comum com o trabalho anterior, há a vontade de registrar um tipo de vida em progressivo desmanche, dessa vez claramente acelerado pelo processo de gentrificação causado pelas mudanças implementadas na região. Em seus depoimentos, as prostitutas denunciam os mecanismos explícitos e velados de expulsão de um território. As falas das prostitutas são acompanhadas por imagens de corpos seminus que dançam e afirmam, em sensualidade contida ou aberto erotismo, a vontade de confrontar e resistir às forças que as querem regular.

Itinerância – Antes da temporada em Vitória, a exposição “Studio Butterfly e outras fábulas” esteve em cartaz em Brasília, na Galeria Fayga Ostrower, de 31 de agosto a 14 de outubro de 2018. A itinerância da mostra integra o Prêmio Funarte Conexão Circulação Artes Visuais, promovido pelo o Ministério da Cultura e pela Funarte.

Virginia de Medeiros é artista visual e educadora, Mestre em Artes Visuais pela Escola de Belas Artes-UFBA. Ao longo de sua trajetória realizou cerca de 60 exposições nacionais e internacionais, entre elas: 2017-2018: História da Sexualidade, MASP [São Paulo, SP]; 2017: Jogja Biennale XIV, Yogyakarta, Indonésia; 2016: La réplica Infiel, Centro de Arte 2 de Mayo [Madri, Espanha]; 2015: Rainbow in the dark: no joy e tormento of Faith, Malmö Konstmuseum [Malmö, Suécia]; 2014: Salón de Belleza [Beauty Salon], Utopian Pulse - Flares in the Darkroom [Viena, Áustria]; 2014: 31ª Bienal de São Paulo: como (...) coisas que não existem. Pavilhão da Bienal [São Paulo, SP]; 2006: 27ª Bienal Internacional de São Paulo Como Viver Junto, Pavilhão da Bienal [São Paulo, SP], entre outras. Em 2015, ganhou o Prêmio PIPA voto popular e júri; foi artista premiada na 5ª Edição Prêmio Marcantonio Vilaça CNI / Sesi / Senai. Como educadora ministrou inúmeras oficinas em instituição de Arte e Fundações como Associação Cultural Videobrasil [São Paulo, SP], Universidade Federal da Bahia [Salvador, BA], Escola de Arte Visuais Parque Lage [Rio de Janeiro, RJ], Universidade Federal de Ciências da saúde de Porto Alegre [Porto Alegre, RS], Museu de Arte do Rio de Janeiro – MAR [Rio de Janeiro, RJ], Museu de Arte Contemporânea – MAC/USP [São Paulo, SP], entre outras. Foi Coordenadora do Curso de Pós-Graduação em Artes Visuais: Cultura e Criação da Rede-EAD, SENAC, Bahia [2008/2009] e Professora Substituta do Departamento de História da Arte e Pintura na Escola de Belas Artes – UFBA, também em Salvador [BA].

Zé Carlos Garcia na Cassia Bomeny, Rio de Janeiro

Artista apresentará, na Cassia Bomeny Galeria, trabalhos inéditos, produzidos este ano, com penas, madeira e couro, em um diálogo da arte com a antropologia e a história do Brasil

Cassia Bomeny Galeria inaugura, no dia 21 de novembro, a exposição Torto, com obras inéditas de Zé Carlos Garcia, artista sergipano radicado no Rio de Janeiro, que tem tido destaque internacional, com exposições, este ano, na Fundação Prada, em Milão, e na Bienal de Busan, na Coreia do Sul. Com curadoria de Paula Borghi, serão apresentados 13 pares de esculturas, em um total de 26 obras, produzidas este ano, em uma nova pesquisa, na qual o artista dá continuidade à utilização de penas de animais, como vem fazendo desde 2004. A exposição será acompanhada de um livro, com 33 páginas, texto da curadora Paula Borghi e fotos de Mario Grisolli, que mostram o processo de trabalho do artista.

“A produção de Zé Garcia nos sugere pensar as artes visuais em diálogo com a antropologia e a história nacional. Entretanto, isso não significa que Garcia seja um artista etnógrafo ou historiador, pelo contrário, sua produção abre espaço para uma nova percepção dos estudos originários e contemporâneos ao encontro da emoção e da crítica nas artes visuais. São trabalhos que traçam reflexões acerca de conceitos que envolvem as relações entre natureza e cultura no campo da subjetividade antropológica e da potência poética”, diz a curadora Paula Borghi.

Nas obras da exposição, Zé Carlos Garcia apresenta uma redefinição da noção moderna de escultura, retirando-lhe o sentido de volume estático, presente na linguagem ao longo da história da arte, e atribuindo-lhe organicidade e dinamismo através da arte plumária. Na exposição, as obras serão apresentadas em pares. Cada dupla terá o mesmo formato e tamanho, sendo uma escultura feita com penas e outra em couro, com uma lança em madeira, esculpida por ele. Ao utilizar a madeira, o artista apropria-se de itens de mobiliário doméstico, alterando sua função tradicional e agregando a escultura um aspecto híbrido.

“Como a plumagem, a madeira e o couro também constituem os elementos originários das esculturas aqui presentes, logo, das culturas originárias brasileiras e da cultura hegemônica. Pois, se por um lado se pode pensar a plumagem como adorno, o couro como atributos corporais e a madeira como a representação da floresta, por outro, esses mesmos elementos podem ser lidos como ícones do carnaval, do ruralismo e da estratificação. São materiais naturais com representações simbólicas extremamente determinantes para o entendimento e a construção da(s) cultura(s) brasileira(s), tanto em seu sentido hegemônico, como plural (de entender a diversidade dos povos indígenas)”, ressalta a curadora Paula Borghi.

Diferentemente dos trabalhos anteriores, as novas esculturas não têm uma relação direta com a anatomia dos pássaros, apesar de remeterem a eles pelo uso das penas. Daí o nome da exposição, “Torto”. “Não é um corpo real, são volumes, é a abstração em si; não é um pássaro, são corpos tortos. Os materiais continuam os mesmo, mas mudam as anatomias, que não são mais visíveis. São corpos que estão fora do padrão e este trabalho tem a ver com a negação do diferente”, conta o artista.

Zé Carlos Garcia sempre foi fascinado pela arte plumária indígena desde criança, não só com a beleza do material, mas com a longa duração. As penas utilizadas pelo artista são verdadeiras, de animais como pássaros, galos, avestruzes, entre outros, que foram usados para abate em fazendas certificadas, que criam animais para este fim. As peças possuem, além de certificação, um laudo veterinário.

SOBRE O ARTISTA

Zé Carlos Garcia (Aracaju, 1973. Vive e trabalha no Rio de Janeiro) estudou escultura na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro e frequentou a Escola de Artes Visuais do Parque Laje.

Dentre suas exposições individuais estão: “Tropical” (2017), no Espaço Saracura, Rio de Janeiro; “Do pó ao pó” (2017), no Museu da República, Rio de Janeiro; “Prumo” (2015), no Memorial Meyer Filho, em Florianópolis; “Jogo” (2014), no Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro; PET (2012), no Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto, Rio de Janeiro, entre outras.

Suas exposições coletivas mais recentes foram: “Busan Biennale” (2018), no The former Bank of Korea, em Busan, Coreia do Sul; “Aluga-se Triplex” (2018), ocupação em São Paulo; “Horse Takes King” (2018), na Fondazione Prada, em Milão; “Bestiário” (2017), no Centro Cultural São Paulo; “Frestas – Trienal de Artes” (2017), no Sesc Sorocaba; “A Room and a Half” (2017), no Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art em Varsóvia, entre outras.

João Vargas Penna lança documentário sobre Roberto Burle Marx

O documentário “Filme Paisagem, um olhar sobre Roberto Burle Marx” chega às salas de cinema no dia 15 de novembro para mostrar toda a contribuição do paisagista brasileiro à flora nacional. Dirigido e escrito por João Vargas Penna, o filme é um passeio pela arte e personalidade de Roberto Burle Marx, que também era pintor, cozinheiro e cantor, facetas estas pouco conhecidas do grande público.

Nascido em São Paulo, filho de judeu alemão e católica pernambucana, Burle Marx foi precursor da ecologia e defesa do meio ambiente. O paisagista valorizava as plantas nativas e descobriu muitas espécies novas, em viagens de coleta e pesquisa por todos ecossistemas brasileiros, que fazem parte de uma enorme coleção de plantas vivas localizada no sítio onde morou.

A narração do documentário, baseada em falas e textos de Burle Marx, acompanha imagens das obras do paisagista. Os destaques ficam para o Sítio Burle Marx, o Parque do Flamengo e o Instituto Moreira Salles, no Rio de Janeiro, a fazenda Tacaruna e Vargem Grande, além da Praça Euclides da Cunha, em Recife, o Ministério das Relações Exteriores, em Brasília, e projetos na França e Venezuela.

O filme contou com a consultoria e a participação de José Tabacow, ex-assistente, sócio e parceiro de Burle Marx em vários projetos como a orla de Copacabana.

O “Filme Paisagem, um olhar sobre Roberto Burle Marx” tem produção da Camisa Listrada e Atelier de Cinema, com distribuição da Elo Company.

Sinopse

O filme é um passeio pela arte e personalidade do paisagista e pintor Roberto Burle Marx, que apresenta suas ideias e lembranças numa sucessão de paisagens sensoriais.

Ficha Técnica

Título Original do Filme: Filme Paisagem, um olhar sobre Roberto Burle Marx
Ano de Finalização: 2018
País: Brasil
Duração: 72 minutos
Gênero: Documentário
Formato de Exibição: DCP
Janela de Exibição: 1:1.85
Som: 5.1
Idioma do Filme: Português
Legendas: Inglês
Diretor e roteirista: João Vargas Penna
Produção executiva: André Carreira
Montagem: Joana Collier e Fabian Remy
Fotografia: Carolina Costa
Música e edição de som: O Grivo
Produtoras: Camisa Listrada e Atelier de Cinema

Nota do diretor

“Burle Marx foi um dos maiores paisagistas do século XX. Ele era um mestre na construção de espaços públicos, locais de convívio e harmonia com a natureza. “Filme Paisagem, um olhar sobre Roberto Burle Marx” é um passeio pela arte e personalidade do paisagista. O trabalho apresenta suas ideias numa sucessão de paisagens – formas de apreensão do mundo a partir dos sentidos do espectador. Num mundo cada vez mais cheio de barreiras e conflitos, é da maior importância mostrar a obra desse artista e cidadão que criou espaços de deleite e aproximação entre os homens e o meio ambiente. Quis mostrar o homem a partir de seu mundo diverso e sensual, misturando imagens de diversos formatos num percurso por seu sítio, por suas obras e por paisagens naturais ou construídas que o motivaram”.

O diretor

João Vargas Penna [Belo Horizonte, 1955] foi professor de Cinema e TV, coordenador de conteúdo, diretor de fotografia e dirigiu curtas metragens de ficção, documentários e séries de TV exibidas e premiadas em diversos festivais no mundo. Atualmente João Vargas trabalha como artista visual e realizador de documentários sobre arte, paisagismo e meio ambiente.

This is Brazil na Murilo Castro Miami, EUA

A Galeria Murilo Castro, uma das mais relevantes de Minas Gerais, inicia expansão e inaugura espaço expositivo em Miami. No dia 17 de novembro a unidade norte-americana da galeria abre as portas com a mostra autoral batizada de This Is Brazil e contará com obras Anna Bella Geiger, Amélia Toledo, Camille Kachani, Felipe Barbosa, Luiz Hermano, Marcos Coelho Benjamim, Rosana Ricalde, Sérvulo Esmeraldo e Vítor Mizael.

“A Galeria Murilo Castro reúne hoje um time importante de artistas que atraem o interesse de colecionadores de diversas partes do mundo. Nossa expansão facilita esse encontro e nos coloca num circuito reconhecidamente globalizado”, explica Murilo Castro. “Além disso, é uma excelente oportunidade de estar próximo de um novo público altamente relevante, que circula pela cidade por conta de eventos de projeção internacional, como a Miami Art Basel”, completa.

A Galeria Murilo Castro é uma galeria de arte contemporânea de Belo Horizonte inaugurada em 2002. Por meio de exposições e representação de artistas, a galeria destaca artistas estabelecidos, em meio de carreira e talentos emergentes que atuam local e internacionalmente. Além do programa de exposições, e participação feiras de arte nacionais e internacionais, a Galeria Murilo Castro realiza uma série de palestras que conectam a comunidade, profissionais de arte e artistas para gerar respostas às questões sociais e culturais, desenvolvendo uma relação mais próxima entre os artistas e público interessado em aprender e colecionar arte contemporânea.

Mulheres na Coleção MAR, Rio de Janeiro

O Museu de Arte do Rio, sob a gestão do Instituto Odeon, abre ao público no dia 16 de novembro a exposição Mulheres na Coleção MAR. Em diálogo com o Festival Mulheres do Mundo (Women of the World), do qual o MAR é parceiro estratégico, a mostra apresenta um recorte de obras de mais de 150 artistas históricas e contemporâneas, brasileiras e estrangeiras, que integram o acervo. Estão presentes artistas como Tarsila do Amaral, Tomie Ohtake, Beatriz Milhazes, Güler Ates, Marie Nivouliès de Pierrefort, Abigail de Andrade, Louise Bourgeois, Neide Sá, Jenny Holzer, Leila Danziger, Vânia Mignone e Célia Euvaldo.

Pela primeira vez na história do MAR, a curadoria foi realizada a partir de um processo colaborativo que envolveu cerca de 30 mulheres de todos os setores do museu, entre seguranças, recepcionistas, produtoras, auxiliares administrativas e de serviços gerais, advogadas, jornalistas, designers, museólogas e gestoras. Em uma série de encontros realizados ao longo de dois meses, sob a orientação da equipe de conteúdo, as funcionárias trocaram experiências de vida e de trabalho, conversaram sobre o universo feminino e a respeito das múltiplas representações da mulher na arte, nos espaços culturais, na família e na sociedade.

O grupo também foi apresentado ao conceito da exposição e a uma série de obras de artistas mulheres presentes na Coleção MAR. E experimentou exercícios de curadoria, selecionando trabalhos de acordo com os desejos e conceitos mapeados nos encontros e norteando a curadoria da exposição. “Mulheres na Coleção MAR” está dividida em seis núcleos significativos: Retrato/Representação, Corpo Político, Geografias Transversais, Cidade e Paisagem, Abstração e Poéticas.

"Quando surgiu a ideia da exposição, pensei que não poderíamos perder a oportunidade de engajar as funcionárias do MAR em um processo curatorial colaborativo, mais horizontal, de escuta recíproca em torno das questões do que é ser mulher e do que é fazer uma mostra de artistas mulheres. A diretoria acatou a sugestão e então nos debruçamos juntas sobre as obras da coleção, trocamos experiências e saberes, dividimos preocupações. O MAR segue vivo e pulsante na mão dessas mulheres, quebrando paradigmas e inventando novos modos de fazer curadoria", explica Amanda Bonan, coordenadora de Conteúdo do MAR, antecipando que um vídeo sobre o processo, com imagens dos encontros e depoimentos das funcionárias, poderá ser visto na exposição.

Segundo a diretora executiva do museu, Eleonora Santa Rosa, esta exposição se reveste de alguns significados especiais. “O primeiro deles é fazer parte da programação extraordinária do Festival de Mulheres, com toda a potência que terá esse evento. Em segundo lugar, o que essa experiência proporcionou ao corpo funcional feminino do MAR. Foi muito importante, porque o museu experimentou pela primeira vez uma tecedura de exposição realmente de base, discutindo com quem às vezes não tem nada a ver com o trabalho curatorial como se realiza uma exposição. Ao mesmo tempo esses laboratórios de criação curatorial também abriram uma dimensão extraordinária de depoimentos pessoais. Então exposição está sendo amalgamada não só por um corte profissional, frio, “curatorial”, mas faz parte de um caldo muito maior, envolvendo uma percepção desse acervo, um outro olhar sobre a montagem desse acervo num determinado espaço e, mais do que isso, o cinturão em torno dessa exposição do ponto de vista de reflexão pessoal, de reflexão de histórias individuais, de narrativas dessas histórias e de como isso pode estar projetado nessa mostra".

Marcelo Moscheta no Sesc Pompeia, São Paulo

Criada para a 4ª edição do projeto “Plano Expandido”, a intervenção de pedra, carvão e papel ocupa o Hall do Teatro

“Toda pedra é uma pequena montanha”. Esta frase, pintada sobre um muro em um povoado em Portugal, acendeu uma faísca no artista visual Marcelo Moscheta, cujos desdobramentos podem ser vistos no Sesc Pompeia, entre os dias 10 de novembro e 3 de fevereiro de 2019.

“A pedra tem uma capacidade de transformação que nos ultrapassa. Ela pode ser maleada, partida e reconfigurada sem perder sua origem. Por entender que desenho é trajetória, Moscheta já viajou o mundo transferindo pedras de seus locais, grafando com GPS seus exatos pontos de origem e especulando sobre a possibilidade de envolver o planeta em um desenho desses deslocamentos, como pontos no globo unidos pela obstinação do artista”, explica o artista, pesquisador e educador Guilherme Dable no texto de apresentação da instalação.

O que encanta Moscheta são os ciclos da natureza, que representam períodos de renascimento. “Tudo está em movimento e, para evidenciar isso, a instalação Transumantes, no Hall do Teatro, altera a função dos paralelepípedos encontrados no chão. As peças ocupam uma das paredes do espaço, como se flutuassem. E, como toda transformação deixa rastros, há também uma pilha de papéis cortados no mesmo formato dessas pedras, além de desenhos feitos de carvão. Todas as estruturas são ligadas por uma peça metálica”, conta o artista.

A ideia da mutação também está presente nos desenhos que compõe a instalação. Conhecido por suas criações em grafite e PVC preto, Moscheta produziu obras em carvão sobre papel. O resultado é que a alvura do papel em contraste com a opacidade do carvão parece querer enfatizar o aqui e o agora.

SOBRE MARCELO MOSCHETA

Nascido em 1976, Marcelo Moscheta iniciou a trajetória no universo artístico no ano de 2000. Suas obras nascem a partir das suas andanças por lugares remotos, em que coleta objetos da natureza para reproduzir em desenhos e fotografias.

Atualmente, dedica-se a duas frentes de pesquisa: fronteiras e limites impostos aos territórios e a relação que os rios estabelecem com a paisagem ao longo de seu curso. Nesta linha, em 2015, desenvolve o projeto “Arrasto” em que percorre toda a extensão do Rio Tietê coletando minerais em suas duas margens. Ele também pesquisou camadas ancestrais de memórias no Rio Trebbia (na Itália), na fronteira do Canadá e Estados Unidos.

Destacam-se em seu currículo as exposições individuais “Erosão Diferencial” (2017) no MACC de Campinas, “Plano Inclinado” (2017), na SIM Galeria, “Sete Quedas” (2016), sua primeira individual na Galeria Vermelho, “1.000 km, 10.000 anos” (2013), na Galeria Leme, e a instalação “Contra.Céu” (2010), realizada na Capela do Morumbi.

Já recebeu vários prêmios e bolsas de pesquisas, entre as quais The Pollock-Krasner Foundation Grant (2017), The Drawing Center Open Sessions Program (2015), Bolsa Estímulo de Produção em Artes Visuais da Funarte (2014), Prêmio Marc Ferrez de Fotografia (2012) e o I Prêmio Pipa Júri Popular, em 2010, entre outros.

PLANO EXPANDIDO

Compreendendo o desenho como organizador do pensamento visual, mas também como recurso poético autônomo, o projeto do Sesc Pompeia propõe a diferentes artistas a criação de intervenções que apresentem e problematizem questões atuais de sua produção autoral e elementos fundamentais dessa linguagem no contexto da arte contemporânea. A 1ª edição, em junho de 2016, teve participação do artista argentino Nicolás Robbio com a obra “Questões ao traçar uma linha”. A 2ª, em dezembro de 2016, apresentou Walmor Corrêa com a instalação “Achillina Giuseppina Maria | Bo Achillina | Achillina Giuseppina | Achillina Bo Bardi| Lina Bo Bardi | Lina Bo”. A 3 ª, em abril de 2018, trouxe “A Longa Noite”, de Lucia Koch.

Gisele Camargo na Carbono, São Paulo

A Carbono Galeria tem o prazer de apresentar a exposição individual da artista Gisele Camargo exibindo a série Construção.

Inspirada no conto homônimo de Franz Kafka, a série acontece paralelamente à produção pictórica da artista. Produzida durante todo o ano de 2018 e totalizando 170 pinturas de 23 x 23 cm cada, das quais 130 estarão expostas na Carbono, os trabalhos constituem um grupo onde as formas mudam de acordo com as cores e vice-versa.

A série foi concebida para arrecadar fundos para a construção da residência artística Serra Morena, localizada na Serra do Cipó em Mina Gerais. Nesta região denominada Campos Rupestres, encontra-se uma das maiores reservas ecológicas do país, a qual Burle Marx se referia como Jardim do Brasil.

