Tecnopolíticas

A exposição Cinético_Digital, por Monica Tavares e Suzete Venturelli

A exposição Cinético_Digital

MONICA TAVARES E SUZETE VENTURELLI

Com curadoria de Monica Tavares e Suzete Venturelli, a exposição Cinético_Digital, realizada no Instituto Itaú Cultural de São Paulo, foi configurada para ser um ambiente de exploração histórica, estética e educativa. Foi pensada a partir de três grandes eixos conceituais: a arte computacional, as instalações e a arte nas redes, que, respectivamente, estão na base das produções de Waldemar Cordeiro, Abraham Palatnik e Julio Plaza.

A mostra pretendeu apresentar como os procedimentos criativos desses três artistas pioneiros fundamentam o surgimento da arte digital no Brasil. Melhor dizendo, a proposta foi identificar como os procedimentos por eles utilizados já indicavam, de modo precursor, os caminhos e percursos que sustentam a produção contemporânea brasileira de arte digital. Nesta perspectiva, enfocando o "como" cada obra foi executada, a exposição fundamentou-se na linha de reflexão acerca de como os meios, códigos e linguagens utilizados condicionam o modo de formar do artista. Tomando como base as influências antes referidas, foi feito um recorte da atual produção da arte digital brasileira. A curadoria selecionou trabalhos de artistas que têm se destacado por utilizar as novas tecnologias eletrônicas como potencializadores poéticos e na contramão do finalismo instrumental.

Cada um dos três módulos foi tratado de maneira específica no espaço disponível da exposição, sendo de per si identificado por uma respectiva cor, com vistas a conduzir o visitante a uma compreensão das similaridades e diferenças das trajetórias criativas inerentes às obras selecionadas, se comparadas com os procedimentos utilizados pelos artistas veteranos. Em cada um dos três andares da exposição, foram dispostos os trabalhos de cada artista pioneiro. Tais trabalhos abrem o espaço dialogando com a produção dos artistas convidados. Em razão da importância e da contribuição das obras dos três precursores para o desenvolvimento da arte digital brasileira, cada eixo conceitual foi representado por um daqueles três artistas que, conseqüentemente, encabeçou uma determinada diretriz operacional de criação (mesmo que esta não necessariamente delimite o conjunto da sua obra). Desse modo, cada eixo processual foi representado e identificado por uma determinada cor (vermelho, verde ou azul).

No propósito de salientar como cada obra foi produzida, relacionando-a às dominâncias processuais inerentes a cada módulo, os trabalhos dos artistas convidados, a depender da poética proposta, poderão estar vinculados a cada uma das três cores (vermelho, verde e/ou azul), estabelecendo o seu relacionamento lógico ou de dependência com um ou mais grupos conceituais. Em razão do caráter híbrido dos novos meios digitais, cada obra poderá então manter uma ligação estreita com cada módulo, o que possibilita destacar as diretrizes processuais de criação a elas inerentes. Desta maneira, propôs-se como conduta para a disposição dos trabalhos da produção contemporânea uma leitura dos mesmos por meio da relação com as cores representativas dos eixos conceituais, no intuito de conduzir o público a uma maior compreensão dos procedimentos criativos característicos das realizações recentes. Procedimentos estes, já trabalhados e indicados de modo pioneiro nas obras de Waldemar Cordeiro, Abraham Palatnik e Julio Plaza.

Além do mais, na pressuposição de que no fazer artístico mediado pela tecnologia, os processos desenvolvidos e os produtos daí gerados exigem de quem cria uma familiarização com modelos tecno-científicos, a curadoria procurou também mostrar como a arte ao se relacionar com os domínios da ciência e da tecnologia torna-se um campo interdependente de exploração. Seguindo esta trilha, admitiu como premissa que ao conceito tradicional de artista incorporam-se outros papéis, como por exemplo, o de programador.

Não esquecendo que, como dizia Plaza (1998:8), "a arte (produto) não é pesquisa (stricto sensu), mesmo que esta faça parte (lato-senso) de seu processo", cabe referir que os trabalhos criativos da nova geração de artistas são resultados de investigações e indagações por eles elaboradas nos principais laboratórios de arte e tecnologia das universidades do Brasil. As pesquisas por eles desenvolvidas acerca das matérias-primas e dos procedimentos heurísticos, referendando o que admitia Plaza (1998:8), devem assim aparecer como suporte, caminhando na perspectiva de se caracterizar "como meio e não como fim".

Neste sentido, considerando a condição precípua que é a de "ter a consciência de que não se está fazendo ciência" (Plaza, 1998:7), a meta buscada por esses artistas tecnológicos, na intenção por alcançar o "equilíbrio entre norma e forma" (Plaza, 1998:12), é justamente a de manter o "compromisso com as qualidades do objeto que cria" e não a de priorizar o pressuposto de retratar "a verdade do conhecimento do objeto" (Plaza, 1998:8). E é aqui que se deve refletir sobre a diferença conceitual que existe entre a idéia de "tecnologia como arte" e a de "arte como tecnologia" (Plaza, 1998:29), premissa esta minimamente requerida e intencionada na seleção dos trabalhos da exposição Cinético_Digital.

O objetivo pretendido foi expor obras na proposta de subverter crítico e criativamente o aparelho produtor que fossem, ademais, representativas dos seguintes eixos processuais: arte computacional, instalações e arte nas redes.

No módulo arte computacional, os trabalhos de Waldemar Cordeiro (1925-1973) abrem o espaço dialogando com a produção dos artistas convidados. Ele foi um dos pioneiros da arte computacional no Brasil. Foi também um expoente da arte visual concreta brasileira, influenciando vários artistas com base na idéia de que o conteúdo da obra deve ser representado de modo concreto pela linguagem artística. Seu processo de criação procurava, entre outros aspectos, relacionar as idéias artísticas ao conhecimento da ciência e ao desenvolvimento tecnológico de sua época. O método por ele utilizado está na base dos processos de criação e pesquisa de artistas computacionais da atualidade. De forma geral, seu percurso criativo abrangia a transformação das retículas de imagens fotográficas em valores numéricos, o processamento algorítmico e a geração da imagem, propriamente dita. A primeira fase era realizada de modo manual com base na sobreposição de uma retícula sobre a imagem original ampliada. Em seguida, definiam-se os dados para a criação da matriz alfanumérica a ser armazenada na memória do computador. Com isto, criava-se enfim o algoritmo para tratamento dos seus dígitos, do qual resultavam diferentes possibilidades imagéticas. Como representantes do princípio estruturador do módulo arte computacional, que preconiza uma tensão entre a poética e a utilização de modelos de programação, foram vinculadas as produções dos artistas Carlos Vicente Fadon, Tânia Fraga, Diana Domingues, Mario Maciel, entre outras.

