Como atiçar a brasa

Nova Lei Rouanet vai ao Congresso por Ana Paula Sousa, O Povo

Matéria de Ana Paula Sousa originalmente publicada no caderno Vida & Arte do jornal O Povo em 17 de dezembro de 2009.

Em semana movimentada, Ministério da Cultura conclui mudanças na polêmica Lei Rouanet. A proposta deve ser encaminhada em caráter de urgência ao Congresso. Enquanto isso, criação do vale cultura fica para 2010 por pressão da oposição no Senado

O setor cultural já estava desacreditado, e o ministro Juca Ferreira evitava falar sobre o assunto publicamente. Mas, finalmente, o projeto de lei que muda a Lei Rouanet, responsável por movimentar cerca de R$ 1 bilhão por ano, será protocolado no Congresso Nacional.

No final da manhã da última terça-feira (15), o Ministério da Cultura (MinC) recebeu o sinal verde há muito esperado e, às pressas, começou a organizar a cerimônia de entrega do projeto ao Congresso. "Cumpri minha palavra", disse, com certo alívio, Ferreira. 'Fechamos um ciclo do movimento cultural brasileiro".

Também na terça, estavam na boca do Congresso as discussões sobre o Vale Cultura e o Simples, que desonera micro e pequenas empresas culturais. O MinC tinha a expectativa de que ambos fossem aprovados entre até ontem e seguissem para sanção presidencial.

Segundo o secretário-executivo do MinC, Alfredo Manevy, o projeto da Rouanet chega ao Congresso com pedido de tramitação urgente/urgentíssima, que asseguraria a aprovação em 90 dias. Questionado sobre o envio às vésperas do Natal e sobre a discussão em ano eleitoral, Ferreira argumentou: "Foi o tempo necessário. E o Brasil precisa pôr fim ao paradigma de que em ano eleitoral não se trabalha".

Prometida desde o primeiro mandato do governo Lula, a mudança, que deixa apreensivos produtores e artistas, passou por uma consulta pública e, depois, ficou seis meses em fervura no governo. "A área econômica tem dificuldade de compreender as singularidades da cultura", diz Ferreira. "Precisamos nos adequar às metas do governo, mas eu não estava disposto a mudar radicalmente o projeto". O ministro refere-se, sobretudo, ao incremento do fundo público.

A partir de 2010, devem ser disponibilizados, num fundo gerido pelo MinC, R$ 800 milhões. 'O fortalecimento e a desburocratização do fundo é a grande novidade, porque põe fim à busca do patrocínio", diz Manevy. O dinheiro, quase todo do Orçamento, será distribuído por meio de bolsas e prêmios. "Vamos construir uma rede de pareceristas, formada por especialistas de cada área, que escolherá os projetos".

A migração de dinheiro para um fundo divide o setor cultural. Alguns defendem que só assim se abre espaço para manifestações menos moldadas ao mercado, que tendem a encontrar as portas fechadas nas salas dos grandes patrocinadores, interessados em expor suas marcas. Para outros, a centralização de poder nos corredores do ministério pode dar origem a favorecimentos indesejados.

Outra mudança que deve causar ruído diz respeito à exigência de contrapartida empresarial. A proposta prevê que, para usar benefício fiscal, as empresas devam colocar ao menos 20% de recursos próprios num projeto. O texto estabelece três diferentes tetos de renúncia: 40%, 60% e 80%.

"Num primeiro momento, as empresas não eram favoráveis a essa ideia", diz Manevy. "Mas o próprio debate público as levou a isso. Tanto empresas estatais quanto privadas assumiram esse compromisso, então partimos do pressuposto de que manterão investimentos".

Muitos produtores temem, porém, que a medida acabe por afastar os empresários e dificulte ainda mais a captação. Cabe lembrar que apenas cerca de 20% dos projetos aprovados pelo MinC conseguem, de fato, patrocínio.

Modelo híbrido vai financiar a cultura por Jotabê Medeiros, O Estado de S. Paulo

Matéria de Jotabê Medeiros originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo em 17 de dezembro de 2009.

Antes mesmo de aprovado, novo fundo aplicará R$ 800 milhões em incentivo direto - e a velha lei continuará ativa

O ministro da Cultura, Juca Ferreira, apresentou ontem pela manhã na Câmara dos Deputados, em Brasília, o projeto da nova Lei de Fomento e Incentivo à Cultura, que substituirá a Lei Rouanet (8.313, de 1991). Dezenas de artistas compareceram ao ato, entre eles os diretores Zé Celso Martinez Corrêa e Aderbal Freire-Filho, o maestro John Neschling, as cantoras Fernanda Abreu e Sandra de Sá e o coreógrafo Ivaldo Bertazzo.