Gisele Camargo
Rio de Janeiro, 1970 | Vive e trabalha na Serra do Cipó, MG
A artista é formada em pintura pela EBA – UFRJ. O grande corpo do seu trabalho é mesmo a pintura. Mesmo quando o trabalho engloba a fotografia, realizando colagens que podem ser confundidas com paisagens arquitetônicas inventadas, poderiam ser pinturas abstratas.
Em 2013, recebeu o prêmio Arte Patrimônio / Honra ao Mérito do IPHAN, em 2012, recebeu a Bolsa de Apoio a Pesquisa e Criação Artística, Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro e, em 2011, o Prêmio Ibram de Arte Contemporânea. Em 2006 e 2003, recebeu o Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea – Fundação Nacional de Artes - Rio de Janeiro. Foi Indicada ao Prêmio PIPA em 2012, 2013, 2014, 2015 e 2018.
Entre as principais exposições individuais destacam-se: "Luas, brutos e sóis" (2018, Luciana Caravello Arte Contemporânea, Rio de Janeiro); “Cápsulas e Luas” (2015, Paço Imperial, Rio de Janeiro); “Noite americana ou Luas Invisíveis” (2014, Luciana Caravello Arte Contemporânea, Rio de Janeiro); “A Capital” (2011, Galeria IBEU, Rio de Janeiro); Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea (2006), FUNARTE, Palácio Gustavo Capanema, Rio de Janeiro.
Entre as principais exposições coletivas estão: “A Luz que vela o corpo é a mesma que revela a tela” (2017, Caixa Cultural, Rio de Janeiro); “Gray Matters” (2017, Wexner Center for the Arts, Ohio State University, EUA); TRIO Bienal (2015, Rio de Janeiro); “Vértice – Coleção Sergio Carvalho” (2015, Museu Nacional dos Correios, Brasília, DF); “Cruzamentos – Arte Contemporânea Brasileira” (2014, Wexner Center for the Arts, Columbus, EUA); “Duplo Olhar – Coleção Sergio Carvalho” (2014, Paço das Artes, São Paulo); “Dez anos do Instituto Tomie Ohtake” (2011, São Paulo); “O Lugar da Linha” (2010, Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC-Niterói), Rio de Janeiro, e no Paço das Artes, São Paulo); “Nova Arte Nova” (2008/2009, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro e São Paulo), entre outras.

Pierre Verger e Rubem Valentim na Berenice Arvani, São Paulo

Galeria Berenice Arvani reúne obras históricas de Pierre Verger e Rubem Valentim

A Galeria Berenice Arvani tem o prazer de apresentar, a partir de 13 de novembro, às 19h, Mãe África: Pierre Verger e Rubem Valentim, exposição que contempla a produção de dois grandes nomes da arte nacional. Com curadoria de Celso Fioravante, a mostra é composta por 12 fotografias do parisiense radicado em Salvador Pierre Verger (1902-1996), realizadas nas décadas de 40 e 50; e 14 obras do soteropolitano nômade Rubem Valentim (1922-1991), entre pinturas, relevos e colagens produzidos nas décadas de 60, 70 e 80.

Verger e Valentim são estudiosos iluminados, que tratam com um conhecimento atávico, mas também conquistado, de questões de religiosidade, dos fluxos e refluxos da diáspora africana, de um sincretismo cordial e violento e de toda a riqueza e complexidade da cultura afro-brasileira. Ambos se entregam de corpo e alma às suas pesquisas e vão fundo nas discussões sobre a inserção mítica e cotidiana do negro nos terreiros de São Salvador da Bahia de Todos os Santos do Brasil e sobre as influências do continente africano na construção da espiritualidade, do imaginário, do cotidiano e da cultura do povo brasileiro.

Antropólogo e Pesquisador, Pierre Verger encontrou na Bahia um cotidiano marcado pela cultura da África Ocidental. Seu fascínio por este povo e por esta terra vai além da imagem, mostrando interesse pelos contextos, pelas histórias e pelas tradições. Para Verger, a fotografia tinha funções estéticas, documentais, afetivas e políticas, e cumpria um importante papel enquanto discurso sobre fotografo e fotografado.

Aliando matriz construtiva, apuro cromático e seu intenso sincretismo religioso, Rubem Valentim buscou na cultura afro-brasileira e na cultura popular africana as características que norteariam sua produção até o final da vida. Ele sintetizou os elementos presentes nos cultos de candomblé, como os oxês de Xangô em objetos geométricos, uma espécie de escrita para esses elementos, uma arte semiótica que promove uma leitura profunda, sintética e habilidosamente cromatizada da identidade afro-brasileira.

Rubem Valentim no MASP, São Paulo

Exposição reúne 92 trabalhos com objetivo de rever a produção de artista brasileiro fundamental no século 20. Catálogo traz textos inéditos e imagens raras de seus cadernos de anotações

Mostra conta com empréstimos de importantes instituições brasileiras: Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu Afro Brasil, Museu de Arte Moderna da Bahia, Museu Nacional da República, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Itaú Cultural e Banco do Brasil, além de coleções particulares

Responsável por promover potentes articulações entre os elementos da tradição ocidental e as raízes africanas presentes na cultura brasileira, o pintor, escultor e gravador Rubem Valentim (1922-1991) ganha mostra no MASP, Construções afro-atlânticas, a partir do dia 13 de novembro. Concomitantemente à abertura de Sonia Gomes: Ainda assim me levanto, ambas individuais integram o ciclo de histórias afro-atlânticas, eixo curatorial ao qual o museu se dedica em 2018. Com curadoria de Fernando Oliva (Maria Auxiliadora: vida cotidiana, pintura e resistência, 2018), a exposição fica em cartaz até 10 de março de 2019.

Rubem Valentim nasceu em Salvador (BA), em uma família de poucos recursos, sendo o primeiro de seis filhos. Cresceu tendo contato íntimo com a religiosidade sincrética afro-brasileira: sua família era católica e Valentim fez a primeira comunhão, enquanto simultaneamente frequentava terreiros de candomblé.

Essa ligação, estabelecida desde muito cedo, tanto com os ritos afro-brasileiros quanto com o imaginário das igrejas cristãs, acabou por permear a maior parte de sua obra. “Sua obra é única na história do século 20, pois desafia o cânone oficial ao oferecer resistência às conceituações simplificadores de suas possibilidades, e não se deixar facilmente incorporar nem por uma nem por outra leitura: o ‘Valentim concretista’ não se deixa apartar do ‘Valentim popular’ e do ‘Valentim religioso’ pois fazem parte de uma mesma percepção de mundo, uma que busca a síntese das experiências, e não sua divisão”, argumenta o curador Fernando Oliva.

Valentim iniciou sua trajetória como artista nos anos 1940, de maneira autodidata, incorporando em sua produção elementos das tradições populares do Nordeste, caso da cerâmica do Recôncavo Baiano. Ainda na década de 1940 participou – ao lado de Mario Cravo Júnior, Carlos Bastos e outros– do movimento de renovação das artes plásticas na Bahia, no contexto do chamado Segundo Modernismo brasileiro (que se seguiu à Semana de Arte Moderna de 1922 em São Paulo).

A partir dos anos 1950 passa a ter como referência o universo das religiões afro-brasileiras, como o candomblé e a umbanda, com seus objetos e ferramentas de culto, estruturas de altares e símbolos de deuses.

Tais interesses, preocupações e concepções artísticas traduzem-se, em sua obra, por meio de signos e emblemas, originalmente geométricos, que são reorganizados em uma matriz ainda mais rigorosa, formada por linhas horizontais e verticais, triângulos, círculos e quadrados, com base em uma complexa dinâmica de recortes, subtrações e justaposições. Dessa forma, compõem um repertório pessoal que, aliado a um expressivo e particular uso da cor, abre-se a novas e infinitas possibilidades poéticas e formais.

No final da década de 1960, seu trabalho ganha novas escalas além da pintura e se materializa em murais, relevos e esculturas monumentais em madeira, escolha que o acompanhará por toda sua trajetória a partir de então.

"Um dos importantes aspectos negligenciados pela história canônica da arte brasileira diz respeito a um entendimento político da obra de Rubem Valentim. Para isso contribuiu a insistência em enquadrá-lo, um tanto que à força, no contexto das correntes construtivas canônicas, forjadas no chamado eixo Rio-São Paulo, apartando das reflexões os sentidos religioso, espiritual e social, portanto político, que são parte integrante da conformação de seus trabalhos e de sua vida como artista. Há também um certo descaso com o próprio discurso de Valentim, sua militância por uma arte brasileira e popular, ideias que divulgava regularmente em seus textos e nas entrevistas que concedia à imprensa", afirma Fernando Oliva.

Apesar de sua importância, da qualidade e força de sua obra, Valentim ainda não possui o devido reconhecimento de sua contribuição histórica para a cultura brasileira e internacional. Portanto a necessidade e urgência de, neste momento, reavaliar o seu legado, buscando novas análises que, sem fragmentar sua obra, a atualizem, aproximando-se dela em sua totalidade e complexidade, sem neglicenciar os aspectos políticos, religiosos e sobretudo afro-brasileiros que ela possui.

Histórias afro-atlânticas

A exposição ocorre em um ano inteiro dedicado às trocas culturais em torno do Atlântico, envolvendo África, Europa e Américas ---que inclui mostras individuais de Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, Maria Auxiliadora e Emanoel Araujo, que ocorreram no primeiro semestre, a coletiva Histórias Afro-atlânticas, realizada no segundo semestre, e as exposições de Lucia Laguna e Pedro Figari, programadas para dezembro.

Na sala de vídeo também serão apresentados, ao longo de 2018, autores de diferentes nacionalidades, gerações e origens capazes de contar outras histórias da diáspora negra. Os artistas que participam do programa são: Ayrson Heráclito (19/4 a 17/6), John Akomfrah (28/6 a 12/8), Kahlil Joseph (23/8 a 30/9), Kader Attia, (11/10 a 25/11), Catarina Simão (13/12 a 27/01/19), Jenn Nkiru (08/02 a 24/03/19) e Akosua Adoma (14/6 a 18/7/2019).

Catálogo

A publicação Rubem Valentim: Construções afro-atlânticas, com organização editorial de Adriano Pedrosa e Fernando Oliva, será lançada no dia da abertura, com edições separadas em português e inglês, incluindo reproduções de todos os trabalhos expostos e textos de autores convidados a produzir novas reflexões sobre a obra de Valentim, caso de Abigail Lapin Dardashti, Lilia Schwarcz e Helio Menezes, Lisette Lagnado, Marcelo Mendes Chaves, Marta Mestre, Renata Bittencourt e Roberto Conduru, além de um texto do curador, Fernando Oliva. Uma nota biográfica foi escrita pelo pesquisador Artur Santoro, do MASP. Há ainda republicações de textos históricos, de Clarival do Prado Valadares, Frederico Morais, Giulio Carlo Argan, José Guilherme Merquior, Mário Pedrosa, Roberto Pontual e Bené Fonteles. O catálogo traz reproduções inéditas dos cadernos de Rubem Valentim da década de 1960, material raro que virá a público pela primeira vez, trazendo croquis, projetos para obras, anotações e pensamentos do artista.

Sonia Gomes no MASP, São Paulo

A monográfica Ainda assim me levanto é uma parceria do MASP com Instituto Bardi e obras também serão exibidas na Casa de Vidro

No ano em que completa 70 anos, Sonia Gomes (Caetanópolis, MG) ganha sua primeira monográfica em um museu paulistano. A mostra no MASP, Ainda assim me levanto, se realiza em parceria com o Instituto Bardi e os trabalhos da artista mineira serão exibidos tanto no espaço do museu como na Casa de Vidro, icônicas construções que desafiam a obra de Sonia a dialogar com a arquitetura modernista de Lina Bo Bardi. Concomitantemente à abertura de Rubem Valentim: Construções afro-atlânticas, ambas mostras integram o ciclo de histórias afro-atlânticas, eixo curatorial ao qual o museu se dedica em 2018.

Única brasileira convidada para a 56ª Bienal de Veneza de 2015, curada por Okwui Enwezor, Sonia Gomes iniciou sua carreira aos 45 anos e aos 60 encontrou reconhecimento, estando hoje em plena atividade.

Ainda assim me levanto é o título escolhido pela própria artista para a exposição, em referência ao poema “Still I Rise”, de Maya Angelou, escritora e ativista estadunidense reconhecida por sua luta em favor dos direitos civis, sobretudo para os negros e as mulheres.

O processo de realização das obras que integram a mostra ocorreu ao longo deste ano, de modo comissionado. E o caráter inédito não reside apenas na exibição de novos trabalhos, mas também na escolha de um dos materiais com o qual ela decidiu trabalhar: a madeira.

Suas esculturas e instalações –comumente executadas em tecido e com peças de mobiliário ofertados à artista ou encontrados ao acaso– são bordadas com minúcia. “Retalhos e também objetos, outrora úteis e depois fadados ao descarte, manipulados manualmente, constituem matéria de poesia nos trabalhos de Sonia Gomes”, afirma Amanda Carneiro, supervisora de mediação e programas públicos do MASP e curadora desta exposição.

“Ao utilizar materiais ligados ao universo doméstico, a artista lhes confere novos significados; eles passam a questionar e, ao mesmo tempo, reafirmar o que se atribui a uma produção feminina, mais ainda, os limites nem sempre explícitos entre arte e artesanato, sublinhando as falsas premissas que distinguem esses campos –dissolução também proposta pela própria Lina Bo Bardi”, completa Amanda. Vale lembrar a exposição A Mão do Povo Brasileiro, 1969/2016 (concebida pela arquiteta junto com Pietro Maria Bardi, Glauber Rocha e Martim Gonçalves) apresentada em 1969 e reencenada em 2016 e que contrastava com o acervo de arte europeia do MASP.

Seu fazer elabora-se em diferentes camadas, cores e texturas e cria uma densidade delicada e, simultaneamente, vigorosa. Com os novos trabalhos, sua produção encontra a rigidez e o caráter sólido do tempo impregnado nos troncos e galhos, em uma referência à ideia de raiz. Segundo Amanda, se até então sua obra lidava com os vestígios da presença afetiva de vida nos tecidos e nos objetos, ao manipular lembranças e recordações, Gomes agora mergulha na longa duração da natureza.

A exposição permitirá ao público uma aproximação com as obras da artista a partir da concepção articulada de uma arte que, como prática, é capaz de semear e apontar questões ligadas a tridimensionalidade, ao volume, ao equilibrio e a materialidade do têxtil e da madeira, bem como sobre repetição, duplicação, sobreposição e alternância das formas – todos parâmetros importantes nos trabalhos da artista.

Sonia Gomes nasceu em Caetanópolis, cidade mineira que foi importante polo de produção têxtil no Brasil e que a conectou, desde muito cedo, a diferentes tipos de tecido com os quais gostava de brincar.

A artista, embora muito habilidosa em tecer, nunca chegou a aprender técnicas formais de costura. Por outro lado, sempre interferiu em suas próprias roupas e objetos pessoais a partir do trabalho com os tecidos. Formou-se em Direito e advogou até quitar a compra do apartamento onde morava em Belo Horizonte, quando passou a dedicar-se exclusivamente ao que chamava de “suas coisas”: bijuterias, desenhos e trabalhos em tecido.

Ao voltar para o Brasil, depois de uma estadia nos Estados Unidos nos anos 1990, Gomes matriculou-se em um curso de pintura. Na Escola Guignard frequentou uma série de cursos livres no decorrer da mesma década, tendo aulas com nomes como Pedro Augusto e Sara Ávila. Foi a partir daí que começou a se entender e reconhecer como artista.

Sua primeira exposição Pinturas, em 1994, foi realizada na Casa de Cultura Sete Lagoas, em Minas Gerais. Dez anos depois, expôs suas obras em um antiquário e galeria de Belo Horizonte –à época, já se dedicava às obras em tecido. Em 2008 passou a ser representada por uma galeria e, desde então, a produção de Sonia começou a circular em exposições pelo Brasil e no circuito internacional. Participou, em 2013, da mostra A nova mão afro-brasileira, com curadoria de Emanoel Araujo, no Museu Afro Brasil e, em 2015, do 19º Festival de arte contemporânea Sesc_VideoBrasil: Panoramas do Sul e da 56ª Bienal de Veneza, All the World’s Futures.

Histórias afro-atlânticas

A exposição ocorre em um ano inteiro dedicado às trocas culturais em torno do Atlântico, envolvendo África, Europa e Américas ---que inclui mostras individuais de Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, Maria Auxiliadora e Emanoel Araujo, que ocorreram no primeiro semestre, a coletiva Histórias Afro-atlânticas, realizada no segundo semestre, e as exposições de Lucia Laguna e Pedro Figari, programadas para dezembro. O encerramento da mostra de Sonia, em 2019, se dará no ano das histórias feministas e das histórias das mulheres.

Na sala de vídeo também serão apresentados, ao longo de 2018, autores de diferentes nacionalidades, gerações e origens capazes de contar outras histórias da diáspora negra. Os artistas que participam do programa são: Ayrson Heráclito (19/4 a 17/6), John Akomfrah (28/6 a 12/8), Kahlil Joseph (23/8 a 30/9), Kader Attia, (11/10 a 25/11), Catarina Simão (13/12 a 27/01/19), Jenn Nkiru (08/02 a 24/03/19) e Akosua Adoma (14/6 a 18/7/2019).

Catálogo

Uma publicação será lançada, no dia da abertura, e resulta de uma parceria com o Museu de Arte Contemporânea de Niterói, que recebe uma exposição monográfica da artista entre os meses de agosto a novembro deste ano, chamada A Vida Renasce, Sempre. O catálogo, com versões em português e inglês, inclui textos de Amanda Carneiro, Raphael Fonseca (curador da exposição carioca ao lado de Pablo León de la Barra), Cecilia Fajardo-Hill, Júlia Rebouças e Rodrigo Moura.

Do Silêncio à Memória em Paço das Artes no MIS, São Paulo

Paço das Artes inaugura última mostra da Temporada de Projetos 2018, que propõe construções narrativas como instrumento de reelaboração da memória

O Paço das Artes – instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo – inaugura no dia 14 de novembro Do Silêncio à Memória, última exposição da Temporada de Projetos 2018. A mostra, com curadoria de Juliana Caffé, fica em cartaz até 13 de janeiro de 2019 no MIS – Museu da Imagem e do Som – e tem entrada gratuita.

Com o objetivo de estimular a reflexão sobre construções narrativas e a capacidade da arte de trazer para a memória coletiva social, outras perspectivas e possibilidades de mundo, Juliana Caffé parte dos conceitos do antropólogo haitiano Michel-RolphTrouillot sobre a dimensão reflexiva da história e do filósofo martinicano Frantz Fanon sobre descolonização, para debater o processo narrativo como ferramenta para reelaborar passados, presentes e futuros e criar novas formas de vínculo social e conhecimento.

Diante do atual momento global de instabilidades e crises no panorama econômico e de representatividade política, padrões são postos à prova, e outras vozes ganham espaço na procura de dar sentido à história e criar novas formas de subjetivação, outras condições para o saber e o poder. “Do Silêncio à Memória” é esse percurso de conflito e resistência na busca pela afirmação política.

A exposição é composta por videoinstalações, fotografias, quadros e outras peças de sete artistas e coletivos que têm trabalhado com processos narrativos e com a dimensão reflexiva da história relacionada, principalmente, com questões raciais, de classe, de sexualidade e de gênero.

E.D.E.L.O, Explode!, Grada Kilomba e Jaider Esbell, são coletivos e artistas que, nos últimos anos, focaram seus trabalhos na idéia de realçar narrativas silenciadas ou abafadas no transcorrer da história. A obra Zapantera Negra de E.D.E.L.O. – projeto artístico liderado por Caleb Duarte e Mia EveRollow – por exemplo, reúne o resultado visual de encontros entre Panteras Negras e Zapatistas realizados entre 2012 e 2016 no México, e reflete dois movimentos revolucionários poderosos articulados em torno da luta anticolonial de negros e índios.

Já Clara Ianni, Iván Argote e Victor Leguy, são artistas que direcionam suas pesquisas nas construções narrativas e na relação do homem com a história. Em 111, Clara Ianni questiona a narrativa oficial disseminada pelos livros de história e literatura brasileira ao realizar uma ação na Biblioteca de São Paulo, localizada no antigo endereço do presídio Carandiru. A obra ativa a memória de uma tragédia nacional e questiona as relações entre história, arquitetura e poder.

Sobre a Temporada de Projetos

A vocação experimental do Paço das Artes é constatada, principalmente, por meio da Temporada de Projetos, que foi criada com o objetivo de abrir espaço à produção, fomento e difusão da prática artística jovem. Concebida em 1996, a Temporada de Projetos teve sua primeira exposição realizada em 1997 e se tornou, ao longo dos anos, um rico celeiro para a cena da jovem arte contemporânea brasileira.