No módulo instalações, são os trabalhos de Abraham Palatnik (1928) que iniciam o percurso do visitante. O princípio orientador do módulo diz respeito às propostas de mediação entre obra e receptor, pensadas desde a arte cinética.

Quando começou sua pesquisa cinética no contexto da arte, Palatnik estava experimentando novos caminhos sobre as relações sensoriais e perceptivas entre obra e espectador. Devido a esse fato, suas idéias passaram a ser referências fundamentais na criação da arte interativa. Nos cinéticos de Palatnik, o movimento real da própria obra, construído por meio de artefatos industriais-mecânicos, é utilizado como princípio poético. Este é perseguido na intenção de provocar diferentes modos de organização da sensibilidade, os quais visam capturar o receptor por meio da renovação de práticas receptivas.

Há muito, o teórico Frank Popper (1980:11-14) já dizia que a intervenção do espectador dentro do processo estético varia do nível primário de participação lúdica ao nível mais elaborado de uma participação total. Tal engajamento mobiliza as suas capacidades e faculdades contemplativas, perceptivas e locomotoras. Segundo o autor, a passagem da atitude contemplativa ao comportamento ativo, que afinal solicita e incorpora o receptor tanto mental quanto fisicamente, tem correlação direta com a noção de environment, considerada como o lugar de encontro privilegiado de fatos físicos e psicológicos que animam o universo do receptor. É nesta perspectiva que os cinéticos de Palatnik, considerados como máquinas artísticas que propõem o movimento como forma de ludicamente capturar o receptor, já indiciam no Brasil e avant la lettre a problemática da mediação entre obra e receptor.

Por outro lado, ao considerarmos os cinéticos de Palatnik como representantes deste princípio conceitual, a proposta foi também enfatizar as possíveis relações que o seu trabalho estabelece com as questões de desmaterialização e desaparecimento do objeto artístico tradicional que, conforme Popper, estão na base do conceito antes referido de environment. Ou seja, de um ambiente estrategicamente proposto que prevê uma participação mais acrescida do espectador, considerando a possibilidade do uso de novos materiais como forma de um engajamento mais total. Este princípio criativo está na base dos trabalhos dos artistas Gilbertto Prado, Milton Sogabe, Raquel Kogan, Mario Ramiro, entre outros relacionados ao eixo das instalações.

Na entrada do módulo arte nas redes, são apresentados os trabalhos selecionados de Julio Plaza (1938-2003). Um dos interesses deste artista se situava na possibilidade de organizar, produzir e veicular imagem pelos sistemas de redes. Ele encontrou nos meios de comunicação, como o slow-scan, o videotexto, o computador, aliados poderosos para suas experimentações artísticas. Sua obra, bastante rica, representada na exposição pela utilização da holografia, da arte computacional e de sistemas de rede, demonstra claramente o vigoroso processo de colaboração com os poetas concretistas e o forte interesse pelas questões da tradução intersemiótica. De maneira geral, o artista buscava experimentar as potencialidades que os novos meios oferecem como sistema de criação artística. É inegável e precursora sua contribuição no que concerne às poéticas da distância. Ao propor uma ruptura com as formas e os métodos tradicionais de exposição da arte, tais poéticas colocam em trânsito as diferentes culturas na direção de que a redução da distância física conduz à tendência de nivelamento planetário de repertórios. A web arte, representante mais atual destes processos criativos, firma-se hoje como um espaço de realização artística, aberto para o mundo. Algumas obras que mantêm vínculo com o módulo arte nas redes são as realizadas pelos artistas Giselle Beiguelman, Sílvia Laurentiz, Douglas de Paula, Lúcia Leão, Cleomar Rocha, entre outros.

No conjunto da exposição, os trabalhos da produção contemporânea (no total de 28) foram distribuídos, de modo sincrônico, pelos três andares da mostra, não sendo proposto um percurso diacrônico e seqüencial para a visita. A vinculação das obras dos artistas convidados aos eixos conceituais da exposição se deu por meio da sua identificação à cor específica de cada módulo. Independente do piso em que estejam localizados, os trabalhos que foram identificados pela mesma cor (enfim, aqueles que estabelecem uma analogia em relação a uma dada diretriz operacional de criação) dialogam entre si. Neste pressuposto, a idéia foi enfatizar o relacionamento lógico das produções recentes com um ou mais dos eixos processuais antes citados, destacando os procedimentos de criação dessas obras e, conseqüentemente, ligando tais condutas criativas àquelas das produções dos artistas pioneiros.

Assim, convidamos todos a conhecerem a exposição Cinético_Digital. Nela, os visitantes poderão interagir com os trabalhos de arte digital realizados por artistas brasileiros, de renome nacional e internacional, como também poderão apreender como as obras de Abraham Palatnik, Waldemar Cordeiro e Julio Plaza configuram-se, no âmbito nacional, como precursoras e inovadoras das relações entre arte, ciência e tecnologia.

Referências bibliográficas

PLAZA, Julio. Arte/Ciência. In: PLAZA, Julio; TAVARES, Monica. Os processos criativos com os meios eletrônicos: poéticas digitais. São Paulo: Hucitec, 1998. p.3-12.
PLAZA, Julio. As imagens digitais. In: PLAZA, Julio; TAVARES, Monica. Os processos criativos com os meios eletrônicos: poéticas digitais. São Paulo: Hucitec, 1998. p.27-60.
POPPER, Frank. Art, action et participation: l'artiste et la creativité aujourd'hui. Paris: Éditions Klincksieck, 1980.

Onde Estão os Cronópios da Arte Tecnológica? no Blog do Itaulab

Onde Estão os Cronópios da Arte Tecnológica? no Blog do Itaulab

Resposta a matéria de Fabio Cypriano de 16 de julho na Folha S. Paulo (veja também no tecnopoliticas) postada originalmente no Blog do Itaulab

A curadoria de exposições de arte tecnológica não é tarefa trivial. Por ser uma forma nascente, as "obras de arte" que se encaixam nessa "categoria" tendem a trafegar numa espécie de terra média das artes, completamente envolta em névoa programática. Público e crítica se sentem, claro, esteticamente vilipendiados e, não raras as vezes, vítimas de um escárnio cósmico dos deuses maquínicos. É o preço que se paga pela evolução (ou devolução?) da história da arte, não afeita a concessões de maneira geral, principalmente depois do advento das "vanguardas". Mas não deixa de causar espécie que, em pleno século 21, a chamada "arte tecnológica" (ou arte em novas mídias, aqui os termos são dúbios) continua causando... Espécie! Mas isso é esperado e mesmo saudável, levando em conta o fator surpresa causado por tudo que é novo. Por outro lado, a crítica está desempenhando seu papel ao detectar ranços de tecnofetichismo na área, como bem o fez Luiz Camillo Osorio em recente crítica a exposição "Corpos Virtuais" (Centro Cultural Telemar), publicada pelo jornal O Globo. No texto, Osorio alerta que "as novas materialidades eletrônicas devem produzir novos espaços e tipos de exposição, senão o fascínio estéril toma conta". O alerta anti-tecnofílico é propositado.