A grande novidade do projeto é o acionamento de um fundo público de incentivo direto à cultura, o Fundo Nacional de Cultura - o mecanismo já tem recursos de R$ 800 milhões para funcionar em 2010, e vai funcionar independentemente da aprovação da nova lei, segundo afirmou ao Estado o secretário executivo do MinC, Alfredo Manevy.

O MinC pretende manter um regime híbrido de financiamento à cultura em 2010, com a velha Lei Rouanet funcionando normalmente (enquanto se espera o trâmite da nova lei no Congresso), e ao mesmo tempo irrigar a cultura com o dinheiro do fundo. "O fundo é direto na veia. Aprovado o projeto, o produtor recebe o dinheiro", disse o ministro Juca Ferreira.

Questionado se essa mudança não iria desestimular as empresas a conceder patrocínio, o ministro afirmou que, atualmente, apenas 5% dos recursos aplicados por meio da Lei Rouanet vêm da iniciativa privada - 95% já são recursos públicos. Aprovada, a nova lei revoga a lei anterior. "A nova lei está para a Lei Rouanet assim como a Lei Rouanet estava para a Lei Sarney. É um aperfeiçoamento. A Lei Rouanet não continha sequer a palavra critério. Ficou marcada pela concentração, pela confusão, pela injustiça", explicou Alfredo Manevy.

O projeto de lei resulta de debates e estudos que o Ministério da Cultura promove desde 2003. Nos últimos meses, o texto foi submetido a consulta pública na internet, e foram realizados debates em 19 capitais. Manevy disse que respeita os críticos do projeto, como Odilon Wagner, da Associação de Produtores Teatrais Independentes (APTI), mas considera que são sempre os mesmos e que tentam interditar o debate.

"São três ou quatro beneficiários. Diziam que a lei estava paralisada, e mesmo na crise a gente teve investimento. Do jeito que falam, parece que as empresas estão prestando um favor à cultura, e não se trata de um favor", ponderou. Segundo Manevy, 3% das empresas captam 50% de todo o dinheiro do incentivo, e mais de 8 mil projetos não captam nada.

Ainda assim, Manevy acredita que não cairá o valor destinado à renúncia fiscal pela Lei Rouanet no próximo ano. O montante será de R$ 1 bilhão. Com a aprovação da nova lei, o governo estima que esse valor subirá 20%, por conta da imposição, no texto, de que as empresas invistam ao menos 20% em projetos incentivados (os tetos de renúncia fiscal são apenas três agora: 40%, 60%, 80%). A nova lei prevê que 30% do recurso do Fundo Nacional de Cultura (FNC) sejam destinados automaticamente a Estados e Municípios.

O governo considerou um erro o anúncio da criação de um "escritório público de financiamento", expressão contida em cartilha distribuída pelo governo anteontem sobre as mudanças. A expressão foi suprimida do material distribuído à imprensa ontem. Um dos objetivos da mudança, informa o MinC, é democratizar o acesso aos recursos.

No Senado Federal, era ansiosamente aguardada ontem a votação do chamado Simples da Cultura. Trata-se de Projeto de Lei Complementar Câmara (200/09), que altera a alíquota de tributação para produções cinematográficas, artísticas e culturais. Se aprovado, o mecanismo mudaria as empresas de produção cultural para o Anexo 3 do Supersimples, alteração que reduz de 15% para 4% a tributação do setor. "É uma desoneração importantíssima e urgente, que significa uma queda de mais de 100% na carga tributária da cultura", observou Manevy.

O MinC vê o tema como suprapartidário. "A concentração da Lei Rouanet é muito grande. Mais de 20 Estados recebem menos de 2% dos recursos. O Acre recebeu zero este ano. Como o Congresso é muito ligados às suas bases, todos veem esses números com muita preocupação", disse Manevy.

Arte pop em três tempos por Paula Alzugaray, Istoé

Matéria de Paula Alzugaray originalmente publicada na revista Istoé, em 11 de dezembro de 2009.