Anualmente, a Temporada abre uma convocatória nacional selecionando nove projetos artísticos e um projeto de curadoria para serem desenvolvidos e produzidos com o respaldo do Paço das Artes. Os selecionados recebem acompanhamento crítico, a publicação de um catálogo sobre suas obras e um cachê de exibição. Desde seu surgimento, quando ainda era bienal (tornando-se anual em 2009), o programa possibilita a emergência de inúmeros artistas, curadores e críticos, muitos deles presentes na cena artística atual. O júri da atual Temporada é composto por Clarissa Diniz, Diego Matos, Lúcio Agra e Priscila Arantes.

Em 2014, o Paço das Artes lançou a plataforma digital MaPA (mapa.pacodasartes.org.br), concebida por Priscila Arantes, que reúne todos os artistas, curadores, críticos e membros do júri que passaram pela Temporada de Projetos.

Via Aérea no Sesc Belenzinho, São Paulo

No dia 31 de agosto, o Sesc Belenzinho abre para o público a da exposição coletiva Via Aérea. Com curadoria de Marcio Harum, a mostra reúne trabalhos de 12 artistas visuais da cena contemporânea nacional e internacional. A temporada de visitação segue até o dia 2 de dezembro, com entrada franca. Abertura para convidados: dia 30/08, às 20h.

A exposição traz um conjunto de obras, entre esculturas, instalação, filme, fotografias e vídeos em disposição aérea, que se relacionam com a arquitetura da unidade ao explorar o aspecto de leveza e as transparências. As criações se apresentam suspensas, flutuantes, içadas.

Algumas obras são inéditas, comissionadas especialmente para a exposição. Os artistas participantes são: Adrià Julià (espanhol, radicado na Noruega), Daniel Lie & Centro da Morte para xs VIVXS (São Paulo, SP), Distruktur (duo de brasileiros, radicados na Alemanha), Ernesto Neto (do Rio de Janeiro, RJ), Geraldo Zamproni (de Curitiba, PR), Isabel Caccia (de Córdoba, Argentina), Jarbas Lopes (de Nova Iguaçu, RJ), Letícia Ramos (gaúcha, radicada em São Paulo), Lucía Madriz (da Costa Rica, radicada na Alemanha), Merce Cunningham (EUA), Fancy Violence (personagem/alter ego do paulistano Rodolpho Parigi) e Sérgio Bonilha & Luciana Ohira (São Paulo, SP).

Entre os destaques da exposição, está RainForest (filme transferido para vídeo, de 1968), obra histórica do coreógrafo Cunningham que, segundo o curador Marcio Harum, apontou as várias direções e indagações presentes na origem dessa curadoria. “De uma maneira ou outra, esta é a obra gênese da seleção de trabalhos”, comenta. Destaque também para a instalação de Daniel Lie, artista que reverencia a zona leste de São Paulo nesta exposição; jovem que vem despontando com forte projeção internacional no campo das artes visuais.

Segundo Marcio Harum, Via Aérea propõe uma reflexão sobre temas atuais que estão em pauta na sociedade mundial. “Diversos assuntos prementes da vida contemporânea, e que mais parecem suspensos no ar sem a força de um debate público mais profundo, são abordados em seu espectro temático central. Entre eles, preconceito socioeconômico e racial, conhecimento ancestral na educação, escambos entre civis, esclarecimentos sobre o papel das ciclovias no urbanismo das grandes cidades, ambientalismo, conscientização alimentar e monopólio de sementes transgênicas, histórias de corpos livres e em movimento, memórias coletivas, afinidades afetivas das redes de micropoder e questões de gênero”, explica o curador.

Para a temporada, estão também programadas ações performáticas e atividades para crianças, jovens e adultos. As mesmas são voltadas para inclusão e acessibilidade, baseadas em práticas cidadãs, dialógicas e comunitárias. Estas atividades têm o apoio do programa educativo que foi desenvolvido para a mostra pelo Sesc Belenzinho.

ARTISTAS / OBRAS

Adrià Julià

Captura do Real – Fotografias / negativos (2018) - Em estúdio fotográfico o artista produziu uma série de fotografias analógicas em diferentes formatos. Utilizou papel fotográfico vencido das marcas Kodak e Fuji. O papel fotográfico destas empresas – ambas diminuíram drasticamente a industrialização desse papel devido a atual digitalização da imagem – remetem à época em que a cédula de R$1,00 era válida e ainda circulava em território nacional. Esse material, que existia até há pouco tempo em caixas de 10 negativos, não é mais produzido, e o fato de haver passado do prazo de validade oferece resultados inesperados. Basicamente, o que é representada é a queda do real num espaço abstrato. A experiência é exibida a partir de uma caixa de negativos Fuji emoldurados e suspensos na captura da imagem da cédula monetário de R$1,00, que se encontra pairando no ar.

Beija flor – Vídeo (2018)- Esse trabalho, comissionado também para a exposição, exibe um forte caráter escultórico que utiliza um tecido preto fixado contra a parede para a projeção de um gif acerca do voo suspenso de um beija-flor; ave que tinha sua imagem estampada na cédula de R$1,00, que não mais circula, pois foi trocada por moedas de mesmo valor. Com instalações, cinema, vídeo, fotografia e publicações,

Adrià Julià examina os significados da representação e o acontecimento de eventos históricos por meio das dimensões coletivas e individuais, e as maneiras de negociação da memória, resistência, deslocamento e sobrevivência. Nascido em Barcelona, 1974, vive e trabalha em Los Angeles e Bergen (Noruega), onde é professor, desde 2016, na Academia de Arte da Universidade de Bergen. Realizou exposições individuais na Tabakalera, San Sebastián; Fundação Miró, Barcelona; Project Art Center, Dublin; Museo Tamayo, Cidade do México; LAXART, Los Angeles; Artists Space, Nova York; Insa Art Space, Seul. Tem participado de mostras coletivas no Metropolitan Museum, Nova York; Museo Reina Sofia, Madri; Witte de With, Rotterdam; Seoul Museum of Art, Seul; Lyon Biennale, Lyon; Generali Foundation, Viena; 7ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Akademie der Künste, Berlim.

Daniel Lie & Centro da Morte para xs VIVXS

Leste a Leste – Instalação e performance (2018) - Inspirado em um novo sentido que o artista de São Paulo, Daniel Lie (São Paulo, 1988), e suas convidadas da mesma cidade trazem sobre a zona leste para o campo da arte, o artista revolve a memória de seus habitantes e a noção geográfica do preconceito como se esta fosse uma tecnologia social perversa, que molda os desejos e as escolhas afetivas, impedindo que uma série de relações espontâneas aconteçam. A instalação site-specific é suspensa e faz surgir palavras e frases em faixas com escritos vazados – letras recortadas ou esvaziadas sobre tecido, como um grande stencil, deixando a luz da parede externa de vidro transpassá-la. Junto a isso, imagens ampliadas de um arquivo pessoal familiar e impressas sobre tecido completam a obra, que envolve arranjos grandiosos de flores e plantas em estruturas diagonais e horizontais.

Houve duas edições anteriores deste projeto investigativo. Como pesquisa artística, o projeto está em andamento, desde julho de 2016, e teve sua primeira apresentação como desenho de ideia em fevereiro de 2017, em Teresina (PI), no Espaço Campo. Uma segunda versão foi desenvolvida em maio de 2017, em Viena, na Áustria, durante a programação do Performeum. Para este trabalho inédito, pensado especialmente para a ocasião, contou-se com colaboração e fotografias de Anerina da Costa, criação técnica de Arte Técnica, poesias por Carmen Garcia, coordenação de projeto por Daniel Lie e performance por Jup do Bairro. Esta nova criação e montagem do projeto ocorrerá apenas desta vez e não será reapresentada.

O Centro da Morte para xs VIVXS é uma estação que consiste na criação de ambientes a partir de hibridização de linguagens, como instalação, performance, arte sonora; um espaço para estar, para práticas ritualísticas e um lugar para o estudo, onde processo e pesquisa são ligados. O C.M.P.V também tem o objetivo de quebrar as fronteiras entre artista e visitante - baseado em uma metodologia libertadora em que educadxr(a) e estudante compartilham um local horizontal em que ambxs aprendem e ensinam. Como conceito ético, é buscada a criação de ambientes para o alinhamento de relações - dos corpos, gêneros, formas de vida e de não-vida.

Distruktur

Colcha de Retalhos – Objeto (2014) / Imateriais - Instalação (2010-2018) - O duo de artistas brasileiros radicados em Berlim, desde 2006, Melissa Dullius (Porto Alegre, 1981) e Gustavo Jahn (Florianópolis, 1980), apresentam uma peça costurada a mão a partir de centenas de fragmentos têxteis que constroem sua memória afetiva ao longo dos anos em que vivem na Alemanha. São pedaços de camisetas, lençóis, almofadas, panos de prato, sacolas de pano, que formam um patchwork caleidoscópico e atemporal. Em comunhão à peça, um carrossel de slides dispara imagens alternadas, selecionadas randomicamente destes momentos testemunhados e compartilhados no cotidiano de trabalho, geradas pelos dois artistas.

Movendo-se pelas fronteiras entre arte, fotografia e cinema experimental e narrativo, Melissa & Gustavo com Distruktur, exploram diferentes níveis da experiência sensorial e intelectual. Desestabilizam as noções do real e do imaginário ao mesmo tempo em que fundem as camadas de passado, presente e futuro. Desterramento e transposição são estratégias para se produzir transformações, e as narrativas instáveis a que dão vazão sugerem que há tantas outras maneiras de comunicação. Combinando ficção com conteúdos de arquivo pessoal, os filmes da dupla fazem abrir uma espécie de baú coletivo, onde são reencontrados e reorganizados símbolos de diversas eras e lugares, denotando as veias profundas que unem os indivíduos e as culturas que os formam.

Distruktur tem participado de festivais de cinema como em 2016 da 66° Berlinale, Forum Expanded, Berlim e da 40ª Mostra Internacional de Cinema, New Directors Competition, em São Paulo, do MFF Nowe Horyzonty, Films On Art International Competition, Wroclau, Polônia, Melbourne Int. Film Festival, International Panorama, Melbourne, Austrália. Em 2015, do 19º Videobrasil, São Paulo; em 2013, do 31° Torino Film Festival, Sezione Onde, Turim, Itália; em 2011; do BAFICI - Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente; e, em 2009, da 59ª Berlinale, Forum Expanded, Berlim. Entre as exposições destacam-se a de 2016, 12x12, na Berlinische Galerie, Berlim; em 2013, Ritual Room, Contemporary Art Centre, Vilnius, Lituânia; e, em 2012, Filmesperformance, no Paço das Artes, em São Paulo. Começaram a fazer filmes em Porto Alegre no ano 2000, primeiro em Super 8 e depois em 16mm. Depois de mudarem-se para Berlim e juntarem-se ao grupo fundador do coletivo LaborBerlin e.V passaram a incorporar práticas experimentais de filmagem e revelação analógicas ao seu processo criativo. Seus trabalhos são filmes, instalações, filmesperformance, fotografias, textos e materiais gráficos.

Filmografia selecionada: El Meraya, 19 min, 2018; Muito Romântico, 72 min, 2016; Máquina Do Tempo, 5 min, 2014; In The Traveler's Heart, 20 min, 2013; Don't Look Back / Labirinto, 6 min, 2012; Cat Effekt, 40 min, 2011; Triangulum, 22 min, 2008; Éternau, 21 min, 2006.

Ernesto Neto

Entre o Céu e a Terra Estamos Nós (Omaê) - Escultura (2017) - Para Ernesto Neto, a manifestação do sagrado acontece em estados meditativos através de profunda relação com a natureza. Tanto o tecido que se entrelaça para formar a trama do crochê quanto as cores usadas pelo artista evocam esta relação. Entre o Céu e a Terra Estamos Nós (Omaê) convida os visitantes a sentarem-se em um banco de madeira e colocarem a obra na cabeça, criando uma conexão com ela e, em sentido mais amplo, com o próprio sagrado.

Seu trabalho é bastante reconhecido por situar-se entre a escultura e a instalação, e pela experimentação com diversos materiais. Utiliza-se de materiais como meias de poliamida, entre outros (maleáveis e do cotidiano). Realiza esculturas de malha fina e translúcida, preenchidas com especiarias e ervas de diferentes cores e aromas. As formas se assemelham à pele e se moldam organicamente ao espaço. Ernesto Neto passou a produzir "naves", estruturas têxteis e transparentes nas quais o público penetra.

Nasceu no Rio de Janeiro, em 1964, onde vive e trabalha. Algumas de suas exposições individuais mais recentes foram: em 2018, GaiaMotherTree, em Zurique, na estação central de trens; Museu do Amanhã, Rio de Janeiro; em 2017, O Sagrado é Amor, na galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, em São Paulo; em 2016, Yubẽ Jibóia Boa, Museum of Contemporary Art Kiasma, Helsinki; TBA21, Thyssen-Bornemisa Art Contemporary, Viena; em 2014, The Body that Carries Me, Guggenheim Bilbao, na Espanha. Entre as coletivas destacam-se: as Bienais de Veneza (2017), de Lyon (2017) e de Sharjah (2013). Sua obra está presente em diversas coleções importantes, como: Centre Georges Pompidou (Paris), Daros Latinamerica (Zurique), Inhotim (Brumadinho), Guggenheim (Nova York), MOCA (Los Angeles), MoMA (Nova York), Museo Reina Sofía (Madri), SFMOMA (San Francisco), Tate Modern (Londres), entre outras.

Fancy Violence

Fancy Violence em Catwalk – Vídeoinstalação, Site-especific (2108) - Videoinstalação em que o movimento de caminhar da persona artística Fancy Violence é posto em observação pelo público, a partir de ângulos inusitados, como se a figura humana dela pudesse, por efeitos ópticos especiais, andar verticalmente sobre as paredes. A persona Fancy, quando por Rodolfo Parigi, já causou uma grande repercussão. Devido a seu apelo e impacto, e por haver sido elaborado tamanho engenho tecnológico, aparece aqui como obra comissionada especialmente para a mostra Via Aérea.

Em 2013, a personagem Fancy Violence se materializou em uma performance no Pivô, em São Paulo, e desde então vem se apresentando em algumas instituições artísticas. Além de aparições em performances, manifesta-se como uma importante presença encarnada no conjunto da obra de seu criador, o artista Rodolpho Parigi.

Rodolpho Parigi, nasceu em São Paulo, em 1977. Trabalha com desenho, pintura e performance. Participou de residências artísticas como FLORA Ars + Natura, Bogotá, 2011; Cité des Arts, Paris, 2009; Red Bull Station, São Paulo, 2011. Participou de exposições coletivas recentes que incluem: Depois do Fim, Fundação Iberê Camargo de Porto Alegre, 2017; A Mão Negativa no CAC de Vilnius, na Lituânia em 2017; Modelo_Vivo na Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2017; Supensão, no Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, 2016; Panoramas do Sul - Festival de Arte Contemporânea Vídeobrasil-SESC, 2015; A Mão Negativa, na EAV Parque Lage, Rio de Janeirol, 2015; Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo, 2013; Spinerei, Leipzig, 2011. Suas obras fazem parte de coleções como: Pinacoteca do Estado de São Paulo, Itaú Cultural de São Paulo, Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, e Museu de Arte de Ribeirão Preto, entre outras.

Geraldo Zamproni

Modus Vivendi - Escultura (2018) - Esse trabalho de Geraldo Zamproni lida com a noção de extremos opostos aos quais estamos sujeitos a cada momento: o leve e o pesado, o caro e o barato, o prático e o inútil. Como monstros fora do abrigo, pendem do teto elementos que aparentam estruturas robustas e imponentes, mas que para nada servem. A viga de compensado não pode sustentar nada; os vergalhões são de reina, mas parecem ser de concreto e não serão engate para nenhuma construção.

Geraldo Zamproni nasceu em Floral no Paraná, e vem trabalhando exclusivamente com projetos artísticos há mais de duas décadas. Interessa-se pela qualidade estética de objetos industriais, como plástico, ferro e espuma. Em anos mais recentes, seus trabalhos têm explorado de forma bastante particular as características da área que estuda há tanto tempo, a arquitetura. Tanto na manipulação de materiais, quanto do espaço, suas instalações, esculturas e intervenções urbanas visam alterar visualmente o espaço que as rodeiam, explorando a relação entre objeto, ambiente e observador, com efeitos de estranhamento e instabilidade, propondo estabelecer um diálogo com o público que se sustenta através das referências e elementos desterritorializados de sua escala, seu uso e habitat. O processo de criação para qualquer um de seus projetos varia de acordo com as características de cada projeto. Maquetes, testes de materiais e sketches, parte da própria manipulação espontânea da matéria. O que se sobressai como residual de sentido é o feitio artesanal dos materiais escolhidos para dar vazão a sua obra.

Isabel Caccia

Projeto Can-Can - Intervenção performática + instalação (2002-2018) - Isabel Caccia, artista argentina, propõe o escambo e o reaproveitamento de meias finas femininas (que podem ser desfiadas ou rasgadas) por uma sessão de unhas pintadas. O projeto sinaliza possibilidades para mecanismos poéticos de reciclagem, mas também materializáveis. De sua larga experiência em diversos países com a ação, vem reafirmar aqui o lugar de encontro num espaço tipicamente feminino, sendo aberto a todxs. Os momentos da ação acontecem em áreas de descanso e convivência do Sesc Belezninho, convidando o público interessado a interagir com a obra e a conversar com a artista. A instalação do material em áreas externas da unidade causa uma estranha e bela sensação, uma vez que malhas iluminadas, como se fossem redes de teias de aranha, estão conectadas e esticadas por entre as árvores.

Isabel Caccia nasceu em Córdoba, Argentina, em 1975. Atualmente, vive e trabalha em Semilla Salvaje, espaço que criou mesclando arte, permacultura e maternidade, localizado na Reserva Hídrica dos Mananciais do Rio Ceballos, nas serras de Córdoba. Realizou estudos com Jaime Munárriz, Regina Galindo, Joan Fontcuberta e Enrique Marty. Recebeu os seguintes prêmios: em 2014, o prêmio de performance com Banco de Semillas Urbanas concedido pelo Mercado de arte/EGGO, Córdoba; em 1999, 2000 e 2010, a bolsa do ministério de educação da Argentina. Sua experiência com a docência começou com um convite da Cátedra de Gabriel Gutnisky na Faculdade de Artes da Universidade Nacional de Córdoba, e continua dando workshops em espaços culturais de Córdoba, General Roca, Mar del Plata, Brasília. Dirige cursos de formação e residências de arte como experiências imersivas junto à natureza de Semilla Salvaje. Realizou exposições individuais e participou de coletivas, incluindo bienais internacionais em diferentes países.

Jarbas Lopes

Trecho Experimental Móvel da Cicloviaérea – Instalação (2008-2018)– A obra projeta uma outra aventura para as possibilidades de suas prévias construções das ciclovia aéreas, estendendo à via o sentido de um grande território da natureza, e que corre risco de desaparição se não for preservada. A técnica concebe um equipamento que possibilite a construção da pista, atravessando florestas, sem derrubar sequer uma árvore. Na construção, a parte do primeiro plano elevado servirá de apoio para que a pista se alongue sobre si mesma. Será distribuído ao público um fanzine com ilustrações do próprio artista, especialmente desenvolvido para a ocasião. A vinda de um ônibus também está prevista como ação comunitária, colaborativa e participativa, pois trata-se de uma propositura produzida do próprio artista Jarbas Lopes.

Jarbas Lopes nasceu em Nova Iguaçu, Rio de Janeiro, em 1964. Vive e trabalha em Maricá, na região dos lagos no Rio de Janeiro. Algumas exposições individuais importantes: em 2017, no CRAC, Alsace, França; Galeria Luisa Strina, São Paulo, 2015; Galeria Baginski, Lisboa, 2013 e 2010; Jack Tilton Gallery, New York, 2013; Galería A Gentil Carioca, Rio de Janeiro, 2009; Estação Cicloviaerea, Centro Cultural São Paulo, 2007; Novas Utopias, MAMAM do Recife, 2007; e Cicloviaérea, ASU Museum of Art, Phoenix, Arizona, Estados Unidos, 2007. Bienais e mostras internacionais: 11ª Bienal de Lyon, 2011; look.look.again, 2009; Gwangju Biennial, Córeia do Sul, 2008; 27ª Bienal de São Paulo, 2006; Oitava Bienal de Havana, 2003; e Panorama da Arte Brasileira, no MAM de São Paulo, 2000 e 2011. Obras em coleções: MoMA, Museum of Modern Art, Nova York; Instituto Cultural Inhotim, Brumadinho; Bronx Museum, New York; Victoria & Albert Museum, Londres; Arizona State University Museum; The Cisneros Art Foundation e Henry Moore Foundation, Londres; e Coleção Gilberto Chateaubriand, MAM do Rio de Janeiro.