O crítico de arte Fabio Cypriano, do jornal Folha de São Paulo, compartilha das mesmas aflições. Em matéria publicada no último dia 16, referente à exposição Cinético_Digital, ele deixou claro que há na produção recente de arte tecnológica um "certo deslumbre com a tecnologia que, em certos trabalhos, fica mesmo empobrecida perto do desenvolvimento atual dessa tecnologia no cinema, nos videogames ou no próprio cotidiano". O jornalista sugere que ao invés do fascínio tecnológico, os artistas contemporâneos deveriam seguir a senda iniciada pelos pioneiros, que problematizavam a tecnologia. Neste sentido, poderíamos dizer que o Partito Politica Futurista fazia uma crítica sistemática da velocidade automobilística? Como lembrou o escritor austríaco Robert Musil, os futuristas "exigiam o acelerismo, o aumento máximo da velocidade das experiências de vida através da biomecânica esportiva e da precisão acrobática". A crítica de Cypriano seria válida se as etapas de evolução artística estivessem inseridas num "continuum" conceitual e programático, mas esse não é o caso. Outra pergunta é: qual seria a dose certa da "problematização"? Algo entre o luditismo puro e o uso subversivo dos aparelhos? Ou algo entre um neofuturismo tecnofílico e um retro-vanguardismo tecnofóbico? A calibração proposta é complexa, mesmo sendo realizada em conjunto por artistas, público, curadoria e críticos navegando na mesma navilouca, o que, em se tratando de arte tecnológica, não é um trocadilho. De certa forma, a crítica de arte tecnológica pode acabar beneficiando as curadorias num movimento de "feedback loop", termo que explica como o fonógrafo influenciou, no início do século passado, a performance dos músicos de câmera, que passaram a corrigir seus maneirismos ao escutarem a gravação de suas apresentações, da mesma forma que os jogadores de futebol aperfeiçoam suas técnicas ao verem o replay de seus lances.

A questão curatorial é um elemento importante de todo o imbróglio. No Brasil (e, numa certa extensão, no mundo) a experiência curatorial no campo da arte tecnológica ainda é rarefeita. Mesmo no exterior, as preocupações continuam a todo o vapor. Um exemplo notório é o simpósio "Curating, Immateriality, Systems: On Curating Digital Media", recentemente realizado no Tate Modern, evento onde se discutiu, entre outras coisas, as várias maneiras de selecionar obras de net art, peças de arte em constante mutação que são produzidas de forma distribuída, como ilustra bem o modelo de Paul Baran. Qual seria a maneira correta de conciliar o espaço público dos museus que abrigam essa forma de arte com o ciberespaço público das redes? Luiz Camillo Osorio, na mesma matéria do jornal O Globo, responde que hospedar exposições na rede é "dar-lhes desdobramentos novos e imprevisíveis". Outra questão importante é: como as obras coletivas inseridas na rede podem ser arquivadas, já que essa é uma das atribuições principais de museus e instituições? Uma solução interessante foi apresentada no Tate Modern por Joasia Krysa, professora de mídia digital na Universidade de Plymouth, Inglaterra. O Kurator, explica Joasia, é um banco de dados de softwares de net art, que podem ser alterados e incrementados de maneira constante, como o são os softwares livres.

E quanto às estratégias curatoriais? Será possível, por exemplo, unir esforços e realizar uma curadoria de arte tecnológica em âmbito internacional, sem impasses geopolíticos? Uma experiência interessante foi contada por Susanne Jaschko, numa extensão do transmediale em Santiago, Chile, em 2003. No transmediale-extended.01, sua co-curadoria foi confrontada com modos de pensar, métodos e velocidade de trabalho completamente diferentes. Ao invés de abolir as idiossincrasias, o conselho curatorial resolveu mantê-las, criando dois níveis complementares de perspectiva: o local e o forasteiro. Outro aspecto fundamental é o tema e os recortes de exposições de arte tecnológica. Um evento que vale observar de perto é o Futuresonic 2005, também na Inglaterra. Unindo música eletrônica, exposições e simpósios, o conceito do evento estaria mais próximo do que Fabio Cypriano chama de "problematizar" a tecnologia. Na exibição "Fuzzy Logic", por exemplo, vários artistas computacionais mostram de forma inventiva e "politizada" como as máquinas téxteis do século 19 inspiraram os primeiros computadores.

Festival @rt Outsiders 2005 :// Brasil Digital na Maison Européenne, França

Festival @rt Outsiders 2005 :// Brasil Digital
André Parente, Diana Domingues, Eduardo Kac, Katia Maciel, Otávio Donasci, Raquel Kogan, Réjane Spitz, Servulo Esmeraldo, Videobrasil

28 de setembro a 16 de outubro de 2005

Maison Européenne de la Photographie
82, rue François Miron, 75004, Paris - França
01 44 78 75 20 ou le.guillanton@art-outsiders.com
www.art-outsiders.com

Festival @rt Outsiders 2005, :// Brasil Digital

A partir du 28 Septembre prochain, la Maison Européenne de la Photographie invite ses visiteurs à un voyage au cœur de la création digitale brésilienne à l'occasion de la saison culturelle initiée par l'AFAA.

Parallèlement aux expositions photo consacrées aux monstres sacrés que sont Carlos Freire et Miguel Rio Branco, lê Festival @rt Outsiders se propose de présenter les travaux de pionniers qui associent les nouveaux médias à leurs recherches artistiques.

Si ces artistes brésiliens n'ont comme seul dénominateur commun que l'originalité de leur démarche, leurs œuvres offrent un saut dans l'imaginaire qui reflète toutes les mutations en cours. Qu'il s'agisse de nos habitudes de pensée, de nos nouveaux désirs, de notre quotidien ou de l'influence des changements radicaux des valeurs de notre société, ces installations soulèvent des questions fondamentales, au-delà de la virtuosité avec laquelle ces artistes manient l'outil numérique.

Autrement dit, la création digitale brésilienne ne se résume pas à l'expérimentation: avec l'interactivité, la téléprésence, la réalité augmentée, l'holographie numérique, la vidéo, l'art cinétique ou la vie artificielle, des fenêtres s'ouvrent sur l'éternel rêve de l'artiste considéré comme un démiurge, capable de changer notre vie et de transformer le monde. Installations, performances, projections apporteront donc un précieux éclairage sur une expression artistique souvent ignorée du grand public.