Individuais de Rauschenberg, Vergara e Fromanger mostram como a nova figuração se desenvolveu nos EUA, no Brasil e na França

Carlos Vergara: A Dimensão Gráfica / Museu de Arte Moderna, RJ / até 14/3/10
Gérard Fromanger: A Imaginação no Poder / Museu de Arte Moderna, RJ / até 31/1/10
Robert Rauschenberg: Instituto Tomie Ohtake, SP / de 16/12 a 21/2/10

O foco no mundo mediado pela grande imprensa, pela publicidade e pelos cartazes comerciais fez da arte pop o movimento mais popular da história da arte ocidental. Mais que um movimento, o pop é uma atitude que surge no começo dos anos 60, concomitantemente em Nova York, Londres, Paris, Milão, Los Angeles, São Paulo e no Rio de Janeiro, em reação à hegemonia da pintura abstrata e como crítica à sociedade de consumo. Na França e no Brasil, surge sob o nome de nova figuração. Nos EUA, seus artistas eram inicialmente conhecidos como novos realistas ou neodadas, mas a palavra pop logo se impôs. “A palavra pop é mais hollywoodiana do que histórica”, declarou o americano Robert Rauschenberg, que a partir da quarta-feira 16 terá 98 obras expostas em São Paulo. As nuances da atitude pop podem ser ­discernidas nas individuais de Rauschenberg, em São Paulo, do brasileiro Carlos Vergara e do francês Gérard Fromanger, no Rio.

A fotografia e a gravura dois meios de reprodução de imagens em escala massiva são mecanismos centrais da atitude pop. Nas “Combine Paintings” de Rauschenberg, a fotografia é apropriada de reportagens jornalísticas geradas diariamente pela imprensa e transferidas para a tela em processos acumulativos de impressões em silk-screen. Em Vergara e Fromanger, a câmera fotográfica funciona como caderno de notas para futuros desenhos e pinturas. Ambas no MAM-RJ, as exposições de Vergara e de Fromanger são uma boa oportunidade para conferir que tipo de diálogo se trava entre as novas figurações brasileirae francesa, embora as mostras não se limitem a obras dos anos 60. Em ambos os contextos, nota-se um misto de crítica e elogio ao pop. “Eles têm em comum uma mesma contaminação pop, só que atravessada por um tônus político distinto da vertente americana”, aponta Luiz Camillo Osório, curador do MAM.

A exposição de Vergara tem como fio condutor obras gráficas, realizadas em papel ou tela ao longo de quase 50 anos. São monotipias, gravuras, desenhos e composições em 3D que atestam a importância que a fotografia teve em toda a sua trajetória. O uso da fotografia como matéria-prima denota o interesse que o artista sempre teve na vida pública brasileira. “Não havia só as questões políticas da época, mas também as questões existenciais de um pós-adolescente, ligadas à mudança de comportamento da sociedade”, diz Vergara. Logo o Carnaval se tornaria seu grande tema, arena de reflexões sobre os rituais de passagem, a tradição popular na vida brasileira, o anonimato e a identidade nas cidades. Um dos pontos altos da exposição é “BR1”, desenho em rolo de 20 metros de papel, apresentado na Bienal de Veneza de 1980, com texto de outro artista carnavalesco: Hélio Oiticica. Embora Vergara considere que sua obra sobre o Carnaval nunca tenha sido bem assimilada, esse núcleo de obras produz um contundente comentário político sobre a capacidade de o brasileiro driblar com a alegria o controle da ditadura militar.

Fromanger tece seu comentário social através do trabalho com a cor. A pintura, para o artista francês, é uma forma de remarcação de territórios. Na série “Album le rouge”, dos anos 60, ele escorre a tinta vermelha de bandeiras das superpotências, manchando com a cor da guerra as fronteiras geopolíticas. Movido pelas manifestações de maio de 68, começa a produzir nos anos 70 uma série de pinturas a partir de fotografias tiradas nas ruas da capital francesa. Nesse trabalho inverte a ordem de valores da sociedade capitalista, deixando os cartazes publicitários em preto e branco e colorindo a população anônima das ruas. Fromanger é um artistadas fronteiras, aproximando em seu trabalhoo comentário social na nova figuração e uma poética de trânsitos e deslocamentos.

Aos 47, Vik Muniz ganha livro que reúne toda a obra por Mario Gioia, Folha de S. Paulo

Matéria de Mario Gioia originalmente publicada na Ilustrada da Folha de S. Paulo em 13 de dezembro de 2009.

Objetos e séries pouco conhecidas se destacam no raisonné, publicação que pela primeira vez é dedicada a um brasileiro vivo

Uma espécie de "lado B" da produção do badalado Vik Muniz irrompe do volumoso catálogo raisonné da sua obra, que acaba de ser lançado no Brasil.