Letícia Ramos

Grão – Frame - Filme 16mm transferido para vídeo (2016) - O filme conta a história de uma colônia humana em um planeta incógnito onde um antigo silo de cereais foi implantado. Eventos naturais e mudanças climáticas fazem com que o silo se rompa e dê início a uma estranha plantação.

Paisagem #1 / Paisagem #2 – Microfilme impresso sobre papel de algodão (2014) - O registro em microfilme, material e técnica utilizados rotineiramente para reprodução e arquivamento de documentos, fez com que a artista apresentasse resultados fotográficos de representação de uma paisagem atemporal, como se fosse um ambiente abandonado pelo homem, e que a natureza se encarregou de reconquistar. Materializa-se na forma de polaroides de ampliações panorâmicas.

Seu foco de investigação artística é a criação de aparatos fotográficos próprios para a captação e reconstrução do movimento, e sua apresentação se materializa nas mídias: vídeo, fotografia e instalação. Com especial interesse pela ciência da ficção, em suas séries como ERBF, Bitácora e Vostok, desenvolve complexos romances geográficos. O acaso, a experimentação com o fotográfico e o processo artístico são as direções de seu trabalho.

Leticia Ramos nasceu em Santo Antônio da Patrulha, RS, em1976. Vive e trabalha em São Paulo. Cursou Arquitetura e Urbanismo na UFRGS, em Porto Alegre, e Cinema na FAAP, em São Paulo. Suas obras já foram expostas nos espaços Tate Modern, Centro de Arte Pivô, Itaú Cultural, Centro Cultural São Paulo, Parque Lage, Museu Coleção Berardo, Instituto Tomie Ohtake e CAPC - Musée d’art contemporain (Bordeaux). Ganhou importantes prêmios, residências artísticas e bolsas de produção artística, entre eles o Prêmio Marc Ferréz para o desenvolvimento do projeto Bitácora (2011/2012), que resultou no livro de artista Cuaderno de Bitácora, e participou da residência The Artic Circle (2011) a bordo de um veleiro rumo ao Pólo Norte. Em 2013, desenvolveu o projeto [VOSTOK], que consistiu numa viagem ficcional a um lago pré-histórico submerso na Antártida, que resultou em uma publicação virtual, filme 35mm, livro e LP, e uma performance que foi apresentada durante a edição do 19º Festival SESC-Videobrasil (2015). Em 2014, foi contemplada pela Bolsa de Fotografia do Instituto Moreira Salles onde desenvolveu a pesquisa Microfilme e ganhou o prêmio internacional de fotografia BES Photo em Lisboa. Recentemente, recebeu a Bolsa de Artes da Fundación Botín (Espanha) para o desenvolvimento do projeto Historia Universal de Los Terremotos. Tem obras nas coleções do MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Itaú Culltural, Fundação Joaquim Nabuco, Fundação Vera Chaves Barcellos no RS, MAC – Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Instituto Moreira Salles, Associação Cultural Videobrasil e Nouveau Musée National de Monaco.

Lucía Madriz

Dinner Party – Escultura (2108) - A escultura instalada de Lucía Madriz trata criticamente do acesso a alimentos de boa qualidade que está se tornando cada vez mais um privilégio sócio-econômico. A comida orgânica é cara e, muitas vezes, é vendida como delicatessen. Enquanto isso, alimentos nutritivos tradicionais são deixados para trás, dando lugar a junkfood e fastfood que estão se tornando parte importante da dieta das pessoas em todo o mundo. A artista apresenta um enorme lustre feito com correntes de feijão preto. A artista trabalha com instalação, vídeo, pintura e desenho. Seu interesse central é descobrir como os seres humanos se conectam com a natureza; preocupa-se em como percebemos e nos afetam os assuntos ambientais. Para Lucía é importante evidenciar que a construção dessa abstração chamada de mundo se inicia com nossos próprios hábitos e atitudes.

Lucía Madriz nasceu em 1973, em San José, na Costa Rica. Vive e trabalha em Karlsruhe, Alemanha. Tem exibido individualmente em várias instituições e galerias, entre as que mais se destacam são: Museo de Arte y Diseño Contemporáneo - MADC, Fundación TEOR/éTica e Des Pacio (todos em San José, Costa Rica), Badischer Kunstverein (Karlsruhe, Alemanha), DPM (Miami), Peter Borchardt (Hamburgo) e Freijo Gallery (Madri). Seu trabalho tem sido exposto em mostras coletivas no Palais de Tokyo (Paris), COP 21 de Paris, Pratt Manhattan Gallery de Nova York, MAD - Museum of Art and Design de Nova York, na 55ª Bienal de Veneza, I BIACI - Bienal de Cartagena na Colômbia, II Bienal de Montevidéu, 8ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre), III Bienal del Fin del MUndo na Argentina, X Bienal Centroamericana em San José, 10ª Bienal de Havana, entre outros.

Luciana Ohira e Sérgio Bonilha

Hipótese Imanente - Escultura (2014) - Hipótese Imanente consiste em um fio de cobre esmaltado, ímãs e parafusos que ligam o cimo à base, numa linha interrompida visualmente, mas que não está interrompida fisicamente pelo fenômeno. Se o alto pende do teto, o baixo levita por força invisível exatamente por estar preso ao chão.

Hipótese Volátil – Vídeo (2018) - Um drible encontrado acidentalmente no atual estágio de “desenvolvimento” capitalista, que evita deixar que se pense um pouco melhor sobre /naquilo que fazemos. Os artistas resumem o projeto a uma instalação que reúne os vestígios do lançamento de um aeromodelo F1D no local de exposição. O próprio aeromodelo, um estojo de transporte e o vídeo de registro do seu lento voo que nos traz a sensação de desaceleração do entorno. Movimento que mais parece flutuação ou slow motion é um singelo enfrentamento da constante solicitação por performance; um “preferiria não” ao modo de Bartleby, é o gesto crítico mencionado por Ohira e Bonilha.

Luciana Ohira (São Paulo, 1983) e Sergio Bonilha (São Paulo, 1976), são licenciados em Artes Visuais pela USP e mestres pelo programa Poéticas Visuais da mesma universidade. Sergio Bonilha é docente no departamento de artes da UFMS, em Campo Grande. Em conjunto, apresentaram seus experimentos em diferentes países. Atuam juntos, desde 2006, com mostras individuais como Notarium – Gabinete de Pequenas Diferenças, em Aveiro, Portugal, 2009; Temporada de Projetos 2009, Paço das Artes, São Paulo; Luciana Ohira e Sergio Bonilha, Centro Cultural São Paulo, 2008; e Expansões Contráteis, MAC‑Curitiba, 2007. Participaram de exposições coletivas no Instituto Cervantes, São Paulo, 2010; Centro Cultural São Paulo, 2009; na III Bienal de Porto Santo, Portugal, 2009; no Korea Center‑Beijing, na China, 2008; e no Centre Pompidou, Paris, 2008.

Merce Cunningham

RainForest - Filme transferido para vídeo (1968) - Esta é a obra histórica da mostra Via Aérea, e como tal, apontou a várias direções e indagações presentes no lugar de origem da curadoria. De uma maneira ou outra, esta é a obra gênese desta seleção de trabaljhos de arte. O título RainForest surgiu das memórias de infância de Merce Cunningham no noroeste da região onde fica a floresta da Península Olympica, no estado de Washington. RainForest difere de outras peças de Cunningham, pois com exceção dele mesmo, cada um dos seis dançarinos desempenhava seu papel, e depois deixavam o palco, e não mais retornavam. Andy Warhol concordou que Cunningham usasse sua instalação SilverClouds - uma série de travesseiros mylar cheios de gás hélio para que flutuassem livremente no ar. Os dançarinos usaram calças e collants cor de carne que Jasper Johns (não creditado) cortou com uma lâmina de barbear, para dar aos trajes uma aparência áspera. A música é de David Tudor e evoca o chilrear e cantarolar dos pássaros e pequenos animais da floresta.

Merce Cunningham (Centralia, Washington, 1919- Nova York, 2009) foi um dos líderes da vanguarda americana ao longo dos seus 70 anos de carreira e é considerado um dos mais importantes coreógrafos do nosso tempo. Durante grande parte de sua vida, ele também foi um dos maiores dançarinos americanos. Com a carreira marcada pela constante inovação, Cunningham expandiu as fronteiras não apenas da dança, mas também das artes visuais e da performance. Iniciou sua carreira profissional de dança moderna, aos 20 anos, com uma vaga de seis anos como solista na Martha Graham Dance Company. Em 1944, apresentou sua primeira coreografia individual e, em 1953, criou a Merce Cunningham Dance Company como um fórum para abordar suas ideias de inovação em relação a dança. A duradoura experimentação de Cunningham o transformou em um visionário na aplicação de tecnologia às artes. De todas as suas colaborações, o trabalho junto com John Cage, seu parceiro de vida, desde os anos 1940 até a morte de Cage, em 1992, teve a maior influência mútua em suas práticas artísticas no campo da dança e da música.

O Poder da Multiplicação encerra com conversa e lançamento do catálogo, Porto Alegre

Evento no dia 11 de novembro terá bate-papo com autores no MARGS, local que abriga a exposição, e sessão de autógrafos na Feira do Livro de Porto Alegre. A entrada é franca

Para encerrar a exposição O Poder da Multiplicação - que está em cartaz no MARGS - Museu de Arte do Rio Grande do Sul -, o Goethe-Institut Porto Alegre promove um evento de lançamento do catálogo da Mostra, no dia 11 de novembro, domingo. O evento conta com bate-papo com autores (no auditório do MARGS, às 16h), seguido de sessão de autógrafos (às 19h, no Memorial do Rio Grande do Sul). A sessão de autógrafos será realizada no âmbito da 64ª Feira do Livro de Porto Alegre, parceira do Goethe-Institut no lançamento da publicação. Participam do evento os autores do catálogo Cauê Alves, Márcio Seligmann-Silva, André Venzon, Mônica Zielinsky e Niura Ribeiro. A entrada é franca nas duas atividades.

No bate-papo com os autores, serão abordadas as análises e reflexões trazidas no catálogo sobre a importância da reprodução na arte e na sociedade contemporânea, a relação entre arte reprodutível e mercado e as questões políticas em torno dela. Assinam os 21 textos - entre ensaios inéditos sobre arte reprodutível e escritos sobre as obras da exposição - especialistas brasileiros e alemães: André Venzon, Andreas Schalhorn, Angélica de Moraes, Cauê Alves, Diego Matos, Eduardo Veras, Francisco Dalcol, Gregor Jansen, Ludwig Seyfarth, Marcio Seligmann-Silva, Mariano Klautau Filho, Mônica Zielinsky, Niura Ribeiro, Paula Ramos, Paulo Gomes, Paulo Sergio Duarte e Wolfgang Brauneis. Em impressão colorida e bilíngue (português e alemão), a publicação é organizada pelo Goethe-Institut Porto Alegre (Adair Gass, Isabel Waquil e Marina Ludemann) e editada pelas editoras Estação Liberdade (Brasil) e Kerber Verlag (Alemanha).

A exposição O Poder da Multiplicação apresenta mais de 80 obras, entre gravuras, vídeos, instalações, street art, fotografias e obras em 3D e realidade aumentada, de 14 artistas contemporâneos brasileiros e alemães - como Carlos Vergara, Hanna Hennenkemper, Helena Kanaan, Ottjörg A.C., Regina Silveira, Vera Chaves Barcellos, Thomas Kilpper e Xadalu. A mostra pode ser visitada até o dia 11 de novembro, com entrada franca.

Serviço

Dia 11 de novembro, domingo

16h - Bate-papo com autores
Convidados: Cauê Alves (curador), Márcio Seligmann-Silva (crítico literário), André Venzon (artista e curador), Mônica Zielinsky (curadora e pesquisadora), Niura Ribeiro (professora do Instituto de Artes da UFRGS). Mediação: Marina Ludemann (diretora do Goethe-Institut Porto Alegre)
Local: Auditório do MARGS
Praça da Alfândega, s/n - Centro Histórico, Porto Alegre - RS

19h - Sessão de autógrafos
Local: Memorial do Rio Grande do Sul
Rua 7 de Setembro, 1020 - Centro Histórico, Porto Alegre/RS

Ficha técnica da publicação

Título: O Poder da Multiplicação
Organização: Goethe-Institut Porto Alegre (Adair Gass, Isabel Waquil e Marina Ludemann)
Autores: Klaus-Dieter Lehmann | Marina Ludemann | Gregor Jansen | Andreas Schalhorn | Francisco Dalcol | Márcio Seligmann-Silva | Paulo César Ribeiro Gomes | Paulo Sergio Duarte | Mariano Klautau Filho | Ludwig Seyfarth | Mônica Zielinsky | Eduardo Veras | Paula Ramos | Cauê Alves | Diego Matos | Angélica de Moraes | Wolfgang Brauneis | Niura Legramante Ribeiro | André Venzon
Editora Estação Liberdade
Tradução: Luciana Waquil, Marianne Gareis e Michael Kegler
Formato: 18 x 25 cm / edição colorida e bilíngue / 264 páginas
ISBN: 978-85-7448-298-9
Preço: R$ 60,00

Ana Sario na Marcelo Guarnieri, São Paulo

A Galeria Marcelo Guarnieri (São Paulo) apresenta, a partir do dia 9 de novembro, das 19h às 22h, Polaroid, exposição individual da artista Ana Sario. A mostra reúne um grande conjunto de pinturas inéditas realizadas em 2018 que se apropriam do formato da fotografia Polaroid e reproduzem imagens feitas pelo celular e encontradas na internet.

Ana Sario busca traduzir, por meio de suas pinturas, os estados de espírito ou sensações que imagens ou situações de contemplação causam em nós: os muitos tons de azul que se encontram e se modificam lentamente no céu do fim do dia, a vista do jardim interrompida por uma cortina persiana cor-de-rosa, um campo vasto florido que alcança até o infinito o nosso campo de visão, ou até mesmo a luz intensa da manhã que atravessa, pelas frestas, um arbusto de hibiscus. O assunto da janela, aliás, aparece no trabalho de Sario sob abordagens diversas, trazendo à reflexão os aspectos do olhar: quando em paisagens longínquas que nunca acessaremos em sua totalidade, ou em naturezas-mortas compostas por vasos de plantas ou bibelôs tão ao alcance das mãos; quando em telas que, compostas por fitas isolantes, tijolinhos de barro ou pela ação que simula o próprio tecido que serve de suporte, parecem vedar algo que está por detrás, mas que na realidade já é ali a pintura em si.

Em Polaroid, Sario explora esse assunto aproximando-se mais explicitamente das discussões em torno da imagem fotográfica. Ao fazer clara referência em suas pinturas ao formato da fotografia instantânea que dá título à exposição e ao se utilizar de imagens coletadas na internet ou produzidas pela câmera do celular, a artista propõe uma reflexão sobre a nova dinâmica da contemplação à qual estamos submetidos na era digital. Há uma justaposição de temporalidades nesse conjunto de pinturas: o tempo acelerado dos olhos que ansiosos percorrem as telas dos dispositivos eletrônicos ou das mãos inquietas e da "chuva de likes" agora fazem parecer vagaroso o tempo da imagem que se revela na superfície do papel fotossensível ou até mesmo o tempo dos pincéis e das tintas na execução de uma tela de 10,5 x 10,5 cm.

A discussão sobre o tempo parece também atrelada à discussão sobre o espaço, como observou José Bento Ferreira, autor do texto da exposição: "Ao proporcionar uma encarnação para a imagem sem corpo, a pintura salva-a da irreferência à qual está eternamente condenada no não-lugar das infovias, submetida à avaliação visual instantânea dos cliques, incompatível com uma fruição verdadeira. Por outro lado, a série de pinturas produzidas a partir de imagens encontradas nas derivas virtuais reconfigura o espaço ao redor, torna-o “heterotópico” conforme a formulação do filósofo Michel Foucault, isto é, um lugar que está fora de todos os lugares, um “contraespaço”."

Ana Sario
1984 - São Paulo, Brasil
Vive e trabalha em São Paulo, Brasil

Participou das exposições coletivas: “Os Primeiros 10 Anos” e “Energias da Arte”, ambas realizadas no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil; “Além da Forma” no Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, Brasil; “Em espera” no Museu Murillo La Greca, Recife, Brasil e MACC – Museu de Arte Contemporânea de Campinas, Campinas, Brasil; MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto, Ribeirão Preto, Brasil. De agosto a dezembro apresenta outros trabalhos da série "Polaroid" em exposição individual no Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto. Ana Sario integra a publicação “Pintura Brasileira Século XXI”, da Editora Cobogó.

Masao Yamamoto Marcelo Guarnieri, São Paulo

A Galeria Marcelo Guarnieri (São Paulo) apresenta, a partir do dia 9 de novembro, das 19h às 22h, a exposição individual do artista japonês Yamamoto Masao. A mostra reúne livros e fotografias realizados entre 1989 e 2018, incluindo sua mais recente série Bonsai – Microcosms Macrocosms, iniciada em 2018.

Bonsai – Microcosms Macrocosms consiste em um conjunto de registros feitos por Yamamoto Masao dos Bonsais cultivados por Minoru Akiyama, o mais jovem artista de Bonsai a receber o prestigioso prêmio Primeiro-Ministro do Japão. Por meio dessas fotografias, Yamamoto procura entender como o Bonsai, "uma criação nascida de uma colaboração lúdica entre a natureza e as pessoas", é capaz de dominar a atmosfera do ambiente onde é instalado, promovendo uma sensação de paz e tranquilidade. "Bonsais famosos podem ter centenas ou milhares de anos. Talvez esse tempo de resistência dê à árvore uma espécie de aura. Sua vida, sustentada dentro de um pequeno vaso, com a menor quantidade de terra, abraça a tranquilidade da vida e a agitação da morte. Sua grandeza não é algo que possa ser explicado em palavras." Afirma Yamamoto.

Além das séries A Box of Ku, Nakazora, Kawa=Flow e Shizuka=Cleanse (exibida pela primeira vez no Brasil), serão apresentadas também as "caixas-poemas" Ryokan e os "livros-sanfona". As "caixas-poemas" contêm em seu interior, cada, cerca de seis fotografias pequenas e um haiku de autoria de Ryokan (1758 ~1831), importante poeta e monge zen-budista japonês. Na mostra, são dispostas em vitrines, onde é possível ver o conjunto de imagens e versos em diálogo. Já os livros são apresentados abertos, de maneira que o espectador consiga visualizar todas as imagens. O artista entende ambos os formatos também como espaços expositivos, que possuem uma dinâmica própria, onde fica evidente a dimensão material da fotografia – nas imperfeições das bordas do papel e de seu caráter intimista.

"O mundo do Bonsai é semelhante ao mundo do haiku e do waka, já que são construídos apenas por elementos mínimos. Além disso, sempre senti que a fotografia e o haiku são métodos de expressão muito semelhantes. Através do meu trabalho Bonsai – Microcosms Macrocosms, quero que todos vejam e experimentem esse efeito mínimo ainda que máximo, ou em outras palavras, infinito. Você pode pensar "eu poderia ir ver um verdadeiro Bonsai", mas eu queria que as pessoas ouvissem as "conversas" que eu tive diretamente com o Bonsai. Continuo o meu trabalho em busca de um terreno comum entre a quintessência do Bonsai e a quintessência do que eu percebo como o universo, que é: todas as coisas."

As pequenas dimensões de algumas fotografias de Masao Yamamoto, assim como os livros ou as caixas, refletem seu interesse pelas miudezas e detalhes, por aquilo que cabe na palma da mão, que precisa ser olhado com calma e atenção. Atenção e paciência também são convocadas na hora de perceber e capturar situações fugazes, pequenas, porém nunca menores em grau de importância, carregadas de poesia e beleza. Pode ser o bater de asas de um pássaro, o olhar vidrado de um bicho, a sombra de um papel que voa ou até mesmo um vaso de flores equilibrando-se na beirada de uma mesa. Podem ser também árvores em miniatura ou coisas que encontra pelos bosques ao redor de sua casa, que em Bonsai e Shizuka adquirem grandes dimensões. As fotografias de Yamamoto, ampliadas quase sempre em preto e branco, se revelam por meio de um manejo cuidadoso da luz, e evidenciam a importância que tanto a claridade, como a escuridão, podem ter na construção de significados.

O haiku é uma forma tradicional poética da literatura japonesa, consiste em um poema curto de 17 sílabas, dividido em três versos, que procura registrar a percepção de um “momento privilegiado”, normalmente relacionado ao meio-ambiente e às estações do ano. Em português, pode ser chamado de haikai ou haicai. O haiku deriva de uma forma poética mais antiga, mas ainda popular, a waka, que havia sido usada durante mil anos antes do haiku. A palavra waka significa "poema japonês". Bonsai é uma forma de arte japonesa que se utiliza de grama e árvores: um punhado de terra e um vaso são usados para recriar paisagens selvagens em miniatura. O esforço necessário para nutrir e cultivar essas plantas por décadas é imenso, exigindo habilidade especializada. Em outras palavras, o bonsai é uma forma viva de arte.