Un catalogue bilingue anglais-français évoquera l'importance de ces nouvelles pratiques artistiques qui se situent au carrefour d'enjeux esthétiques, scientifiques, sociaux, et politiques qui constituent une source d'inspiration de cette nouvelle génération d'artistes.

1 - Créature Immersive performance d'Otávio DONASCI

Avec VideoCriatura Imersiva (Créature-Vidéo Immersive) Otávio Donasci propose un tête-à-tête dês plus intimistes avec une créature étrange et improbable déambulant en maillot de bain pour mieux suggérer la magie des plages de Copacabana. Coiffée d'un casque à deux entrées dans lequel on est invité à placer son visage, cette créature nous entraîne dans une aventure sensorielle hybride, à mi-chemin entre le monde virtuel que l'on observe et les sensations réelles que l'on perçoit grâce à de subtiles artifices. Une téléportation exceptionnelle au cœur du Brésil qui se tiendra à la Maison Européenne de la Photographie le 28 Septembre de 16h à 20h !

2 - Réflexion installation interactive de Raquel KOGAN

"Réflexao" (Réflexion) est une œuvre formelle, um dispositif multimédia dans lequel des séries de chiffres blancs défilent sans discontinuer sur un mur noir ainsi que sur les silhouettes mouvantes des spectateurs immergés dans l'installation. Démultipliant le mouvement, la profondeur de champ, modifiant notre perception de l'espace, les numéros montent ou descendent, évoluent sur plusieurs plans et différentes surfaces, se reflétant sur un miroir d'eau comme autant d'ondes verticales. Les effets ont lieu quand on ne les attend pas, au moment où la réalité de notre perception engendre des illusions.

3 - Les Excitables, dispositifs interactifs électrostatiques de Servulo ESMERALDO

Depuis 1967, année de la création du premier Excitable (Excitáveis), Servulo Esmeraldo détourne les objets et les matériaux les plus communs ou les plus inattendus pour réaliser des tableaux-objets qui sont tout à la fois des œuvres abstraites, mais également des dispositifs électrostatiques. Il s'agit en effet de frotter avec la paume de la main la surface de ces tableaux sensibles, pour produire de l'énergie électrostatique et animer ainsi chaque œuvre d'effets cinétiques visuels.

4a - SN(H)AK(R)ES et 4bTerrarium de Diana DOMINGUES

Deux dispositifs interactifs qui mettent en avant des recherches sur les environnements virtuels, la téléprésence et la vie artificielle. SN(H)AK(R)ES, consultable sur le site internet www.artoutsiders. com, nous propulse au beau milieu d'um élevage de serpents situé à Caxias do Sul, l'université brésilienne où l'artiste mène ses recherches. Un reptile factice placé parmi ses congénères est muni d'une caméra. Ou qu'il soit dans le monde, l'internaute interagit sur cet environnement. L'interface lui permet em effet de piloter le leurre et de constater sur un écran, grâce à la retransmission de l'image, quelles sont les répercussions de ses actions sur les autres animaux.

Terrarium est inspiré par un rituel pratiqué par des Indiens vivant dans la région du Mato Grosso, au sud du Brésil. Cette cérémonie qui fait appel aux forces invisibles du cosmos consiste à partager la vie des animaux en créant un monde parallèle, il a pour but de régénérer la nature. Dans ce dispositif multimédia connecté au web, l'internaute ou le visiteur peuvent créer à leur tour un monde virtuel peuplé de serpents. Les reptiles, rampant dans l'espace d'exposition, disposent alors de leur propre autonomie comportementale, grandissent et évoluent au sein d'une communauté artificielle régit par les cycles naturelles qui président à l'organisation du vivant.

5 - Quando ? holopoème numérique d'Eduardo KAC

Avec cette œuvre, réalisée en 1987 et présentée au public pour la première fois en France, Eduardo Kac nous invite à une méditation sur l'espace et le temps. Cet hologramme monolithique qui tourne sur son axe, révèle et cache, alternativement, les mots du texte ; il faut ainsi attendre 2 rotations complètes pour saisir l'intégralité du poème. Parallèlement au paradoxe visuel dont cet espace holographique est l'objet, la frontière entre le mot et l'image prend une dimension temporelle propice à la rêverie. Entre signification verbale et beauté formelle, le texte a été conçu pour être lu sous n'importe quel angle, mais une structure de base permet de déchiffrer le poème soit dans le sens des aiguilles d'une montre, soit dans le sens inverse, offrant ainsi de multiples interprétations.

6 -Videobrasil présente un cycle de vidéos brésiliennes programmées par Solange FARKAS

Image extraite de Souvenir de Marcelo Braga L'association culturelle Videobrasil a pour principal objectif de promouvoir la production artistique contemporaine en ouvrant de nouveaux espaces dediffusion et de réflexion au Brésil. Solange Farkas, sa présidente, a sélectionné pour le Festival @rt Outsiders, une série de vidéos d'auteurs qui témoignent de la créativité de cette génération d'artistes brésiliens engagés dans le renouveau des arts visuels. Les œuvres présentées ici témoignent d'un souci constant de recherche formelle, sans pour autant sacrifier la profondeur, l'émotion ou la sensualité sur l'autel de l'innovation technologique. Des films projetés en boucle durant toute la durée de la manifestation.

7 - One, none and a hundred thousand, installation interactive de Katia MACIEL

Comme dans la nouvelle de Pirandello : One, none and a hundred thousand (Un, personne et cent mille) dont Katia Maciel s'est inspirée, cette œuvre multimédia nous confronte à des relations amoureuses dénuées de sens. Dans cette installation interactive, on peut faire et défaire les couples, s'approprier ou redistribuer ces fragments de discours amoureux. Cependant, le principe de cette œuvre s'appuie sur des dialogues où les mots sont vidés de leur sens, réduits à des clichés. L'idée est alors de produire du sens à partir de la répétition de phrases creuses, reliées entre elles de manière aléatoire.

8 - Visorama d'André PARENTE

Le Visorama est une installation basée sur un système de réalité augmentée, c'est un observatoire cybernétique dynamique et interactif qui permet à l'observateur de faire un véritable voyage spatiotemporel. Le dispositif est en effet constitué d'un grand écran sur lequel on voit notamment apparaître la baie de Rio de Janeiro; c'est alors qu'André Parente parvient à bouleverser nos repères en mettant à notre portée lê plus fameux des panoramas brésilien grâce à une paire de jumelles qui permet non seulement d'observer les détails du paysage mais également d'interagir avec cet environnement virtuel comme s'il était réel.