Yamamoto Masao

1957 – Gamagori, Japão
Vive e trabalha na província de Yamanashi, Japão

As fotografias de Yamamoto Masao capturam instantes e detalhes que, a um rápido olhar, poderiam passar despercebidos. As cenas que constrói, envoltas em uma atmosfera poética, nos remetem a um tempo passado, enigmático e silencioso. Suas fotos em preto e branco por vezes ganham tons amarelados e pequenos rasgos, o que as permite incorporar a carga de uma idade avançada. Assumindo, às vezes, pequenas dimensões, podem ser seguradas na palma da mão ou levadas no bolso da calça, como pequenos amuletos; podem ainda ser guardadas em caixas e formar coleções preciosas, como são as caixas de fotografias de nossos pais e avós. Em algumas situações, Yamamoto escolhe dispô-las na parede em arranjos que assemelham-se a nuvens; os conjuntos acabam por formar poemas visuais que exigem do observador um olhar mais cuidadoso e desacelerado.

Suas primeiras exposições foram realizadas em 1994 e 1996 em São Francisco e Nova York e foram seguidas por inúmeras outras nos Estados Unidos, Europa, Japão, Rússia e Brasil, incluindo, mais recentemente, no Museu Oscar Niemeyer (MON), em Curitiba, em agosto de 2017. Seus trabalhos integram coleções de museus internacionais de prestígio, como o Museum of Fine Arts, Houston; the International Center of Photography, New York; the Victoria & Albert Museum, Londres; Maison Européenne de la Photographie, Paris. Ele publicou inúmeros livros nos EUA, Espanha, Japão e Alemanha, que foram resenhados no New York Times, no Los Angeles Times e em outras importantes revistas.

Invenção de Origem na Pina Estação, São Paulo

Mostra coletiva na Pina Estação reúne obras que remontam ficções sobre a origem do mundo

Obras experimentais de Antonio Dias, Carmela Gross, Lothar Baumgarten, Solange Pessoa e Tunga sugerem narrativas cosmogônicas

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, apresenta, de 10 de novembro de 2018 até 11 de fevereiro de 2019, a exposição Invenção de Origem, no quarto andar da Pina Estação. Com curadoria do Núcleo de Pesquisa e Crítica da Pinacoteca e sob coordenação geral de José Augusto Ribeiro, curador do museu, a coletiva toma como ponto de partida o filme The Origin of the Night: Amazon Cosmos (1973-77), do artista alemão Lothar Baumgarten, raramente exibida, e a apresenta ao lado de uma seleção de obras de quatro artistas brasileiros – Antonio Dias, Carmela Gross, Solange Pessoa e Tunga. Em comum, os trabalhos selecionados aludem a tempos e ações primordiais que teriam c0ntribuído para as narrativas sobre a origem da vida.

Filmado em 16 mm entre 1973 e 1977, The Origin of the Night: Amazon Cosmos [A origem da noite: o cosmos amazônico] de Lothar Baumgarten, baseia-se em um mito Tupi, registrado pelo antropólogo francês Claude Lévi-Strauss, sobre a origem da noite – que, segundo a narrativa, "dormia” submersa nas águas, quando ainda os animais não existiam e as coisas tinham o poder da fala. A partir de imagens captadas no rio Reno, entre Düsseldorf e Colônia, o artista cria situações ambíguas. “As imagens são paradoxais, mostram uma espécie de floresta virgem em que, no entanto, espalham-se os lixos da civilização humana. Baumgarten recorre ao cinema para remontar mitos de uma floresta tropical, de maneira que o espectador fica sem saber se aquilo é o princípio ou o fim do mundo", conta Ribeiro.

A partir das questões apresentadas no filme, a pesquisa curatorial centrou-se num recorte bastante específico da produção brasileira, que compreende cerca de 40 trabalhos de cinco artistas, incluindo vídeo, pintura, escultura etc., produzidos desde a década de 1970 até hoje. A seleção leva em conta experimentações de linguagem e de material que se convertem, ao mesmo tempo, em imagens e objetos com aspectos imemoriais, sugestivos de gestos fundantes; inserindo o observador numa espécie de sistema de produção ou de comunicação de ideias ainda em formação.

Na primeira sala da exposição, onde se encontra também o filme de Lothar Baumgarten, o visitante se depara com dois trabalhos de Carmela Gross: Facas e 300 larvas, ambos de 1994. Para Invenção de origem, a curadoria reuniu 500 das cerca de 1000 peças (formas elementares de facas) que compõem o primeiro. A operação da artista para o trabalho previa a mudança de um modelo de faca para outro a cada vez que considerasse ter adquirido habilidade para aquela modelagem.

“Carmela Gross parece repor assim, em cada grupo de suas facas, o surgimento de uma técnica, um grau zero, uma espécie de gesto primeiro", na opinião de Ribeiro. Já a montagem da obra lembra o resultado de uma escavação arqueológica ou uma catalogação etnográfica. Ao lado dela, remetendo também à ideia de inventário antropológico, está instalada parte da obra 300 larvas, (1994), grupo de monotipias que Gross produziu em tamanhos e tipos de papel variados.

Da produção de Antonio Dias, falecido em agosto deste ano, foram selecionadas obras de um período específico, que se estende de 1977 a meados da década de 1990. Nesse período, Dias viaja ao Nepal, onde, com artesãos locais, aprende a manufatura de papeis artesanais e desenvolve técnicas de tingimento das folhas com elementos naturais (terra, cinzas, vegetais etc.). Essas pesquisas com materiais se desdobram em seguida na pintura, com o uso de óxido de ferro, folha de ouro e pigmentos cintilantes, que conferem à tela aspectos de minério e metal. Nestes trabalhos são recorrentes as figuras de ossos, as remissões às pinturas rupestres e, ao mesmo tempo, às imagens da cultura popular. “O conjunto evidencia passagens cheias de tensão entre natureza e cultura. O título da pintura Brazilian Painting, Bosnia´s Jungle (1995), ou “pintura brasileira, selva da Bósnia”, produz esse atrito com senso de humor”, conta Ribeiro.

Na mesma sala, está um conjunto de peças de Tunga, produzidas entre os 1980 e meados de 2010. Algumas delas tidas como as mais conhecidas do artista (Tacape, Escalpo, Tranças) e outras recentes, ainda pouco mostradas em espaços públicos. Entre os trabalhos icônicos dessa produção, estão a pintura Sem título (Sedativa), de 1984, cuja imagem informe, que reporta ao vocabulário comum à obra do artista, surge também reproduzida no relevo em metal Revê-la antinomia, de 1985.

“As operações que conformam essas duas obras evidenciam a importância que Tunga atribui aos processos de realização do trabalho, à investigação sobre os limites de uma linguagem artística, e ao mesmo tempo à capacidade alusiva e imaginativa de seus resultados", comenta o curador. Também integra o conjunto a peça Lezart, de 1989, que participou da retrospectiva do artista no centro cultural Jeu de Paume, em Paris, em 2001, além do inédito Projeto de obra pública, de 1992, que Tunga concebeu para o espaço urbano da cidade do Rio de Janeiro, em 1992, jamais realizado.

Por fim, na última sala da exposição, a Pinacoteca apresenta um trabalho ainda em processo da artista mineira Solange Pessoa. A instalação, concebida entre 2004 e 2018, compõe-se de uma grande escultura, de cerca de 10 metros de comprimento, feita de penas de aves e tecido, pendente do teto em forma cônica, lembrando o tronco de uma árvore.

Ao seu redor, uma série de relevos em argila e 36 pinturas sobre papel, com silhuetas de bichos fantásticos e polimórficos, um pouco aves, um pouco répteis, ou vegetais, como se essas formas estivessem em transmutação. “Parece um bestiário que remonta à formação das espécies", diz o curador da exposição. O que por sua vez reintroduz o visitante mais uma vez ao universo do filme de Baumgarten, "a ideia de um princípio de tudo que parece ter surgido já meio poluído, impuro”, finaliza Ribeiro.

O Retrato e a Paisagem nas Coleções MAM, Rio de Janeiro

Com obras do acervo do Museu, as duas exposições investigam dois importantes gêneros da arte: o retrato e a paisagem. O público verá mais de 200 obras de cerca de 140 artistas, brasileiros e estrangeiros, que abordam o retrato ou a paisagem em pinturas, objetos, vídeos, desenhos, instalações, fotografias, gravuras e esculturas.

O MAM Rio inaugura no próximo dia 10 de novembro de 2018, a partir das 15h, as exposições Constelações – O Retrato nas Coleções MAM Rio e Horizontes – A Paisagem nas Coleções MAM Rio, com curadoria de Fernando Cocchiarale e Fernanda Lopes. Com obras do acervo do Museu, as duas mostras investigam dois importantes gêneros da arte: o retrato e a paisagem. O público verá mais de 200 trabalhos de cerca de 140 artistas, brasileiros e estrangeiros, que abordam os temas em pinturas, objeto, vídeos, desenhos, instalações, fotografias, gravuras e esculturas.

As exposições compõem uma trilogia de mostras sobre os gêneros da pintura clássica: Retrato, Paisagem e Natureza-Morta, esta última a ser apresentada em 2019.

Se a discussão sobre gênero abrange hoje questões como identidade, discriminação, dominação, emancipação de minorias e do outro cultural, há alguns séculos tal termo restringia-se aos diferentes gêneros em que a pintura deveria ser concebida pelo artista e identificada pelo público.

“Constelações – O Retrato nas Coleções MAM Rio” investiga a prática e a definição de um dos gêneros mais antigos da pintura – o retrato –, revelando sua dimensão mais histórica, mas também a possibilidade de releituras contemporâneas. Com mais de 120 obras, a mostra, além de pintura, apresenta também objeto, vídeo, desenho, instalação, fotografia, gravura e escultura, realizados por mais de 70 artistas, de diferentes gerações, como Anna Maria Maiolino, Tunga, Anita Malfatti, Carlos Vergara, Rosangela Rennó, Hélio Oiticica, Vania Mignone, Vicente de Mello, Maria Leontina, Wesley Duke Lee e Wilson Piran. As obras integram o acervo do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, pertencentes à coleção própria, à de Gilberto Chateaubriand, e à de Joaquim Paiva.

“Entre os trabalhos mais antigos está um conjunto de cartes de visite (cartões de visita fotográficos), produzidos a partir de 1860 e um dos grandes modismos da segunda metade do século 19; além da fotografia feita por Nadar, em 1891, de D. Pedro II morto.”, destacam os curadores no texto que acompanha a exposição.

“Horizonte – A Paisagem nas Coleções MAM Rio” reúne vídeo, pintura, escultura, objeto, desenho, fotografia, gravura e instalação. A exposição tem como ponto de partida as pinturas de paisagem, de modo a revisitar e também repotencializar este que é um dos gêneros clássicos da pintura. A mostra abrange mais de 100 obras de quase 70 artistas, de diferentes gerações, como Regina Vater, Carlos Zilio, Alfredo Volpi, Thereza Simões, José Pancetti, Daniel Murgel, Wanda Pimentel, Lucia Laguna, Cícero Dias, Ernesto de Fiori e Eduardo Coimbra. Todas as obras integram o acervo do MAM Rio, pertencentes à coleção própria e à de Gilberto Chateaubriand.

Art Weekend São Paulo 2018 movimenta a cena cultural da cidade de 9 a 11 de novembro

A Associação Brasileira de Arte Contemporânea – ABACT promove a 3ª edição do Art Weekend São Paulo. No final de semana de 9 a 11 de novembro, 50 galerias de arte realizam aberturas de exposições, visitas-guiadas, performances, conversas com artistas e curadores

A 3ª edição do Art Weekend São Paulo, promovido pela Associação Brasileira de Arte Contemporânea – ABACT, acontece no final-de-semana dos dias 9, 10 e 11 de novembro de 2018. Durante o evento, 50 galerias de arte de São Paulo e de outras cidades promovem aberturas de exposições, visitas-guiadas, performances, oficinas para pais e filhos, conversas com artistas e curadores, convidando os interessados em artes a circularem por quatro circuitos: Vila Madalena/Pinheiros/Butantã; Itaim/Vila Nova Conceição; Jardins; e Centro/Barra Funda e arredores. Na sexta, as galerias funcionam das 17h às 22h. Já no sábado, os espaços ficam abertos das 11h às 20h, e no domingo, das 12h às 18h.

Participam do Art Weekend São Paulo 38 galerias paulistanas: Almeida & Dale Galeria de Arte, Arte 57, Baró Galeria, Bergamin & Gomide, Galeria Berenice Arvani, Galeria Bolsa de Arte, Canvas Galeria de Arte, Casa Triângulo, Galeria Caribé, Central Galeria, Dan Contemporânea, Galeria Eduardo Fernandes, Emmathomas Galeria, Galeria Estação, Fortes D’Aloia & Gabriel (Galeria e Galpão), Galeria Frente, Galeria Houssein Jarouche, Galeria Jaqueline Martins, Janaina Torres Galeria, Galeria Leme, Luciana Brito Galeria, Galeria Luisa Strina, Galeria Lume, Galeria Marcelo Guarnieri, Galeria Marilia Razuk, Mendes Wood DM, Galeria Millan, Galeria Nara Roesler, Paulo Kuczynski Escritório de Arte, Galeria Rabieh, Galeria Raquel Arnaud, Galeria Sancovsky, Sé Galeria, SIM Galeria, Galeria Superfície, Galeria VilaNova, Vermelho e Zipper Galeria.

Doze galerias de fora da cidade também participam do AWSP por meio do programa “Galerias recebem Galerias”, no qual uma galeria paulistana recebe uma mostra especial de outra. Dessa forma, Luciana Brito Galeria recebe galeria A Gentil Carioca (Rio de Janeiro), Galeria Marilia Razuk recebe Anita Schwartz Galeria de Arte (Rio de Janeiro), Dan Contemporânea recebe Espaço Eliana Benchimol (Rio de Janeiro), Galeria Jaqueline Martins recebe Galeria Karla Osório (Brasília), Galeria Leme recebe Luciana Caravello Arte Contemporânea (Rio de Janeiro), Galeria Nara Roesler recebe Lurixs: Arte Contemporânea (Rio de Janeiro), Galeria Estação recebe Mercedes Viegas Arte Contemporânea (Rio de Janeiro), Galeria Raquel Arnaud recebe Mul.ti.plo Espaço Arte (Rio de Janeiro), Emmathomas Galeria recebe Periscópio Arte Contemporânea (Belo Horizonte), Galeria Lume recebe Portas Vilaseca Galeria (Rio de Janeiro), e a Galeria Rabieh recebe Galeria Ybakatu (Curitiba ) e também a Galeria Mamute (Porto Alegre).

Veja a programação completa e endereços aqui.

Para facilitar a circulação por tamanha profusão de exposições e atividades, são sugeridos quatro circuitos:

Vila Madalena/Pinheiros/Butantã
Galeria Bolsa de Arte, Fortes D’Aloia & Gabriel, Galeria Eduardo Fernandes, Galeria Estação, Janaína Torres Galeria, Galeria Leme, Galeria Millan e Anexo, Galeria Raquel Arnaud e Galeria Sancovsky

Jardins
Almeida & Dale Galeria de Arte, Baró Galeria, Galeria Berenice Arvani, Bergamin & Gomide, Canvas Galeria de Arte, Casa Triângulo, Dan Galeria, Emmathomas Galeria, Galeria Frente, Galeria Houssein Jarouche, Galeria Luisa Strina, Galeria Marcelo Guarnieri, Mendes Wood DM, Paulo Kuczynski Escritório de Arte, Galeria Rabieh, Galeria Superfície, SIM Galeria e Zipper Galeria

Itaim/Vila Nova Conceição
Galeria Arte 57, Galeria Caribé, Luciana Brito Galeria, Galeria Lume, Galeria Marília Razuk, Galeria Nara Roesler e Galeria VilaNova

Centro/Barra Funda
Central Galeria, Fortes D’Aloia & Gabriel | Galpão, Galeria Jaqueline Martins, Sé Galeria e Vermelho

Albano Afonso na Triângulo, São Paulo

Albano Afonso apresenta esculturas, pinturas e fotografias inéditas na Casa Triângulo

Casa Triângulo tem o prazer de apresentar a nona exposição individual, Viver em um Mundo Abstrato, do artista Albano Afonso na galeria. A abertura acontece no dia 9 de novembro, durante o evento ArtWeekend, das 17h às 22h. “Viver em um Mundo Abstrato” consiste em uma grande instalação, esculturas, pinturas, desenhos e uma série de fotografias inéditas.

Esculturas: O corpo de obras corresponde ao ato de fechar os olhos para reintegrar partes soltas do corpo e de memórias. Pedaços de corpos em metal, como cabeças com olhos fechados e braços desintegrados ecoam vibrações sonoras inaudíveis, percursos vagueantes de distanciamento e aproximação.

Pinturas e desenhos: Com uma série de paisagens silenciosas, marcas invariáveis da passagem do tempo, o artista chega a um exercício de grande simplicidade, que consiste em sobrepor cores primárias, criando um campo infinito de variações cromáticas.

Fotografias: A exposição também reúne um conjunto de naturezas-mortas que funcionam com espelhos refletores de desejos. Sinos sem badalos, braços soltos e linhas dispostas a medir o infinito encontram colagens de cenas e objetos encontrados em diferentes partes do mundo. Uma série de autorretratos completa a mostra.

Josué Mattos assina o texto crítico da mostra.

Not Vital na Nara Roesler, São Paulo

O artista suíço Not Vital traz para a Galeria Nara Roesler SP um recorte de sua vasta e consagrada produção. As esculturas e desenhos reunidos destacam a sua particular capacidade em descontextualizar, reconfigurar e re-localizar fragmentos e símbolos culturais. Os diversos mundos contidos na obra de Vital decorrem de sua vivência: nasceu em 1948 em Sent, na Suíça; aos 18 anos mudou-se para Paris; pouco depois, para Roma; e para Nova York, em 1976. Desde então, tem viajado incessantemente aos quatro cantos do mundo, tendo vivido e trabalhado periodicamente em Agadèz (Níger), Lucca (Itália), Pequim (China), Patagônia (Chile) e Rio de Janeiro (Brasil).

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Segundo a autora do texto que acompanha a exposição Saudade, Giorgia von Albertini, as obras reunidas na mostra atestam os múltiplos mundos vividos pelo artista. Parte representativa das esculturas foi produzida em seu ateliê em Pequim, em parceria com habilidosos artesão, que compreendem tanto a busca pela forma perfeita de Vital quanto a importância do toque humano em sua obra. Em contraste com a maioria das esculturas de aço inoxidável de grandes dimensões, essas obras não são moldadas, e sim feitas à mão, em um processo no qual centenas de pequenos painéis de aço bruto são martelados, soldados entre si e minuciosamente polidos. “Nascidas de uma sinfonia de golpes de martelo, as esculturas de Vital trazem em si o toque humano e, ainda assim, exalam uma espécie de quietude profunda, utópica”, escreve Albertini.

Lótus (Lotus, 2018) é uma das versões da primeira série de trabalhos do artista inspirada na flor de lótus, instalação composta por cem dessas flores, diferentes entre si, dispostas no chão – Let One Hundred Flowers Bloom (2008). “Apresentada com botões fechados, ceifados antes de florescer, Lotus, de Vital, diz respeito tanto à inércia forçada quanto à vitalidade potencial”.

As totêmicas Bengalas (Walking Sticks, 2012) foram produzidas na China, mas a forma foi encontrada por Vital num período anterior a suas viagens – ainda criança, em Engadin, onde nasceu. “Ali, nas imponentes montanhas, as crianças crescem coletando e entalhando bengalas de madeira, e observando as gerações mais velhas galgarem as encostas com seu auxílio”, explica Albertini. A Língua (Tongue, 2010) é uma das formas que Vital vem materializando nos mais variados e surpreendentes materiais e tamanhos por décadas. Surgiu pela primeira vez em 1985, pouco após o artista ter visto uma língua de vaca num açougue em Lucca, Itália. “Ele vislumbrou um caminho de transformação que o permitiria transmutar o familiar em exótico, o orgânico em utópico: em vez de nos mostrar a usual ponta da língua, ele a mostra integralmente; ao invés de apresentá-la horizontalmente, tal como existe no mundo orgânico, opta por fazê-lo verticalmente. Assim, por meio de uma alquimia silenciosa, tudo pode mudar”, pondera Albertini.

A escultura Lua (Moon, 2017), uma esfera grande e perfeita realizada em mármore, demonstra a incessante busca do artista pelo satélite terrestre. Fascinado pela lua durante toda a vida, Vital chegou a construir uma casa no Deserto do Saara só para observá-la.

“Ao percorrê-la com os olhos e acariciar suas crateras, suas sombras e sua superfície silenciosamente animada, somos levados a nos perguntar: será que Vital trouxe a Lua à Terra, ou será que nos transportou ao universo? ”, diz Albertini.

Já em Retratos (Portraits), Vital retrata pessoas próximas ou importantes para ele, outro conceito essencial em sua obra multifacetada. “Esses retratos são sempre compostos de duas caixas de prata que tomam forma e volume com base na data de nascimento do representado”, ressalta a autoria do texto. Nesta exposição, há um retrato de Nara Roesler, colaboradora e amiga de Vital, e de personalidades brasileiras, como Oscar Niemeyer, Ayrton Senna, Pelé e Caetano Veloso. “Os retratos em prata, minimalistas, porém cheios de alma, foram feitos à mão por artesãos do Níger com quem Vital trabalha há mais de 15 anos; a colaboração prossegue mesmo em tempos de profunda crise política e humanitária”.

Por sua vez Saudade, série que dá nome à exposição, evoca o apreço do artista pelo Brasil, seu segundo lar, conforme declara. Para ele, o Rio de Janeiro provou-se o melhor lugar para desenhar. Vital concebe desenhos com o que tem à mão, usando não só lápis, mas também materiais não ortodoxos como fita, cotonetes, adesivos de silicone e sacos plásticos.

“Em sincronia com a vida nômade de Not Vital, sua arte migra como num sonho entre imaginários estrangeiros e alegorias nativas. Com uma alquimia ligeira, ele domestica o exótico e transforma o lugar-comum local em vocabulário visual surreal-minimalista. Consequentemente, identidade e transformação, relocação e descontextualização tornaram-se conceitos-chave na obra de Vital”, completa a autora do texto.

Not Vital (n.1948) nasceu na aldeia de Sent, no vale alpino de Engadin (Suíça). Atualmente, vive e trabalha entre o Rio de Janeiro, Pequim e Sent. Vital estudou Arte em Paris e em Roma antes de mudar-se para Nova York em 1976. Desde 2000, sua prática se expandiu, passando a incluir construções, como casas, escolas, torres, pontes e túneis, e diluindo a fronteira entre arte e arquitetura. Essas construções são estruturas permanentes e muitas podem ser vistas no parque de esculturas de Vital em Sent ­ bem como na Bélgica, Brasil, Indonésia, Níger e Patagônia. Vital realizou exposições individuais recentes nas seguintes instituições: Museo d'Arte di Mendrisio, em Mendrisio (2015), Musées d'Art et d'Histoire, em Genebra (2014); Isola di San Giorgio Maggiore, em Veneza (2013); Ullens Centre for Contemporary Art, em Pequim (2011); Museo Cantonale d'Arte di Lugano (2007); The Arts Club of Chicago (2006); e Kunsthalle Bielefeld (2005). Em 2001, o artista participou da 49ª Bienal de Veneza (com curadoria de Harald Szeeman). Seu trabalho está representado em coleções públicas no mundo todo, entre elas o Carnegie Institute, em Pittsburg; o Dallas Museum of Art, em Dallas; o Solomon R. Guggenheim Museum, em Nova York; o Kunstmuseum Bern, em Berna; o Kunsthalle Bielefeld, em Bielefeld; o Kunstmuseum Luzern, em Lucerna; o Musées d'Art et d'Histoire, em Genebra; o Museum of Fine Arts, em Boston; o Museum der Moderne, em Salzburgo; o Philadelphia Museum, na Philadelphia; The Museum of Modern Art, em Nova York; The Ashmolean Museum, em Oxford; The Brooklyn Museum, no Brooklyn; e o Toyota Municipal Museum of Art, em Aichi.

The Swiss artist Not Vital is bringing to Galeria Nara Roesler | São Paulo a slice of his vast and renowned production. The sculptures and drawings featured in the show highlight his particular knack for decontextualizing, reconfiguring and relocating cultural symbols and fragments. The various worlds contained in Vital’s work derive from his life experience: he was born in 1948 in Sent, Switzerland; at 18 he moved to Paris; a little later, to Rome; and to New York, in 1976. Since then, he has traveled incessantly to the four corners of the world, having lived and worked periodically in Agadez (Niger), Lucca (Italy), Beijing (China), Patagonia (Chile) and Rio de Janeiro (Brazil).

According to the author of the text that accompanies the exhibition Saudade [Longing], Giorgia von Albertini, the artworks featured in the show evince the multiple worlds lived by the artist. A representative part of the sculptures was produced in his studio in Beijing, in partnership with skillful artisans, who understand both Vital’s search for the perfect form as well as the importance of the human touch in his work. Unlike most of his large-format sculptures in stainless steel, these works are not molded, but rather made by hand, in a process in which hundreds of small panels of raw steel are hammered, welded together and painstakingly polished. “Born in a symphony of hammer blows, Vital’s sculptures harbor the human touch, yet they simultaneously emanate sort of deep-seated, utopian quietness,” writes Albertini.

One of a series of artworks inspired in the lotus flower, Lotus, 2018, is a version of the installation Let One Hundred Flowers Bloom (2008), consisting of 100 of these flowers, different from one another, arranged lying down. “Presented with closed buds, cut before having had any opportunity to flourish, Vital’s Lotus refer to both, forced stasis and potential vitality.”

The totemic Walking Sticks, 2012, were produced in China, but the shape was found by Vital in a period prior to his travels – while still a child, in Engadin, where he was born. “There, in the high-altitude mountains, children grow up collecting and carving wooden walking sticks, as well as observing the older generation climbing with such,” explains Albertini. Tongue, 2010, is one of the shapes that Vital has been materializing in the most diverse and surprising materials and sizes for decades. It arose for the first time in 1985, soon after the artist had seen a cow’s tongue at a meat shop in Lucca, Italy. He “discerned a pathway for transformation which would enable him to transmute the familiar into the exotic, the organic into the utopian: instead of showing us just the usual tip of the tongue, he displays the whole thing; instead of presenting it horizontally, as it exists in the organic world, he chooses verticality. Just like this, by means of silent alchemy, everything can change,” Albertini considers.

The sculpture Moon, 2017, a large and perfect sphere made of marble, demonstrates the artist’s incessant search for the terrestrial satellite. Fascinated by the moon all his life, Vital went so far as to build a house in the Sahara Desert just to observe it.

“Walking around the moon, and caressing its craters, its shadows, and its quietly animated surface with our eyes, we are left wondering: did Vital bring the moon down to earth, or did he transport us into the universe?” says Albertini.

In Portraits, Vital portrays people near or important to him, another essential concept in his multifaceted work. “Those portraits are always composed of two silver boxes that take their form and volume from the birthdates of those they represent,” the text’s author points out. In this exhibition, there is a portrait of Nara Roesler, a collaborator and friend of Vital, and of Brazilian personalities such as Oscar Niemeyer, Ayrton Senna, Pelé and Caetano Veloso. “The minimalistic, yet soulful silver portraits that portray them have all been made by hand; by Tuareg silversmiths in Niger, with whom Vital has worked for more than 15 years, continuing collaboration even in times of deep political and humanitarian crisis.”

For its part, Saudade [Longing], the series that lends its name to the title of this exhibition, evokes the artist’s appreciation for Brazil, his second home, he declares. For him, Rio de Janeiro has proved to be the best place for him to draw. Vital conceives drawings with what he has at hand, using not only a pencil, but also unorthodox materials such as tape, cotton swabs, silicone adhesives and plastic bags.

“In cadence with Not Vital’s nomadic way of life, his art migrates dreamlike in between foreign imageries and native allegories. By means of fleet-footed alchemy he domesticates the exotic and transforms the local commonplace into surreal-minimalistic visual vocabulary. Identity and transformation, re-location, and de-contextualization have consequently evolved to key concepts within Vital’s oeuvre,” Albertini explains.

Cristina Canale na Nara Roesler, São Paulo

Desde a sua última exposição na Galeria Nara Roesler SP, Sem palavras, em 2011, uma das mais importantes pintoras contemporâneas brasileiras, egressa da conhecida Geração 80, começou a se interessar pelo universo feminino que, aos poucos, acabou tomando conta de sua produção. Geralmente baseadas em cenas do cotidiano, suas obras resultam de um elaborado trabalho de composição com massas de cor, destacando-se por transitar entre a figuração e a abstração, abrindo possibilidades para o imaginário subjetivo do espectador.

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Nesta exposição - Cabeças/Falantes, Canale traz como eixo uma série de pinturas de cabeças femininas no formato clássico de portrait. Em torno desta narrativa, desdobram-se outras obras em que são representados fragmentos de figuras humanas, partes do corpo e gestos cotidianos. Descoladas de sua totalidade e isoladas, estas partes adquirem, uma outra dimensão.

Em contraponto ao conjunto formado por retratos e referências ao corpo
humano, a artista apresenta uma grande tela (2x3m) de uma cadeira solitária em uma paisagem abstrata. Segundo a pintora, trata-se de um objeto cotidiano que remete à feminilidade e faz lembrar as mulheres sentadas de Giacometti. “Tenho a impressão de que todas estas obras giram em torno da dicotomia entre presença e ausência", afirma Canale.

Cristina Canale, bem como os principais nomes de sua geração, surgiu no circuito de arte a partir de sua participação na emblemática coletiva Como vai você, Geração 80?, realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV Parque Lage), Rio de Janeiro, em 1984. Como muitos de seus colegas, sua produção inicial denota a influência da nova pintura internacional, principalmente a tendência do neoexpressionismo alemão. Carregadas de elementos visuais e volume de tinta, suas primeiras pinturas apresentam um caráter matérico, distinguindo-se pelo uso intuitivo de cores contrastantes e vivas que é notável em suas obras até hoje. No começo da década de 1990, Canale mudou-se para a Alemanha, estudando em Düsseldorf sob orientação do artista conceitual holandês Jan Dibbets. Suas composições passam a adquirir espacialidade, com a sugestão de planos e profundidades, e maior fluidez no uso das cores.

A artista nasceu no Rio de Janeiro/RJ, Brasil, 1961, vive e trabalha em Berlim, Alemanha. Estudou desenho e pintura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV Parque Lage), Rio de Janeiro, no começo da década de 1980. Seu trabalho vem sendo apresentado em diversas exposições, no que se destacam as seguintes individuais: Cristina Canale: Zwischen den Welten, Kunstforum Markert Gruppe, Hamburgo, Alemanha (2015); Entremundos, Paço Imperial, Rio de Janeiro/RJ, Brasil (2014); Protagonista e Domingo, Instituto Figueiredo Ferraz (IFF), Ribeirão Preto/SP, Brasil (2013); Arredores e Rastros, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro/RJ, Brasil (2010); e Cristina Canale, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo/SP, Brasil (2007). Participou da 6ª Bienal de Curitiba, Curitiba/PR, Brasil (2011), e da 21a Bienal Internacional de Arte de São Paulo, São Paulo/SP, Brasil (1991), na qual recebeu o Prêmio Governador do Estado. Recebeu bolsa de artes do Estado de Brandenburg, realizando projeto artístico no Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf (Castelo Wiepersdorf), Wiepersdorf (1993), e bolsa do Deutscher Akademischer Austauch Dienst (DAAD) [Serviço Alemão de Intercâmbio Acadêmico] para estudar na Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, Düsseldorf (1993-1995), ambos na Alemanha. Possui obras em importantes coleções institucionais, como: Coleção Gilberto Chateaubriand – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro/RJ, Brasil; Coleção João Sattamini – Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC-Niterói), Niterói/RJ, Brasil; Instituto Itaú Cultural, São Paulo/SP, Brasil; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP), São Paulo/SP, Brasil; e Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo/SP, Brasil.

Galeria Nara Roesler | São Paulo presents Cabeças/Falantes [Heads/Tellers], solo exhibition by Cristina Canale, structured around an axis constituted by a series of paintings of female heads in classic portrait format. Around this narrative, other artworks unfold with representations of fragments of human figures, parts of the body and everyday gestures.

Removed from their wholes and isolated, these parts acquire another dimension. In recent years, Canale, who arose with the so- called Geração 80 [80s Generation] – has become interested in the female universe, which has been gradually taking over her production. Generally based on everyday scenes, her works result from an elaborate work of composition with masses of color, shifting between figuration and abstraction, opening possibilities for the spectator’s subjective imagination.

In counterpoint to the group of artworks formed by portraits and references to the human body, the artist presents a large (2 x 3 m) canvas of a chair sitting alone amidst the landscape. According to the painter, it is an everyday object that refers to femininity and recalls the seated women by Giacometti. “I have the impression that all of these works revolve around the dichotomy between presence and absence,” Canale observes.

Wagner Malta Tavares na Marilia Razuk, São Paulo

Wagner Malta Tavares apresenta a exposição individual Meteoro na Galeria Marilia Razuk, a partir de 10 de novembro. Dando sequência à sua produção, WMT estabelece relações entre o imaginário POP, a literatura clássica, princípios construtivos e elementos impalpáveis como a luz, o ar em movimento, o calor, o frio e aroma com o intuito de ampliar o campo da arte à procura de uma possível metafisica dos corpos.

Em “Meteoro” WMT apresenta 4 esculturas em tubos de cobre, com diferentes tratamentos, baseadas em esculturas clássicas ou maneiristas. “Discóbolo”, “Mercúrio”, “Vitória” e “Zeus”, são os títulos.

A mostra trás também uma foto em grande formato com aplicação de bronze, que indica um local impossível, mas familiar a todos. Outras 9 colagens com bronze e alumínio sobre papel também compõem a exposição.

Por último, WMT propõe uma edição de pequenos cartazes que trazem no verso o texto de mesmo título “METEORO”, narrativa criada pelo artista.

Todos os trabalhos dessa exposição são resultado do natural desenvolvimento da ocupação “Perfume de Princesa”, realizada em 2016 no Beco do Pinto-Solar da Marquesa-Casa do Olhar, no centro antigo de São Paulo.

SOBRE O ARTISTA

Artista multimídia, Wagner Malta Tavares faz uso do vídeo, escultura, fotografia, desenho, colagem, performance e instalação para dar vazão a sua poética que consiste, em linhas gerais, tornar visível aspectos fundamentais que permeiam as relações entre as pessoas e, entre as pessoas e as coisas do mundo; trazer à experiência sensível aquilo que está latente.

Dentre os trabalhos realizados destacam-se: a individual Herói no Instituto Tomie Ohtake, Panorama da Arte Brasileiro do MAM, e exposições e intervenções internacionais na Bélgica, Portugal, Noruega, Romênia, Estados Unidos e Itália.

Finalista do Prêmio Pipa de 2014 e ganhador dos editais: Prêmio Marcantonio Villaça de aquisição de obras, Conexões Visuais Petrobrás/Funarte e Fundação Iberê Camargo.

Artista residente no The Art Institute of Chicago pela Bolsa Iberê Camargo.

Tem obras nas coleções do MAM-RJ, MAR-RJ, Pinacoteca do Estado de São Paulo e Museu Bispo do Rosário, RJ, Fundação Figueiredo Ferraz e em várias importantes coleções particulares.

Evandro Soares na Referência, Brasília

O artista visual radicado em Goiânia segue em sua investigação poética, distendendo os limites do desenho, da fotografia e da escultura

No dia 7 de novembro, quarta-feira, às 19h, a Referência Galeria de Arte inaugura a mostra Traço expandido, de Evandro Soares, com curadoria de Mario Gioia. Antes da abertura, o artista visual e o curador participam de uma conversa com o público sobre a mostra e os processos criativo e de produção e de uma visita orientada. A exposição fica em cartaz até o dia 30 de novembro, com visitação de segunda a sexta, das 12h às 19h, e sábado, das 10h às 15h. A Entrada é gratuita e a classificação indicativa é livre para todos os públicos. A Referência Galeria de Arte fica na 202 Norte Bloco B Loja 11 – Subsolo, Asa Norte, Brasília-DF. Telefone: (61) 3963-3501.

Esta é a primeira mostra individual do artista em Brasília. Em “Traço expandido”, Evandro Soares apresenta suas mais novas linhas de pesquisa em linguagem e materiais. Extrapolando os limites do papel, o artista apresenta os recentes trabalhos em fotografia sobre ACM – chapa metálica de alumínio composto -, além de desenho e esculturas com linhas de ferro. Para a mostra na Referência, o artista apresenta desenhos, fotografias e site specific.

As obras de Evandro Soares dialogam com processos construtivos que envolvem matemática, geometria e serralheria, dando origem a objetos escultóricos que saem das telas para se projetar no espaço. Com técnica apurada, Evandro Soares reúne em suas obras o conhecimento popular e questões da arte contemporânea. Sua longa trajetória com a serralheria (que confere à sua produção qualidade técnica irrepreensível) se junta às questões que surgem dos códigos construtivistas, minimalistas, do design e da arquitetura.

“Evandro Soares persiste em eleger o elemento-linha como o vetor poético mais vigoroso de sua produção, mas o desenho se traveste agora de outras linguagens”, afirma o curador da mostra Mario Gioia. A produção deixa as páginas em branco e o grafite de seu caderno de artista para se materializar em objeto/instalação, site specific e fotográfico. O desenho, continua Mario, muito presente na produção contemporânea. Mario lembra que na 33ª Bienal de São Paulo, que acontece até 7 de dezembro, as obras Dibujo sin papel (1986), de Gego (1912-1994), e a linha contínua em animação de ,,Betweenness” (2018), de Oliver Laric, são exemplos mais claros de sua importância nas artes visuais.

Formal e simbólico

Na mostra que apresenta na Referência, Evandro dá continuidade a experimentos iniciados no final do ano passado, com a série em que parte de uma base fotográfica – retratando edificações contemporâneas já finalizadas ou sendo erigidas – para construir objetos escultóricos com uma linha predominante de metal que invade o espaço. Do ponto de vista formal, a série é relevante por avançar na investigação visual “nessa zona hibrida e não linear entre distintos suportes”.

Mario afirma que no campo simbólico vale ressaltar a base fotográfica das obras. Ela apresenta uma arquitetura de arranha-céus comum a todas as cidades, onde há uma congestão verticalizada de prédios indistintos entre si, ao que o arquiteto e teórico holandês Rem koolhaas chamou de “cidade genérica”. Quando apresentada em uma cidade como Brasília, “as configurações jogam com outros vetores, como o fracasso da arquitetura de traços modernistas, como índice de agrupamentos urbanos mais organizados e, por que não, de conceitos mais utópicos; as novas edificações quase a totemizar as paisagens predominantemente horizontais do cerrado e de planificações urbanas mais próximas da escala humana; a agressividade e violência advinda dessa estandardização distante de parâmetros de urbanismos mais generosos”, completa o curador.

Conversa e percurso

No dia 7 de novembro, às 17h, artista e curador participam de um encontro com o público interessando em conhecer os processos criativo e de produção de Evandro Soares. O curador acompanhará o a conversa que será seguida de uma visita orientada à mostra. A entrada é gratuita e livre para todos os públicos.

Sobre o artista

De Mundo Novo (BA), Evandro Soares vive e trabalha em Goiânia (GO). Com dois livros já publicados, e obras no acervo do Museu do MAR do Rio de Janeiro, no Centro Cultural da UFG em Goiânia, e no MUnA em Uberlândia constam em seu currículo uma exposição individual internacional na Galeria Trema em Lisboa. Duas individuais institucionais no Museu de Arte e Palácio da Cultura, ambos em Goiânia, e um Solo Show na feira Art Rio. Além de participação em feiras internacionais em Londres, Madrid e Lisboa, se destacam exposições coletivas institucionais no Centro Dragão do Mar em Fortaleza, a TRIO Bienal no Rio, e o MARP em Ribeirão Preto. Entre as principais exposições e prêmios mais recentes, o artista realizou recentemente a mostra “Arquiteturas inventadas”, ArtHall, São Paulo (SP); participou da mostra coletiva “Fronteiras da pintura – Fronteiras da ilusão”, no Museu Correios Brasília (DF); realizou uma instalação a céu aberto no SESC Thermas, Presidente Prudente – SP, das mostras “Labirinto”, coletiva na Referência Galeria de Arte – DF, e da individual “Metadesenhos”, na galeria Trema, Lisboa (Portugal). Além disso, participou das exposições “Triangulações”, no Centro Cultual UFG (GO); Museu De Arte Da Bahia (Salvador); Dragão Do Mar – MAC Museu De Arte Contemporânea do Ceará – Fortaleza (CE); 6º Salão dos artistas sem galeria (SP). Em 2014, foi premiado no Situações Brasília Prêmio de Arte Contemporânea (DF); ARTIGO RIO Prêmio 2014 Solo Projects Acompanhamento Curatorial (RJ); Arte Londrina 3; 39º Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP); LAB O Saber da Linha – exposição coletiva (SP); entre outros.