9 - Qu'aimeriez-vous manger ? installation interactive de Réjane SPITZ

Você tem fome de que ? (Qu'aimeriez-vous manger ?) s'intéresse aux causes sociales, économiques et politiques de la faim, à ses défis, ses conséquences et ses solutions possibles. Réjane Spitz a interviewé une centaine de personnes issus de contextes économiques différents qui font état de leurs besoins et de leurs désirs, parlent de la conscience (ou de l'ignorance) qu'ils ont des chiffres terribles sur la faim, échangent des idées sur lês manières possibles de la réduire ou de l'éradiquer dans un pays ou près de 44 millions de personnes vivent sous le seuil de pauvreté. Réalisée dans l'esprit d'un selfservice, l'installation est délibérément basée sur les dernières innovations numériques car elle se réfère à l'utopie des années 70 qui voulait que la révolution technologique soit un facteur de partage de richesses à l'égard des pays les plus défavorisés.

Arte & Controle de Materiais Biológicos no Brasil: Vale a Pena Dialogar?, por Dolores Galindo

Arte & Controle de Materiais Biológicos no Brasil: Vale a Pena Dialogar?

DOLORES GALINDO (1)

O grupo Critical Art Ensemble (CAE) é bem conhecido entre nós, seja por seus trabalhos em mídia tática, seja pela sua atuação na área de biotecnologia (2). Em virtude das novas leis contra o terrorismo em vigência nos Estados Unidos, Steve Kurtz, um dos seus membros, vem sendo investigado pelo FBI (3). A acusação repousa na posse ilícita de materiais biológicos que estavam sendo usados para trabalhos artísticos, nada que um laboratório biológico de ensino médio não pudesse abrigar em suas aulas.

Segundo a acusação atual, Steve Kurtz obteve o material sem seguir os protocolos de biossegurança. Como? Teria contado com a participação de um cientista que também está sob investigação. O artista haveria recebido os materiais do cientista que ao fazê-lo violou o contrato que o impedia de ceder o material sob seu controle. A prática de trocas de materiais biológicos entre acadêmicos não é nova e integra ou, pelo menos, já integrou o cotidiano de vários cientistas. O caso de Kurtz em nada difere dos demais, recebeu o material de um colega de profissão.

Obviamente a motivação do inquérito policial excede o reconhecimento da quebra das regras de biossegurança. A acusação inicial ao artista havia sido de bioterrorismo uma vez que junto ao material biológico, os policiais apreenderam equipamentos laboratoriais que vinham sendo usados nas últimas performances do grupo. Mostrando-se impossível de ser sustentada, a acusação passou a ser assentada sobre as bases da regulamentação de biossegurança vigente no país.

O CAE não é o primeiro grupo a fazer uso de materiais biológicos em trabalhos artísticos (4) e a resposta desproporcional da autoridade policial norte-americana nos faz pensar que outros artistas que atuam nesta seara podem vir a sofrer acusações deste tipo. Bem, podem não ser acusados de um crime, mas há probabilidades de que sejam solicitados a apresentar registro dos materiais biológicos utilizados, a cumprir requisitos de cursos específicos para o manejo de certas substâncias.

Desconsideradas as possibilidades de acusação ou de demanda de cumprimento de normas, artistas que desejem fazer trabalhos com interface científica, com destaque para a área biológica, podem vir a enfrentar problemas no suprimento de materiais, dificuldades em encontrar parceiros cientistas ou financiamento governamental.

No Brasil, os documentos de referência nacionais fazem alusão aos setores de agropecuária, saúde, meio ambiente e indústria no conjunto das áreas de circulação de materiais biológicos. Como produtos da atuação destes segmentos constam: medicamentos, alimentos, fertilizantes, defensivos e domissanitários. Veja-se quadro constante no Sistema de Avaliação de Conformidade do Material Biológico (5):

O caso de Kurtz aconteceu nos Estados Unidos, mas o deslocamento do problema como uma questão política a ser pensada pelo segmento artístico brasileiro é justificável. Em Primeiro lugar, recentemente temos um movimento organizado pela inclusão da arte e tecnologia nas políticas artísticas brasileiras, abarcando aí um segmento arte e ciência que inclui a bioarte, arte transgênica e a nanoarte. Trata-se da mobilização Arte e Tecnologia cujas ações podem ser acompanhadas na sessão tecnopolíticas do Canal Contemporâneo (6). Em segundo lugar, a legislação brasileira não contempla trabalhos artísticos no conjunto dos segmentos por onde circula material biológico e, nem o poderia, dado que estes ainda não possuem visibilidade governamental - uma das lutas da Mobilização Arte e Tecnologia.

No Brasil, faltam políticas de incentivo à prática artística que envolve materiais biológicos a qual, por suas características, costuma envolver um significativo custo financeiro ou demandar o acesso a laboratórios científicos razoavelmente equipados. Porém, mesmo com todas as dificuldades, estão sendo dados os primeiros passos no uso de materiais biológicos e de recursos de biotecnologia com finalidades artísticas. Na XXVI Bienal de São Paulo, o trabalho Move 36, de autoria de Eduardo Kac, que envolvia a exposição de uma planta transgênica, esteve entre os selecionados. Além disso, no círculo acadêmico, pesquisas têm se voltado para o campo da bioarte, o que aos poucos possivelmente abrirá linhas de financiamento.

Eduardo Kac, em entrevista divulgada no site da Bienal explicava o projeto Move 36, vejamos trecho:

Entrevistador: Quais procedimentos ou processos de trabalho foram necessários para a construção de sua obra [Move 36]?
Eduardo Kac: A instalação apresenta um tabuleiro feito de terra (quadrados negros) e areia branca (quadrados claros) no meio da sala. Não há peças de xadrez no tabuleiro. Posicionada exatamente onde o Deep Blue fez o seu "Lance 36" está uma planta cujo genoma incorpora um novo gene, que eu criei especialmente para esse trabalho. O gene usa ASCII (o código universal do computador, empregado para representar o número binário como caracteres romanos, online e off-line) para traduzir a afirmação de Descartes: Cogito ergo sum ( "Penso, logo existo" ) nas quatro bases da genética (A, C, G, T) (...) (7).

Talvez num futuro próximo, artistas brasileiros enfrentem o desafio de lidar com a tensão entre a legitimação da arte que envolve técnicas de biotecnologia/materiais biológicos e a necessidade de dialogar com a regulamentação do setor que foi criada tendo por base o cotidiano de profissionais, pesquisadores e empresários envolvidos nos segmentos hoje contemplados como passíveis de manipular materiais biológicos. Por material biológico está circunscrito:

"(...) todo material que contenha informação genética, e seja capaz de auto-reprodução ou de ser reproduzido em um sistema biológico. Desta forma, material biológico inclui os organismos cultiváveis e microrganismos (bactérias, fungos filamentosos, algas, vírus, leveduras e protozoários); as células humanas, animais e vegetais; as partes replicáveis desses organismos e células (bibliotecas genômicas, plasmídeos e fragmentos de DNA clonado) e os organismos ainda não-cultivados, assim como os dados associados a esses organismos, incluindo informações moleculares, fisiológicas e estruturais referentes ao material biológico (8)".