Sobre o curador

Curador independente, Mario Gioia é graduado pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA-USP). Integrou o grupo de críticos do Paço das Artes desde 2011, instituição na qual fez o acompanhamento crítico de Luz Vermelha (2015), de Fabio Flaks, Black Market (2012), de Paulo Almeida, e A Riscar (2011), de Daniela Seixas. Foi crítico convidado de 2013 a 2015 do Programa de Exposições do CCSP (Centro Cultural São Paulo) e fez, na mesma instituição, parte do grupo de críticos do Programa de Fotografia 2012. Em 2015, no CCSP, fez a curadoria de Ter lugar para ser, coletiva com 12 artistas sobre as relações entre arquitetura e artes visuais. Já fez a curadoria de exposições em cidades como Brasília (Decifrações, Espaço Ecco, 2014), Porto Alegre (Ao Sul, Paisagens, Bolsa de Arte, 2013), Salvador (Fragmentos de um discurso pictórico, Roberto Alban Galeria, 2017) e Rio de Janeiro (Arcádia, CGaleria, 2016), entre outras. Em 2016, a sua curadoria para a mostra Topofilias, no Margs (Museu de Arte do Rio Grande do Sul), em Porto Alegre, foi contemplada com o 10º Prêmio Açorianos, categoria desenho. É colaborador de periódicos de artes como Select e foi repórter e redator de artes visuais e arquitetura da Folha de S.Paulo de 2005 a 2009. De 2011 a 2016, coordenou o projeto Zip'Up, na Zipper Galeria, destinado à exibição de novos artistas e projetos inéditos. Na feira ArtLima 2017 (Peru), assinou a curadoria da seção especial CAP Brasil, intitulada Sul-Sur, e fez o texto crítico de Territórios Forjados (Sketch Galería, 2016), em Bogotá (Colômbia).

José Pedro Croft na Raquel Arnaud, São Paulo

Convidado por Daniel Feingold, o artista plástico português José Pedro Croft (Porto, 1957), um dos maiores expoentes da arte europeia, expõe na galeria Raquel Arnaud, desenhos, gravuras e duas esculturas inéditas projetadas para a exposição.

A exposição Um corpo impermanente, em parceria com a galeria carioca Mul.ti.plo Espaço Arte, é, na verdade, constituída de trabalhos de arte que como corpos se medem com a nossa própria escala e usam a arquitetura como mediação.

O espaço da galeria interessa particularmente a Croft, pelas particularidades que traz. Nesse mergulho, os trabalhos bidimensionais (gravuras e desenhos) tentam fixar uma forma, delimitá-la, trabalho inglório, pois ainda não é, ou que já não é - comenta o artista. Afinal são corpos em construção, compostos por planos e linhas. Vetores que se complementam, e se anulam simultaneamente. A partir da mesma estrutura que se repete e altera, num caminho que se pretende estreito, para daí ampliar possibilidades do espectador.

Há também duas obras tridimensionais. Uma escultura que é como uma coluna, cruzamento de dois planos transparentes, ergue-se de forma obliqua a partir do chão, quase tocando o teto da galeria. Elementos em vidro, delimitam o espaço “interior” desta cruz, jogos de falsas simetrias, de obstrução com transparências e reflexos. Esse corpo impermanente, frágil e maior, contido provisoriamente pela arquitetura.

Uma escultura, esta de canto repete uma cruz, que se agarra à arquitetura como uma prótese. O vazio e os espelhos rebatem e multiplicam a estrutura. Ao mesmo tempo são ativadas e deslocadas porções de espaço. Pela altura em que a obra está instalada, o nosso corpo fica diretamente envolvido.

O crítico Luiz Camillo Osório olhando suas obras recentes, vê a presença de um pensamento arquitetônico às avessas, em que a gravidade é enfrentada em nome da leveza e de uma espécie curiosa de fabulação material: no qual os materiais usados parecem contrariar sua vocação original e assumem sempre uma perversão espacial, apostando nos vazios e nos espelhamentos, nos fazendo ver possibilidades do material e do espaço a sua volta, que de inicio pareciam-lhes vedadas, completa o professor.

José Pedro Croft (Porto, 1957) vive e trabalha em Lisboa. Estudou pintura na ESBAL (Escola Superior de Belas Artes de Lisboa) e escultura com João Cutileiro. A sua obra transita sem hierarquias entre escultura, desenho e gravura. Realizou diversas exposições individuais e coletivas, desde 1980. Está representado nas seguintes coleções: Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear (Espanha), Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal), Fundação EDP (Portugal), Fundação Luso-Americana (Portugal), Fundação de Serralves (Portugal), Secretaria de Estado da Cultura (Portugal), Fundació La Caixa (Espanha), Caixa Geral de Depósitos (Portugal), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Espanha), Museu Berardo (Portugal), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Brasil), Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil), Caja Madrid (Espanha), Banco de Espanha (Espanha), Banco Central Europeu, Sammlung Albertina (Áustria), Centre Georges Pompidou (França). No Brasil realizou ainda individuais no MAM – RJ (2006), Pinacoteca SP (2009), Paço Imperial RJ (2015), Capela do Morumbi, SP (2015). Jose Pedro Croft representou ao Portugal na Bienal de Veneza 2017, com curadoria de João Pinharanda.

Daniel Feingold na Raquel Arnaud, São Paulo

A Galeria Raquel Arnaud encerra as atividades em 2018 com uma exposição de pinturas de Daniel Feingold - Estruturas e Pinturinhas, comemorando os 25 anos do artista em seu elenco. Em diferentes suportes, escalas e materiais, o pintor carioca apresenta um conjunto de obras que estabelece narrativas construtivistas entre o espaço e seus desdobramentos, planos cromáticos e suas dobraduras, revelando um jogo pictórico fundamental à compreensão da poética do artista.

No térreo, Feingold exibe uma seleção com cerca de sete obras da série “Estrutura”. São pinturas em grande formato realizadas com esmalte sintético sobre terbrin. O esmalte sintético, tinta de matéria espessa e de resolução direta e rápida, é utilizada pelo artista desde o início da década de 90, quando ganhou uma bolsa de estudos do governo brasileiro para fazer o mestrado no Pratt Institute, em Nova York. Curiosamente, foi numa exposição na Galeria Raquel Arnaud, em 1998, a primeira vez que Feingold apresentou seus trabalhos com esse material.

O uso do esmalte sintético se opunha à pintura diáfana produzida até então. A ambição pela estética da pureza, segundo o artista, deu lugar à busca por uma unidade pictórica que parte do que o crítico Luiz Camillo Osório chamou de “acaso controlado”. Daniel Feingold não usa pincel. Seu método consiste em escorrer o esmalte sintético do topo das telas através de uma lata com um bico na parte superior. É o gesto de sua mão que vai determinar a quantidade de tinta despejada para tentar conduzir aquilo que é incerto. A pintura ocorre nesse processo original, onde a geometria ao mesmo tempo organiza e confunde o olhar, criando um jogo óptico no qual não se consegue distinguir figura, fundo ou mesmo os limites das linhas criadas pelo escorrimento.

Segundo Paulo Sergio Duarte, que assina o texto da exposição, “Há toda uma paciência e uma espera. Há um tempo contido em cada linha de cor que se derrama sobre a superfície. Quando o vemos, parece congelado, mas não está; essa queda de cada linha, em direção ao limite do quadro, nos transmite um lento sentir que nos penetra e nos ensina a não aderir aos sôfregos apelos do cotidiano”, afirma o crítico.

Já no piso superior estão trabalhos em pequena escala, a maioria produzida em 2018. São cerca de 12 obras da série “Pinturinhas”, realizadas em bastão a óleo sobre tela e mais 12 desenhos em bastão a óleo sobre papel. Segundo o artista, essas obras são uma espécie de reação subjetiva ao comportamento sempre objetivo do esmalte industrial. Uma necessidade de criar situações estéticas mais afetivas com uma matéria clássica, a tinta à óleo, que se opõe completamente ao caráter industrial do esmalte sintético. Se nas “Pinturinhas” o que interessa é a liberdade pictórica e cromática, a convulsão e permissão ao erro no gesto realizado com o bastão, nos desenhos o que se vê é uma continua exploração acerca das formas. São obras de organização mais contida, concretas, que revelam como a formação de arquiteto permite pensar a arte de uma forma não desconectada da arquitetura e do design.

Daniel Feingold (Rio de Janeiro, 1954), vive e trabalha no Rio de Janeiro. Formou-se em Arquitetura e Urbanismo nas Faculdades Integradas Silva e Souza, em 1983. Fez diversos cursos, entre eles o de História da Arte com o crítico Ronaldo Brito, na Universidade Federal do Rio de Janeiro (1988-1992), o de Teoria da Arte e Pintura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro (1989-1990), e o “Núcleo de Aprofundamento”, programa de um ano no estúdio de pintura dessa mesma Escola (1991). Em 1993 ganhou uma bolsa de estudos do governo brasileiro para fazer o mestrado no Pratt Institute, em Nova York. Desde 1991 realizou várias exposições individuais, como “Projeto Macunaíma”, no Instituto Brasileiro de Arte Contemporânea (Ibac) do Rio de Janeiro (1992), “Espaço Empenado”, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2002), “Pintura”, no Centro Universitário Maria Antonia (São Paulo, 2003), e na Galeria Raquel Arnaud, em 1996, 1999, 2002 e 2006. Em 2011, expôs individualmente no Atelier Sidnei Tendler, em Bruxelas, na Bélgica. Também participou de exposições coletivas, como “Aprofundamento”, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (Rio de Janeiro, 1991); 15º Salão Carioca e 17º Salão Nacional de Artes Plásticas (Rio de Janeiro, 1991), tendo obtido em ambas o 1º prêmio; “Crossing Lines – Art in General”, em Nova York; “O Beijo”, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 1998); “Gestural Drawings”, na Neuhoff Gallery (Nova York, 2000), e 5ª Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2005). Em 2007 integrou a mostra coletiva do “Minus Space” (New York based website & gallery, do qual é membro desde 2003), em Sydney, na Austrália. Em 2010 participou de coletiva no Centro de Arte Maria Teresa Vieira, Rio de Janeiro. A Galeria Raquel Arnaud representa Feingold desde 1993.

Campos de Invisibilidade no Sesc Belenzinho, São Paulo

A partir de 8 de novembro, o Sesc Belenzinho oferece ao público a exposição Campos de Invisibilidade, um olhar provocador sobre a concretude das estruturas tecnológicas no funcionamento do mundo e a maneira como isso se relaciona com a terra, os corpos e territórios. Com curadoria de Cláudio Bueno e Ligia Nobre, e assistência de Ruy César Campos, a mostra reúne 23 trabalhos de 18 artistas nacionais e estrangeiros.

As obras exploram aspectos da infraestrutura tecnológica ainda ignorados pela maioria dos proprietários de smartphones e computadores ao redor do mundo. De fato, quem já parou para pensar a respeito de temas tais como: de que países específicos partem os cabos de dados que abastecem nossas atividades digitais?; é mesmo imaterial a nuvem que armazena selfies e fotos de família?; quem decide a ordem dos resultados que aparecem para uma pesquisa na internet?

Idealizada por Cláudio Bueno e Ligia Nobre, a mostra reúne fotografias, vídeos, áudios, mapas e instalações de artistas que questionam a imaterialidade das tecnologias digitais e o mito de um mundo imaterial, expondo as manifestações físicas dessas estruturas. Para os curadores, à medida que as tecnologias digitais se tornam tão presentes em nosso cotidiano, como a água ou a eletricidade, o debate sobre ela, e seus mecanismos de controle e exploração da vida e da terra, se torna igualmente necessário.

“Se o mundo inteiro já está fazendo a narrativa elogiosa ao universo da tecnologia, essa mostra vem adicionar uma perspectiva crítica”, explica Cláudio Bueno. Serão exibidas obras de artistas que pautam e situam esse debate a partir de contextos específicos, como Tabita Rezaire (França/Guiana Francesa/África do Sul) Cristine Takuá (Brasil), Louis Henderson (Reino Unido – com obra sobre Agbogbloshie, em Gana) e Emma Charles (Inglaterra).

Cinco maneiras de refletir sobre as infraestruturas tecnológicas

A exposição foi dividida em cinco núcleos – o primeiro, Nova Praia do Futuro, reúne trabalhos dos artistas Emma Charles, Louis Henderson, Tabita Rezaire, Julio Plaza e Ruy Cézar Campos, e desconstrói o mito da nuvem imaterial. O nome do núcleo faz referência à praia de Fortaleza, no Ceará, que recebe os cabos submarinos que conectam digitalmente o Brasil ao mundo.

Por meio das obras dessa seção, o espectador vai descobrir também que Gana, na costa oeste da África, recebe periodicamente toneladas de lixo eletrônico, provenientes principalmente da Europa, sugerindo uma prática reversa ao colonialismo (neste caso, são africanos que extraem metais valiosos da matéria vinda das metrópoles europeias), além da prática conhecida como Sakawa, em que pessoas hackeiam dados e contas bancárias.

Em Adeus a Sete Quedas – o nome faz referência a um poema de Carlos Drummond de Andrade – os artistas Carolina Caycedo (Inglaterra/Colômbia), Ruy Cézar Campos e o coletivo Territorial Agency (Inglaterra) abordam como a extração do petróleo, o represamento de água, a mineração e a produção de carvão representam um “estupro à terra”, nas palavras de Cristiane Takuá, cineasta indígena presente em um dos áudios expostos.

Em Ouroboros, o terceiro núcleo, estão em pauta melancolia, alienação, esgotamento e transformações dos corpos, conexões e a incessante busca por sentido nas obras de Jon Rafman (Canadá) e dos brasileiros Aretha Sadick, Bruno Mendonça, Denise Agassi e Felix Pimenta. Sadick, que combina em seus trabalhos referências a Grace Jones, afrofuturismo, teoria ciborgue e cultura drag, fará uma performance na abertura da exposição, além de oferecer uma oficina de figurinos e narrativas junto à equipe de atividades educativas do Sesc Belenzinho.

Cosmogramas apresenta trabalhos de Kabila Aruanda (Brasil), Louis Henderson, Alan Turing (Inglaterra), Ada Lovelace (Inglaterra), Rita Wu (Brasil) e Déborah Danowski (Brasil). As obras exploram espiritualidade, relação com a terra e os diversos modos de se relacionar – a arquiteta e designer Rita Wu, membro-fundadora do Fab Lab (Laboratório de Fabricação Digital) da FAU-USP, expõe três diagramas que pensam a comunicação a partir da observação de bactérias e de outras espécies. A artista mostra que há uma estrutura relacional semelhante às lógicas de consenso e confiança presentes no universo da blockchain.

A última seção, intitulada Visualizações do mundo, exibe mapas de aviões em tempo real no espaço aéreo, mapas das rotas de navios, um gráfico de movimentações da Bolsa de Valores de São Paulo, mapa de cabos submarinos e minas abandonadas. Os mapas evidenciam a presença física e massiva da infraestrutura tecnológica no funcionamento da vida hoje. Para os curadores, há o desejo de estimular o espectador a alargar o campo de reflexões e percepções sobre noções de geografia, ecologia, estética, política, espiritualidade, informação, soberania etc.

Também faz parte da mostra uma pequena biblioteca com 20 títulos de pesquisadores e artistas referências para o estudo. Eles atravessam os campos da tecnologia, da geografia, da arte, do design, da ecologia, das comunicações e das relações sociais.

Os curadores

Cláudio Bueno é artista, pesquisador e agenciador de projetos culturais. Corealiza hoje as plataformas Intervalo-Escola e Explode!. Recebeu premiações, participou de residências, exposições e falas públicas em instituições nacionais e internacionais, como: Hessel Museum/ CCS Bard (EUA); Delfina Foundation e Whitechapel Gallery (Inglaterra); Humboldt-Universität (Alemanha); Itaú Cultural, Videobrasil e Tomie Ohtake (Brasil), dentre outras. É doutor em artes visuais pela ECA-USP.

Ligia Nobre é arquiteta, agenciadora de projetos culturais e pesquisadora das intercorrências entre arte, design e arquitetura. Foi curadora adjunta da X Bienal de Arquitetura de São Paulo (2013) e dirigiu a plataforma exo experimental org, que promoveu pesquisas, residências artísticas, publicações e exposições. Atualmente é professora na Escola da Cidade e doutoranda no Programa de Estética e História da Arte da Universidade de São Paulo, com pesquisa sobre desenhos-rituais e modos de existência afro-brasileiros.

Junto a Carol Tonetti e Vitor Cesar, Cláudio e Ligia compõem o Grupo Inteiro. Desde 2014, reúne profissionais de diferentes formações e práticas em arquitetura, design, arte, comunicação, aprendizagem e tecnologia, estabelecendo condições de diálogos públicos por meio de proposições estético-políticas informadas por diferentes redes, plataformas e projetos, realizados por seus integrantes e colaboradores. O grupo se apresentou na mostra Playgrounds 2016 (MASP/Sesc SP) e na exposição Campos de Preposições (Sesc SP), em parceria com a CSM - Central Saint Martins de Londres, e atualmente desenvolve a obra Correspondance (Pro-Helvetia e FAR°, na Suíça).

50 anos de realismo no CCBB, São Paulo

O Centro Cultural Banco do Brasil de São Paulo apresenta entre os dias 7 de novembro de 2018 e 14 de janeiro de 2019 a exposição 50 anos de realismo – Do fotorrealismo à realidade virtual. Com curadoria de Tereza de Arruda, a mostra tem como ponto inicial a realidade e sua representação através da pintura, da escultura e da realidade virtual. A mostra segue para Brasília em fevereiro e Rio de Janeiro em maio de 2019.

“A proposta possui um caráter de ineditismo, pois o fenômeno da representação da realidade na arte contemporânea nunca foi tratado partindo do fotorrealismo, sendo este aprimorado através do hiper-realismo, seguido da perspectiva de expansão futura através da realidade virtual”, diz a curadora.

Com cerca de 90 obras, de 30 artistas brasileiros e internacionais, a mostra ocupará todos os espaços expositivos do CCBB São Paulo. A seleção tem início com a primeira geração de pintores do foto e hiper-realismo, incluindo nomes que participaram da “Documenta” de Kassel em 1972, pioneira ao dar visibilidade a essa tendência no campo internacional. Entre os artistas desta fase estão John Salt e Ralph Goings.

A exposição segue com pintores de vários países e épocas, dedicados às linhas contemporâneas do hiper-realismo. Neste segmento, as obras são subdivididas em retrato, natureza-morta, paisagem e paisagem urbana e estão artistas como Ben Johnson, Craig Wylie, Javier Banegas, Raphaella Spence, Simon Hennessey e o brasileiro Hildebrando de Castro.

Obras tridimensionais de escultores do hiper-realismo de diferentes gerações mostram a representação realista do ser humano. Postas lado a lado com o público, essas esculturas criam um diálogo desconfortável entre ser e aparentar. São três os artistas deste segmento: o brasileiro Giovani Caramello, o norte-americano John De Andrea e o dinamarquês Peter Land.

Na etapa final de “50 anos de realismo”, obras de realidade virtual são expostas em monitores, projeções espaciais ou mesmo com o uso de equipamentos especializados, como óculos de realidade virtual, de artistas como Akihiko Taniguchi, Bianca Kennedy e Fiona Valentine Thomann. Elas propagam, em sua concepção e existência, elementos e temas semelhantes aos abordados pelas pinturas e esculturas selecionadas pela mostra.

Daniel Senise na Silvia Cintra + Box4, Rio de Janeiro

Inaugura no dia 8 de novembro a nova individual de Daniel Senise na galeria. Biógrafo reúne pinturas e fotografias que possuem um elemento de ligação entre si, um retângulo no centro da tela. Esse retângulo reaparece, de alguma forma, em todas as obras da exposição com tratamentos e materiais diferenciados.

Um retângulo dentro do retângulo da própria tela, é a ideia central da série “Biógrafo”, que também dá título à exposição. Essa série começou a ser feita por Senise em 2013 e será composta por 85 obras, que o artista tem feito desde então. Na exposição serão apresentados três “biógrafos” inéditos.

As outras pinturas da mostra retratam interiores de grandes museus e os quadriláteros representam as pinturas expostas nesses espaços. Serão três telas que reproduzem o Museu de Nantes e a Capela Rothko, em Houston, EUA.

A técnica das pinturas é a mesma que o artista tem utilizado desde o início dos anos 2000. Com um tecido bem fino, Senise “imprime” o chão de espaços abandonados e recolhe resíduos e vestígios que mostram o acúmulo de memória, e o que sobrou daquele espaço e do tempo. Com poeira, cola e outros restos, o artista vai criando diferentes tonalidades de tecido e depois com uma espécie de marchetaria vai recriando esses espaços na tela.

Além das pinturas, a exposição terá uma série de fotografias. São imagens feitas em 2014, nas obras em andamento no antigo Hospital Matarazzo em São Paulo, sobre as quais Senise sobrepõe placas de madeira recolhidas no próprio espaço e que estão representadas nas imagens.