O desafio também abarcaria o Ministério da Cultura Brasileiro que teria que ser incluído no conjunto dos ministérios relacionados aos materiais biológicos que atualmente contempla: Ministérios da Agricultura, Pecuária e Abastecimento (Mapa); da Saúde (MS); do Meio Ambiente (MMA); Desenvolvimento, Indústria e Comércio Exterior (MDIC); da Ciência e Tecnologia (MCT); das Relações Exteriores (MRE); das Minas e Energia (MME) e da Justiça (MJ), este último com relação aos aspectos da defesa do consumidor (9).

Os gestores de biossegurança, por sua vez, se enfrentariam com a necessidade de incluir artistas dentre o público convidado aos congressos, aos comitês gestores e demais instâncias de representação. Ou ainda, se veriam impelidos a incluir o segmento artístico entre setores por onde circulam materiais biológicos - na cadeia produtiva do material biológico.

Como justificar a utilização de insumos biológicos com finalidades artísticas? Esta seria uma questão a ser solucionada pelo setor nacional de controle de materiais biológicos que começa a dar passos mais consistentes para a criação de um marco referencial para o Brasil.

Afirmar a necessidade de diálogo entre artistas e o segmento que regulamenta o uso de materiais biológicos é antecipar-se demais a acontecimentos que podem nem sequer vir a ocorrer? A prática artística envolve especificidades que merecem ser consideradas?

Caso seja reconhecida a importância de um diálogo entre artistas e gestores de materiais biológicos, resta saber: o diálogo deveria ser contextual, isto é, em função de tal ou qual trabalho artístico a ser realizado? Ou seria necessário um movimento que legitimasse a atuação artística no uso de materiais biológicos?

Longe de buscar soluções reativas diante do acirramento dos dispositivos de biossegurança norte-americanos ou dos possíveis acirramentos dos dispositivos brasileiros, o que temos pela frente é um trabalho político e reflexivo por realizar. As possíveis respostas, certamente, conectam-se com a distribuição de responsabilidades entre artistas e cientistas: as preocupações com biossegurança e marcos regulamentares devem ser deixadas aos cientistas e aos financiadores dos equipamentos ou devem integrar as práticas artísticas?

Ao invés de solicitar o cumprimento de protocolos de biossegurança a serem seguidos, gostaria de deixar a pergunta: é necessária uma atuação propositiva por parte do segmento artístico na criação de um espaço de diálogo com as instâncias brasileiras de regulamentação do controle de materiais biológicos?

Notas:

1 Psicóloga social, pesquisadora do Núcleo de Estudos e Pesquisas em Práticas Discursivas e Produção de Sentidos PUCSP. Atualmente desenvolve tese de doutorado sobre as relações entre biossegurança e bioarte, sob orientação da Prof. Dr. Mary Jane Spink. Contatos pelo e-mail: tinagalindo@uol.com.br

2 Maiores informações sobre o grupo podem ser obtidas no site http://www.critical-art.net/

3 Para obter subsídios sobre a acusação a Steve Kurtz ou deixar seu apoio, consultar http://www.caedefensefund.org/

4 Para ampla bibliografia sobre a interface entre arte e genética consultar o texto Art and Genetics Bibliography de autoria de George Gessert e disponível no site http://mitpress2.mit.edu/e-journals/Leonardo/isast/spec.projects/art+biobiblio.html

5 BRASIL. Ministério da Ciência e Tecnologia. Sistema de Avaliação da Conformidade de Material Biológico. Brasília, SENAI/DN, 2002. 102 p.

6 http://www.canalcontemporaneo.art.br/tecnopoliticas/archives/cat_abaixoassinado_e_reunioes.html.

7 Entrevista completa pode ser lida no site http://bienalsaopaulo.globo.com/26/professores/26profEK.asp

8 BRASIL. Ministério da Ciência e Tecnologia. Sistema de Avaliação da Conformidade de Material Biológico. Brasília, SENAI/DN, 2002. 102 p.

9 BRASIL. Ministério da Ciência e Tecnologia. Sistema de Avaliação da Conformidade de Material Biológico. Brasília, SENAI/DN, 2002. 102

Trabalhos empobrecem a idéia da tecnologia por Fábio Cypriano

Trabalhos empobrecem a idéia da tecnologia

Matéria de Fábio Cypriano publicada originalmente na Folha de S. Paulo, Ilustrada, no sábado, dia 16 de julho de 2005

Exposição no Itaú Cultural põe a obra de três veteranos como contraponto à produção contemporânea

É bastante reconhecida a importância dos artistas Julio Plaza (1938-2003), Waldemar Cordeiro (1925-1973) e Abraham Palatnik, 77, na interface entre arte e tecnologia, no Brasil. Cada um a seu modo, eles realizaram obras que trouxeram avanços tecnológicos para o campo da arte, sem, no entanto, se renderem a eles. Pelo contrário, os seus trabalhos questionaram os meios, buscando desmistificar a tecnologia.

É emblemático, nesse contexto, "Retrato de Fabiana", que Cordeiro criou como algumas das primeiras imagens digitais no país. Aí, tonalidades de cores foram codificadas por símbolos e transcritas no papel, pura desconstrução da linguagem computacional.

Por isso, não deixa de ser surpreendente o contraponto entre esses três artistas e a produção atual, tal qual pode ser vista na mostra "Cinético Digital", no Itaú Cultural, com curadoria de Monica Tavares e Suzete Venturelli.

A cada um dos veteranos foi selecionado um tema: instalação para Palatnik, arte computacional para Cordeiro e arte nas redes (webarte) para Plaza. Em cada tema, foram agrupados trabalhos, em sua maioria recentes.

Há um deslize conceitual já na primeira sala, pois nomear os "Objetos Cinéticos" como instalação não deixa de ser uma forçação. Os "Objetos Cinéticos" são quadros em movimento que não buscam envolver o observador, como o fazem as instalações.

A questão central é que, enquanto os veteranos buscavam problematizar o uso da tecnologia, ao mesmo tempo que ampliavam seus limites, o que se vê na produção recente em "Cinético Digital" é um certo deslumbre com a tecnologia que, em certos trabalhos, fica mesmo empobrecida perto do desenvolvimento atual dessa tecnologia no cinema, nos videogames ou no próprio cotidiano. É o caso de "Reflexão 2", de Raquel Kogan, que simula os números que escorrem no filme "Matrix", mas no cinema o efeito é muito mais vigoroso.

Pior é quando trabalhos buscam mesclar interação, tecnologia e questão social, como em "Acaso 30", de Gilberto Prado. O trabalho visa prestar homenagem às vitimas da chacina na Baixada Fluminense, em março passado, mas na realização banaliza a temática.

O mesmo ocorre com "Você Tem Fome de quê?", de Rejane Spitz, no segmento de arte computacional. Para que a obra aconteça é preciso pegar uma bandeja, colocá-la ao lado de um computador e passar com um mouse sobre uma imagem com várias letras, chegando-se a depoimentos absolutamente banais. É mais um exemplo do deslumbre pela tecnologia de grande parte dos artistas na mostra, e não do uso crítico, como o faziam os veteranos.

Nesse caso, como em vários outros da mostra, a interação é apenas um padrão de conduta a ser cumprido, mas os resultados ficam aquém da parafernália.
O Itaú Cultural tem entre suas missões estimular a visibilidade da arte e tecnologia, e é importante que tal espaço continue sendo oferecido. Entretanto, segundo a mostra "Cinético Digital" , ou a pesquisa das curadoras não conseguiu reunir o que há de mais significativo ou a produção contemporânea precisa olhar melhor os veteranos, o que, no caso desta exposição, já é uma tentativa.

Cinético-Digital

Onde: Itaú Cultural (av. Paulista, 149, Bela Vista, tel. 0/xx/11/2168-1776)
Quando: de ter. a sex., das 10h às 21h; sáb. e dom., das 10h às 19h; até 11/9
Quanto: entrada franca

Leia mais sobre os trabalhos no Blog do Canal

Ata da reunião de Arte e Tecnologia para eleição dos representantes para o seminário das CSs de Artes Visuais

Ata da reunião de Arte e Tecnologia em 4 de julho de 2005

Aos quatro dias do mês de julho do ano de dois mil e cinco, tendo por local o Fran's Café, localizado a avenida Paulista, número 358, no bairro Cerqueira César, cidade de São Paulo, reuniram-se professores, teóricos, artistas, críticos de arte e curadores para discutir e eleger a representação da área de Arte e Tecnologia junto ao seminário para a formação das Câmaras Setoriais de Cultura de Artes Visuais, conforme convocação do Ministério da Cultura. Estavam presentes na reunião: Caetano Dias, Christine Mello, Daniela Kutschat Hans p/p, Eide Feldon, Flávia Amadeu, Gilbertto Prado, Laurita Salles, Lucas Bambozzi, Marcos Moraes, Marcus Bastos, Maria Beatriz de Medeiros, Maria Luiza Fragoso, Patricia Kunst Canetti p/p, Priscila Arantes, Rachel Rosalen, Rachel Zuanon, Raquel Kogan, Regina Johas, Rejane Cantoni, Renata Vieira da Motta, Tânia Fraga, Vitória Daniela Bousso, Wilma Kiyoko Vieira da Motta, Yara Rondon Guasque Araújo. Foi escolhida para secretariar a reunião, Priscila Arantes. Dando início à reunião, Maria Beatriz de Medeiros relatou que, segundo informações obtidas no Ministério da Cultura (MinC), a representação junto à Câmara Setorial da Cultura de Artes Visuais se dará a partir de uma lista de 20 nomes da área, dois de cada estado, sendo um representante e um suplente. Completou a informação, dizendo que além dos 20 nomes, haverá uma lista de representantes nacionais a ser referendada pelo próprio MinC. Daniela Bousso indicou o nome de Maria Beatriz de Medeiros para ser uma das representantes nacionais, dada a sua atuação anterior na presidência da Associação Nacional dos Pesquisadores em Artes Plásticas (ANPAP) e devido ao fato de residir em Brasília. Também disse que seria importante, a indicação de jovens, artistas, produtores, pessoas da área acadêmica, enfim, militantes da área, para que se pudesse ter uma representação ampla. Voltando a falar, Maria Beatriz de Medeiros disse que cada estado deveria se organizar para ter esses dois nomes conforme orientação do MinC. Acrescentou também da importância de um financiamento para que seja possível a existência de um fórum que reúna as diversas representações regionais. Daniela Bousso relatou que, em reunião realizada anteriormente em São Paulo com a coordenação do MinC das Câmaras Setoriais, foi definida a formatação de um seminário aberto que escolheria os representantes da área de Artes Visuais de maneira democrática. Daniela Bousso salientou que não é o que está sendo proposto nesse momento pelo próprio MinC, que fechou o seminário somente a representantes. Maria Beatriz de Medeiros informou que o MinC define como sendo Artes Visuais as categorias: Artes plásticas (pintura, escultura, gravura), e também, Arte e Tecnologia, Fotografia e Artes Gráficas. Nesse momento, levantou-se o debate sobre a questão de como inserir a Arte e Tecnologia como categoria. Daniela Bousso perguntou se seria interessante manter a Arte e Tecnologia como uma categoria. Maria Beatriz de Medeiros respondeu que sim. Christine Mello sugeriu a nomenclatura de "Arte e Novas Tecnologias". Após um amplo debate envolvendo outros nomes para essa categoria, tais como "Arte em Novas Mídias", "Arte em Mídias Digitais", "Arte Digital", chegou-se a conclusão na fala de Rejane Cantoni que o importante não era o nome, mas que essa categoria focasse nos conteúdos e no histórico da área. Renata Motta lembrou que o grupo já havia discorrido sobre esses conteúdos anteriormente e que constavam da ata dessa reunião anterior e que seria possível resgatar essas definições desse texto para serem incluídos na presente ata (ver anexo, em negrito). Rejane Cantoni levantou a necessidade de se fazer um levantamento de realizações da área, incluindo número de exposições, público participante, número de artistas envolvidos etc, mostrando a relevância da área. Yara Guasque comentou do receio de que esse histórico pudesse acabar legitimando somente a produção do eixo Rio-São Paulo, deixando de fora desse circuito as outras regiões também atuantes nessa área. Gilbertto Prado disse que não era possível negar a atuação de artistas como Julio Plaza no circuito paulista. Yara rebate novamente com a preocupação das áreas fora desse eixo se verem isoladas. Daniela Bousso recorda a mobilização de 2004, que tendo arrecadado mais de 600 assinaturas em todo o país, legitimou o grupo tecnopoliticas.art.br e conformou esse debate em rede para além de uma segmentação geográfica. E que, independentemente dos vínculos institucionais/regionais de cada indivíduo, havia essa entidade representativa comum a todos que era o tecnopoliticas.art.br. Maria Beatriz de Medeiros voltou a insistir na importância de que fossem indicados e eleitos os representantes nacionais e o do estado de São Paulo. Foram inicialmente indicados os nomes de Lucas Bambozzi, Daniela Bousso, Christine Mello e Renata Motta para representação do estado de São Paulo, que declinaram do convite. Na seqüência, foram indicados os nomes de Rejane Cantoni e Priscila Arantes para a representação do estado de São Paulo - respectivamente como titular e suplente - e Maria Beatriz de Medeiros (Distrito Federal) e Patrícia Kunst Canetti (Rio de Janeiro) para a representação nacional - respectivamente como titular e suplente. Todos os indicados foram eleitos unanimemente. Patrícia Canetti por telefone relatou que a reunião de Artes Visuais, que ocorria no mesmo momento no Rio de Janeiro, definiu a existência de um grupo de apoio para os trabalhos que serão realizados até a data do seminário. A partir dessa colocação, se apresentaram para formar o grupo de apoio os seguintes participantes: Renata Motta, Raquel Kogan, Rachel Rosalen, Rachel Zuanon, Daniela Bousso, Marcus Bastos e outros que vierem a se interessar durante o processo. Nada mais havendo a tratar, encerrou-se a presente ata que vai assinada por mim, Priscila Arantes, e pelos demais participantes da reunião.