África revisitada na Zipper, São Paulo

O curador Alfons Hug traz à Zipper uma seleção de trabalhos que estiveram no maior panorama da arte contemporânea africana já exibido no país, a coletiva “Ex Africa”, que itinerou pelas sedes do CCBB durante 2018. Com trabalhos de J. D. 'Okhai Ojeikere (Nigéria, 1930-2014), Leonce Raphael Agbodjelou (Benin, 1965), Nástio Mosquito (Angola, 1981) e Karo Akpokiere (Nigéria, 1981), a mostra África revisitada, aberta a partir de 6 de novembro na galeria, reúne um pequeno vislumbre de um universo imenso e ainda muito inexplorado pelo público no país.

“A identidade africana moderna é marcada por uma diversidade de encontros culturais e interações, por processos de intercâmbio e aculturações. Se, inicialmente, esses processos diziam respeito à Europa e à América, hoje em dia, e acompanhando a globalização, também se estendem a outras partes do mundo. Logo, a arte africana movimenta-se na zona de tensão entre diversos arquivos: tradicionais e modernos, coloniais e pós-coloniais, locais e globais, cosmopolitas e aqueles influenciados pela diáspora”, afirma o curador que, desde a década de 1980, vem curando exposições de artistas do continente africano.

A coletiva na galeria busca as relações entre os trabalhos de quatro artistas de três países da África. Do nigeriano J. D. 'Okhai Ojeikere, a mostra reúne a destacada série de fotografias de penteados femininos que refletem a revolução da estética ocorrida após o processo de independência daquele país nos anos 1960. Ainda no terreno da fotografia, a série “Code Noir” do artista Leonce Raphael Agbodjelou, de Benin, retrata integrantes da comunidade de Porto-Novo, sua cidade natal desenvolvida originalmente a partir de um porto português para venda de escravos. Agbodjelou faz uma narrativa visual da África e de seu processo de colonização, em locações cuidadosamente selecionadas, em busca de registros de um passado esquecido.

Já os desenhos do nigeriano Karo Akpokiere fazem referência à cultura da cidade de Lagos, em uma linguagem visual que remete ao design gráfico e à publicidade presentes naquele ambiente urbano. A mistura de palavras e imagens oferece uma leitura panorâmica dos contextos social, político e religioso predominantes na cidade onde o artista vive e trabalha. Por fim, o vídeo “Hilário” (2016), do angolano Nástio Mosquito, completa o conjunto de trabalhos da coletiva. A vídeo instalação ocupa a sala expositiva do andar superior da galeria. Multifacetado, o trabalho cria linguagens híbridas que percorrem os universos da música, poesia e artes visuais.

“A arte contemporânea africana deu as costas a dois preconceitos longamente estabelecidos: de um lado, o estigma do artesanato e da ‘arte de aeroporto’ e, de outro, as referências etnológicas. Como em toda parte, também na África a arte encontra-se em um permanente processo de renovação criativa”, afirma o curador.

A coletiva “África revisitada” fica em cartaz até 12 de janeiro de 2019.

Sobre o curador

Alfons Hug (Hochdorf, Alemanha, 1950) é curador e crítico de arte. Foi diretor do Instituto Goethe, em Lagos (Nigéria), Medellín (Colômbia), Caracas (Venezuela), Moscou (Rússia) e Brasília (Brasil). Radicado no Brasil, desenvolve projetos no país desde 1992. Possui longa trajetória como curador de bienais: Bienal de São Paulo (2002 e 2004); Pavilhão brasileiro na Bienal de Veneza (2003 e 2005), Bienal do Mercosul (2018); Representação brasileira da Bienal de Cuenca (2004); Bienal do Fim do Mundo (Ushuaia) (2009); Bienal de Curitiba (2011); Pavilhão latino-americano da Bienal de Veneza (2011, 2013 e 2015); Bienal de Montevideo (2012, 2014 e 2016). De 2002 a 2015, dirigiu o Instituto Goethe do Rio de Janeiro.

Pedro Motta na Luisa Strina, São Paulo

Galeria Luisa Strina tem o prazer de anunciar Jardim do Ócio, mostra individual de Pedro Motta. Aberta de 8 de novembro até 22 de dezembro de 2018, a exposição é a terceira de Motta na galeria, seguindo Campo Fértil, em 2012, e um projeto solo em 2007. Na mostra atual, o artista apresenta a série inédita Jardim do Ócio, composta por cerca de 70 fotografias produzidas entre 2012 e 2018. Trata-se de um registro de aspectos da topografia de fachadas de construções da periferia de São João del-Rei, suspensão do tempo/espaço, lapso, adiamento de um projeto de futuro.

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Em Jardim do Ócio, ao explorar as redundâncias arquitetônicas pelo interior de Minas Gerais, Pedro Motta combina o cunho documental, evidenciando as semelhanças e recorrências entre as construções, com o registro da inventividade de soluções informais (por vezes em consonância com o descaso em relação às ruínas recentes), que conferem individualidade a cada uma. O jardim que Motta nos apresenta não é um jardim ameno, prazenteiro. Ele não se presta necessariamente ao deleite, uma vez que concentra-se na aridez de uma paisagem modelada pelo sujeito que a habita. Assim, essa espécie de arqueologia do tempo presente opera paradoxalmente: tanto como estímulo à imaginação, espaço da fruição e liberdade, quanto ao lugar da impossibilidade.

Na ocasião da abertura da exposição, haverá o lançamento do livro Natureza das coisas, editado pela UBU e organizado por Rodrigo Moura, com design de Elaine Ramos, ensaios e textos críticos de Rodrigo Moura, Ricardo Sardenberg, Eduardo de Jesus, Agnaldo Farias, Ana Luisa Lima, Luisa Duarte, Nuno Ramos, Kátia Lombardi, Cauê Alves e José Roca.

Pedro Motta (Belo Horizonte, 1977) graduou-se em desenho pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) em 2002. Iniciou sua atividade artística pesquisando as estreitas relações entre cidade e indivíduo. Entre suas principais exposições individuais destacam-se Jardim do Ócio, Galeria Luisa Strina (São Paulo, 2018), Naufrágio calado, Bendana-Pinel Art Contemparain (Paris, 2018), Estado da natureza, CâmeraSete (Belo Horizonte, 2016), Natureza das coisas, 9º BES Photo, Museu Coleção Berardo (Lisboa, 2013), Reacción natural, Centro de Exposiciones Subte (Montevidéu, 2011), e no 27º Salão Nacional de Arte de Belo Horizonte/Bolsa Pampulha (Belo Horizonte, 2004). Também esteve em coletivas como Past/Future/Present, Phoenix Art Museum (2017); Feito poeira ao vento – fotografia na Coleção MAR, Museu de Arte do Rio (MAR-RJ) (2017); Les imaginaires d’un monde intranquille; Centre d’Art Contemporain de Meymac (2017); Soulèvements, Jeu de Paume (Paris, 2016); TRIO Bienal, Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro (CCBB RJ, 2015); 18º Festival Internacional de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil – Panoramas do Sul (São Paulo, 2013); 1ª Bienal de Fotografia do Museu de Arte Assis Chateaubriand (Masp, São Paulo, 2013); Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP, 2011); Peso y Levedad, Photoespaña, Instituto Cervantes (Madri, 2011); 2ª Bucharest Biennale (2006); e Fotografia Contemporânea Brasileira, Neue Berliner (2006).

Motta foi contemplado com o 6º Prêmio Marcantônio Vilaça (2017), a Bolsa ICCo/SP-Arte (2015), a residência Flora ars+natura (2013), o 9º BES Photo Museu Coleção Berardo (2011), o Prêmio Ibram de Arte Contemporânea (2011) e a Residency Unlimited/Nova York (2011).

Seus trabalhos integram acervos de instituições como MAM-SP; MAM-RJ; MAM-BA; MASP; Sesc-SP; MAR-RJ; Museu Coleção Berardo (Lisboa); Centro de Fotografia de La Intendência de Montevideo; Musée d’Art Modern et Contemporain, Liége, Bélgica and Itaú Cultural. Em 2010, lançou o livro Temprano (Funarte), uma retrospectiva de mais de dez anos de percurso.

Galeria Luisa Strina is pleased to announce Jardim do Ócio [Garden of Idleness], Pedro Motta’s upcoming solo show. On view from 8 November 2018 through 21 December 2018, this exhibition is Motta’s third solo at the gallery, following Campo Fértil [Fertile Field], in 2012, and a project in 2007. In this exhibition, Pedro will show his unseen series Jardim do Ócio [Garden of Idleness], composed of about 70 photographs. It is a record of the aspects of the topography of façades of buildings in the periphery of São João Del-rei, suspension of time / space, lapse, postponement of a future project.

In Jardim do Ócio, in exploring the architectural redundancies in the interior of the Minas Gerais state, Pedro Motta combines documentary evidence, showing the similarities and recurrences between constructions, with the record of inventiveness of informal solutions (sometimes in keeping with the neglect of to the recent ruins), which confer individuality to each. The garden that Motta presents to us is not a mild garden, pleasant. It does not necessarily allow itself to delight, since it concentrates in the aridity of a landscape modeled by the subject that inhabits it. Thus, this kind of archeology of the present time operates paradoxically: both as a stimulus to the imagination, a space of fruition and freedom, as the place of impossibility.

Pedro Motta (Belo Horizonte, 1977) graduated in Drawing at Fine Arts School of the Federal University Of Minas Gerais (UFMG) in 2002. He began his artistic activity researching the close relations between city and individual. Most relevant solo shows include Jardim do Ócio, Galeria Luisa Strina (São Paulo, 2018), Naufrágio calado, Bendana-Pinel Art Contemparain (Paris, 2018), Estado da natureza, CâmeraSete (Belo Horizonte, 2016), Natureza das coisas, 9th BES Photo, Museu Coleção Berardo (Lisbon, 2013), Reacción natural, Centro de Exposiciones Subte (Montevideo, 2011), and the 27th Salão Nacional de Arte de Belo Horizonte/Bolsa Pampulha (Belo Horizonte, 2004). His work was part of many group shows such as Past/Future/Present, Phoenix Art Museum (2017); Feito poeira ao vento – fotografia na Coleção MAR, Museu de Arte do Rio (MAR-RJ) (2017); Les imaginaires d’un monde intranquille; Centre d’Art Contemporain de Meymac (2017); Soulèvements, Jeu de Paume (Paris, 2016); TRIO Bienal, Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro (CCBB RJ, 2015); 18º Festival Internacional de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil – Panoramas do Sul (São Paulo, 2013); 1st Bienal de Fotografia do Museu de Arte Assis Chateaubriand (MASP, São Paulo, 2013); Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP, 2011); Peso y Levedad, Photoespaña, Instituto Cervantes (Madrid, 2011); 2nd Bucharest Biennale (2006); and Fotografia Contemporânea Brasileira, Neue Berliner (2006).

Motta was awarded the 6th Marcantônio Vilaça Prize (2017), Bolsa ICCo/SP-Arte (2015), the Flora ars+natura residency (2013), the 9th BES Photo Museu Coleção Berardo (2011), the Ibram Contemporary Art Prize (2011) and Residency Unlimited/New York (2011).

Collections holding his work include: MAM-SP; MAM-RJ; MAM-BA; MASP; Sesc-SP; MAR-RJ; Museu Coleção Berardo (Lisbon); Centro de Fotografia de La Intendência de Montevideo; Musée d’Art Modern et Contemporain, Liége, Bélgica and Itaú Cultural. In 2010, the book Temprano was launched (Funarte), a retrospective of more than ten years of work.

Clarissa Tossin na Luisa Strina, São Paulo

Galeria Luisa Strina tem o prazer de anunciar Azul Maia, exposição individual de Clarissa Tossin. Aberta de 8 de novembro até 22 de dezembro de 2018, a exposição é a terceira individual de Tossin, seguindo Transplantado (VW Brasília) em 2014 e Gasto em 2011.

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A mostra conta com trabalhos inéditos das séries Os Maias e Encontro das Águas, além do vídeo Ch’u Mayaa [Azul Maia]. Os Maias explora (re)apropriação, (má)representação e (má)tradução em uma série de esculturas baseadas no The Mayan Theatre em Los Angeles – exemplo prototípico do estilo arquitetônico moderno conhecido como Mayan Revival dos anos 1920 e 1930 nas Américas, que co-optou arquitetura e iconografia das culturas mesoamericanas pré-colombianas. Impressões em silicone das paredes e portas do interior do cinema são combinadas com gestos figurativos emprestados de outras imagens maias, particularmente a de performers que adornam vasos de cerâmica e murais. Usando materiais sintéticos que fazem referência a cosmologia maia, como imitação de pelo de jaguar, pena de quetzal, pele de cobra e gesso tingido no lugar de cerâmica, a série de esculturas explora a qualidade performática das antigas construções maia realçando o conteúdo falso das imagens impressas no silicone.

Já os trabalhos da série Encontro das Águas tomam seu nome da confluência dos rios Negro e Solimões no porto da cidade de Manaus – por quase seis quilômetros as águas pretas e bege correm paralelas umas às outras, mas não se misturam. O Porto de Manaus serve como outro tipo de ponto de confluência: o de capital estrangeiro e tradições locais. Centro do boom da borracha no Brasil no século XIX, a cidade tornou-se uma zona de comércio livre em 1957 como alternativa para combater a estagnação econômica sofrida após o declínio da economia extrativista da borracha. Hoje, Manaus abriga um parque industrial com fábricas de empresas como Apple, Coca-Cola e Honda. Tossin explora o impacto da industrialização e da cultura material dos grupos indígenas da região criando réplicas em cerâmica de objetos manufaturados na região como garrafas de Coca-Cola, pneus de motocicletas, iPhones, e outros artigos eletrônicos. A artista também usa tiras de caixas da Amazon.com para fazer cestas que referem ao patrimônio da tecelagem Baniwa. Ao combinar materiais e usos de objetos tradicionais e modernos, Tossin nos convida a pensar no impacto da globalização. A indústria estrangeira revitalizou a região, mas somente depois de fali-la no passado; a indústria traz dinheiro, mas também polui a paisagem e desconsidera a cultura local, transformando Manaus em um dos milhares de centros de produção em todo o mundo que alimentam nosso crescente apetite por mais.

Finalmente, o vídeo Ch’u Mayaa responde à influência negligenciada da arquitetura maia na Hollyhock House de Frank Lloyd Wright. A construção é tomada como um templo e impregnada com uma coreografia baseada em gestos e posturas encontradas em objetos arqueológicos maia. Através dos movimentos da performer, a casa é reivindicada como pertencente à linhagem arquitetônica mesoamericana pré-colombiana.

Exposições individuais recentes incluem: Encontro das Águas, Blanton Museum of Art, Austin (EUA, 2018); When the Land Speaks, MSU Broad Museum, East Lansing (EUA, 2018); The Mayan, Commonwealth and Council, Los Angeles (EUA, 2017); Stereoscopic Vision, Ezra and Cecile Zilkha Gallery – Wesleyan University, Middletown (EUA, 2017); Brasília Teimosa, Galeria Baobá, Fundação Joaquim Nabuco, Recife (2015); Streamlined: Belterra, Amazônia / Alberta, Michigan, Museum of Latin American Art, Long Beach (2015).

Exposições coletivas recentes incluem: 12th Gwangju Biennial (Coréia do Sul, 2018); Pacha, Llaqta, Wasichay, Whitney Museum of American Art, New York (EUA, 2018); Mon Nord est Ton Sud, La Kunsthalle, Mulhouse (França, 2018); The House Imaginary, San Jose Museum of Art, San Jose (EUA, 2018); Emerald City, K11 Art Foundation, Hong Kong (China, 2018); Condemned To Be Modern, part of Getty Foundation’s Pacific Standard Time: LA/LA – LAMAG, Los Angeles (EUA, 2017); Mundos Alternos: Art and Science Fiction in the Americas, part of Getty Foundation’s Pacific Standard Time: LA/LA, California Museum of Photography – University of California, Riverside (EUA, 2017); Lives Between, Center for Contemporary Art, Tel Aviv (Israel, 2017), KADIST, San Francisco (EUA, 2017); United States of Latin America, Museum of Contemporary Art, Detroit (EUA, 2015); ­Unsettled Landscapes, SITE Santa Fe Biennial (EUA, 2014); Made in L.A. 2014, Hammer Museum, Los Angeles (EUA, 2014).

Coleções das quais seu trabalho é parte incluem: Whitney Museum of American Art, Nova York; Harvard Art Museums, Cambridge; Smith College Museum of Art, Northampton; Kadist Art Foundation, São Francisco/Paris; e The Museum of Fine Arts, Houston.

Galeria Luisa Strina is pleased to announce Maya Blue, Clarissa Tossin’s upcoming solo show. On view from November 8, 2018 through December 21, 2018, this exhibition is Tossin’s third solo at the gallery, following Transplanted (VW Brasília), in 2014, and Gasto, in 2011.

The show features previously unseen works from the series The Mayan and Meeting of Waters; as well the video Ch’u Mayaa [Maya Blue]. The Mayan explores (re)appropriation, (mis)representation, and (mis)translation in a series of sculptures based on The Mayan theater in Los Angeles – a prototypical example of the late 1920s Mayan Revival style, designed by Francisco Cornejo, that co-opted the architecture and iconography of pre-Columbian Mesoamerican cultures. Silicone imprints of the walls and doors are combined with cast figurative gestures borrowed from other Mayan imagery, particularly that of dancers that adorn ceramic vessels.

The works from the series Meeting of Waters take their names from the confluence of the rivers Negro and Solimões at the port of the Brazilian city of Manaus. Beginning in the late nineteenth century, Manaus became the center of the rubber boom and the most industrialized city in Brazil; until approximately 1912, when the British turned to alternative rubber sources and Manaus became impoverished. Following a decade of deregulation that began in 1957, the city became a Free Trade Zone and now hosts the manufacturing plants of such companies as Apple, Coca-Cola and Honda Motorcycles. Tossin explores this complicated history through a range of objects that speak to the impact of industrialization and the material culture of the indigenous groups in the area, crafting replicas of iPhones and Coca-Cola bottles out of terra cotta, a material used to create utilitarian objects such as pots and food storage containers by a variety of indigenous communities. By conflating the materials and uses of traditional and modern objects, Tossin asks us to consider the impact of globalization. The artist uses the refuse of commodity culture, strips of Amazon.com boxes, to make baskets that refer to the Baniwa weaving heritage.

The exhibition concludes with Ch’u Mayaa, a video that responds to the overlooked influence of Mayan architecture on Frank Lloyd Wright’s Hollyhock House by re-appropriating the building as a temple, and imbuing it with a dance performance based on gestures and postures found in ancient Mayan pottery and murals. Through the movement of a female dancer the house is re-signified as belonging to Pre-Columbian Mesoamerican architecture lineage.

Recent solo shows include: When the Land Speaks, MSU Broad Museum, East Lansing (USA, 2018); Meeting of Waters, Blanton Museum of Art, Austin (USA, 2018); The Mayan, Commonwealth and Council, Los Angeles (USA, 2017); Stereoscopic Vision, Ezra and Cecile Zilkha Gallery – Wesleyan University, Middletown (USA, 2017); Brasília Teimosa, Galeria Baobá, Fundação Joaquim Nabuco, Recife (2015); Streamlined: Belterra, Amazônia / Alberta, Michigan, Museum of Latin American Art, Long Beach (2015).

Recent group shows include: The House Imaginary, San Jose Museum of Art, San Jose (USA, 2018); Mon Nord est Ton Sud, La Kunsthalle, Mulhouse (France, 2018); 12th Gwangju Biennial (South Corea, 2018); Pacha, Llaqta, Wasichay: Indigenous Space, Modern Architecture, New Art, Whitney Museum of American Art, New York (USA, 2018); Emerald City, K11 Art Foundation, Hong Kong (China, 2018); Condemned To Be Modern, part of Getty Foundation’s Pacific Standard Time: LA/LA – LAMAG, Los Angeles (USA, 2017); Mundos Alternos: Art and Science Fiction in the Americas, part of Getty Foundation’s Pacific Standard Time: LA/LA, California Museum of Photography – University of California, Riverside (USA, 2017); Lives Between, Center for Contemporary Art, Tel Aviv (Israel, 2017), KADIST, San Francisco (USA, 2017); Meta Modern, The Palm Springs Art Museum (USA, 2016), Orlando Museum of Art (USA, 2015), SMOCA Scottsdale Museum of Contemporary Art (USA, 2015), Krannert Art Museum, Illinois (USA, 2015); United States of Latin America, Museum of Contemporary Art, Detroit (USA, 2015); ­Unsettled Landscapes, SITE Santa Fe Biennial (USA, 2014); Made in L.A. 2014, Hammer Museum, Los Angeles (USA, 2014).

Collections holding her work include: Kadist Art Foundation, San Francisco/Paris; The Museum of Fine Arts, Houston; Whitney Museum of American Art, New York; Smith College Museum of Art, Northampton and Harvard Art Museums, Cambridge.