Priscila Arantes

Anexo 1

Mobilização de Arte Tecnologia
ATA DE REUNIÃO

Aos quatorze dias do mês de março do ano de dois mil e quatro, tendo por local a alameda Casa Branca, número 604, no bairro dos Jardins, cidade de São Paulo, reuniram-se professores, teóricos, artistas, críticos de arte e curadores em repúdio à portaria do Ministério da Cultura que excluiu a área de Arte e Tecnologia da portaria número 01 de 19 de fevereiro de 2004. Referida portaria regulamenta a habilitação das instituições que irão indicar representantes na Comissão Nacional de Incentivo à Cultura (CNIC) e, na prática, definir o acesso às leis de incentivo fiscais federais à cultura. Estavam presentes na mobilização: Angélica de Moraes, Camila Duprat, Christine Mello, Daniela Bousso, Lúcia Santaella, Marcus Bastos, Maria Teresa Santoro, Patrícia Canetti, Priscila Arantes, Raquel Kogan, Raquel Zuannon, Rejane Cantoni, Renata Motta, Tânia Fraga, Wilma Motta e Winfried Noeth. Dando início à reunião, Angélica de Moraes leu a portaria do Ministério da Cultura. A seguir, Daniela Bousso propôs ao grupo presente a criação de uma entidade de arte e tecnologia para representar as necessidades da área junto ao Ministério da Cultura. A idéia foi aceita por unanimidade mas frisou-se que esta é apenas uma solução a médio prazo. Patrícia Canetti lembrou que seria temporalmente inviável a criação de uma nova entidade agora. No momento, há urgência de representatividade do setor no CNIC e, conforme estabelece a portaria 01 de 19/02/2004, as instituições interessadas em solicitar assento no CNIC devem estar em atividade desde 2001. Wilma Motta afirmou que o Instituto Sérgio Motta poderia colaborar, mas que o mais importante seria criar um fórum e ter uma representatividade coletiva junto ao Ministério da Cultura. Angélica de Moraes argumentou que seria importante criar um fórum que fosse uma instituição mais abrangente e que pudesse, junto com o Instituto Sérgio Motta, ser a entidade representativa junto ao MinC. Priscila Arantes pergunta se o Cimid (Centro de Mídias Digitais, da PUC-SP) não poderia ser esta entidade. Tânia Fraga levantou a hipótese, logo aceita por todos, de que essa representatividade do setor fosse feita através da Associação Nacional dos Pesquisadores em Artes Plásticas (ANPAP). A favor dessa solução está a presença da direção da entidade em Brasília, o que facilitará os contatos. Daniela Bousso indica o nome de Tânia Fraga para, a partir da ANPAP, representar o grupo de arte/tecnologia junto ao MinC. Afirma que Tânia Fraga, além de reunir a confiança de todos os membros ali presentes, era um nome com experiência na área de arte/tecnologia e, portanto, capacitada para defender os direitos da classe junto ao MinC. Tânia Fraga propõe ao grupo criar um GT ( grupo de trabalho) de arte/tecnologia na ANPAP, o que foi aceito. Christine Mello lembra o nome de Solange Farkas para integrar o grupo. Daniela Bousso lembra que foi noticiada a ida de Hermano Vianna para um cargo no Ministério da Cultura e que ele, por conhecer as questões relacionadas à área de arte/tecnologia e já ter sido júri do prêmio Sérgio Motta, seria um bom interlocutor para o assunto em pauta. Daniela Bousso sugere que Hermano Vianna receba o documento do grupo, via ANPAP, na pessoa de Tânia Fraga. A proposta foi aceita. Raquel Kogan expôs que a intenção do Ministério da Cultura, de reunir várias entidades para formar a comissão julgadora da Lei Rouanet era boa, mas que havia, em contrapartida, uma falta de conhecimento da área de arte/tecnologia, o que estava nítido na redação da portaria. Patrícia Canetti pergunta quais os passos que o grupo deveria tomar para fazer a modificação na portaria e incluir a arte/tecnologia. A partir deste momento deu-se início às sugestões de modificação no texto da portaria. Conforme ficou estabelecido, deve-se acrescentar à portaria dois itens: o ítem VII e o ítem VIII. O ítem VII deverá se chamar de artes interativas (hipermídia, games, net arte, web arte, arte telemática, comunidades virtuais e ativismo artístico, ambientes imersivos, ambientes interativos, projetos de realidade aumentada e congêneres). O ítem VIII deverá se chamar arte e ciência (nanoarte, bioarte, arte transgênica, simulação computacional, vida artificial, visualização de efeitos físicos e químicos, robótica e congêneres). No ítem II, relativo ao cinema, deveria se acrescentar cinema digital e internet. No ítem VI, relativo a literatura, deveria se acrescentar ciberliteratura. Lembrou-se da importância do documento, na forma de abaixo-assinado, ser divulgado no site do Canal Contemporâneo para obter maior número de adesões. Lembrou-se da importância de se obter a adesão de entidades representativas tais como Paço da Artes, Prêmio Sérgio Motta, universidades (PUC, UNB, UAM, UFRJ, Universidade de Caxias do Sul, Unicamp, UERJ, Senac e outras) Videobrasil, FILE, Itaú Cultural, PaleoTV, entre outras. Ao final da reunião, foram eleitos três nomes para encaminhar o documento, junto com Tânia Fraga, ao Ministério da Cultura: Lúcia Santaella, Patrícia Canetti e Wilma Motta. Levantou-se a questão das despesas com passagens de avião. Sugeriu-se que associados à ANPAP residentes em Brasília (Suzette Venturelli, Maria Beatriz Medeiros) pudessem encaminhar o documento ao MinC e que os nomes eleitos, de grande representatividade em seus segmentos de atuação, encabeçariam as assinaturas do referido abaixo-assinado. Nada mais havendo a tratar, encerrou-se a presente ata que vai assinada por mim, Priscila Arantes, e pelos demais participantes da reunião.