No país, é um caso único esse tipo de catálogo referencial ser dedicado à obra de um artista vivo. No Brasil, apenas nomes como Portinari (1903-1962) e Tarsila do Amaral (1886-1973) tiveram toda a produção organizada em publicações do tipo.

Nas 710 páginas da edição, lançada pela editora Capivara, há o registro da produção mais famosa do artista, a fotografia que faz referência a obras-chave da história da arte.

Mas há também objetos estranhos, registros fotográficos inspirados no minimalismo norte-americano e até uma série erótica, entre outras peças.

"Sinceramente, havia coisas que não tinha a menor ideia de que tinha feito, parece que tinham sido apagadas da minha cabeça", conta Vik, 47.

Séries menos conhecidas de Vik influenciaram sua decisão de produzir novamente objetos, centro de sua próxima exposição no Brasil, em setembro do ano que vem, na Casa de Cultura Laura Alvim, no Rio.

"O catálogo é como se fosse apresentado a você uma grande árvore. Cada galho e bifurcação é um lado da sua produção, que poderia ter sido desenvolvido e não foi por um ou outro motivo.

Mas você sempre pode voltar neles", diz o artista. Na publicação, fica clara a influência da arte norte-americana no desenvolvimento da obra de Vik. O minimalismo e até a land art (gênero da arte onde as condições naturais são decisivas para a criação de uma obra de arte) passeiam por algumas séries do artista.

"Cheguei em 1983 nos Estados Unidos. Toda a minha carreira foi desenvolvida por aqui. Por isso, considero muito importantes nomes como Robert Smithson, Walter De Maria e Robert Morris", diz ele.

Para Vik, sua arte começou a ganhar corpo em 1996, com a série "Crianças de Açúcar".
"Os anos 90 tinham sido ruins. Estava pensando em abandonar essa coisa de ser artista. Aí expus essa série em uma pequena galeria do SoHo e foi um sucesso, deu uma grande repercussão. Expus no MoMA [o Museu de Arte Moderna de Nova York] logo depois."

Vik deve ir no fim de janeiro para a pequena Park City, em Utah, acompanhar a sessão de "Lixo Extraordinário" no Festival Sundance. A produção mostra o artista criando peças no aterro do Jardim Gramacho, em Duque de Caxias (RJ).

VIK MUNIZ - OBRA COMPLETA, 1987-2009
Organizador: Pedro Corrêa do Lago
Editora: Capivara
Quanto: R$ 198 (710 págs.)

Quase um precursor por Ferreira Gullar, Folha de S. Paulo

Matéria de Ferreira Gullar originalmente publicada na Ilustrada da Folha de S. Paulo em 13 de dezembro de 2009.

Veja outros artigos no Dossiê Oiticica

Preservar a obra de arte é uma necessidade que nasceu quando o homem criou o conceito de arte

O INCÊNDIO que destruiu parte das obras de Hélio Oiticica trouxe à baila o problema da conservação dos acervos artísticos que, no Brasil, na maioria dos casos, ficam com os herdeiros. Afora as dificuldades que estes, muitas vezes, criam à exibição e difusão das obras herdadas, resta o problema da conservação delas. No caso em que não ficassem com a família do artista, deveriam ser entregues aos cuidados de algum museu, mas nem sempre estes dispõem de espaço e recursos para guardar, conservar e difundir satisfatoriamente novos acervos.

Por outro lado, os herdeiros resistem a abrir mão do controle que exercem sobre as obras herdadas; as quais, algumas vezes, valem verdadeiras fortunas. Um exemplo louvável de desprendimento material e respeito às obras do autor falecido foi dado por Maria Camargo, viúva de Iberê Camargo: propôs à Gerdau criar uma fundação para preservar e difundir as obras do marido, sendo que a empresa arcaria com os custos enquanto ela doaria todo o acervo à instituição. Deu certo. Um exemplo a ser seguido.

Preservar a obra de arte é uma necessidade que nasceu quando o homem criou o conceito de arte, mas os museus mesmos só surgiram na Europa já em começos do século 19. Antes, bem antes, já havia os colecionadores, surgidos graças à invenção da pintura a óleo e o quadro de cavalete, já que não seria possível colecionar afrescos e murais.

E a verdade mesmo é que a pintura e a escultura não nasceram como arte e, sim, como magia: quando o homem das cavernas percebeu, num pedaço de sílex, uma figura semelhante à cabeça de um bisão, certamente imaginou que aquele era um outro modo de existência do animal. Essa mesma fascinante semelhança entre a imagem pintada e os seres reais terá dado origem às pinturas parietais do Paleolítico, realizadas em cavernas escuras, com a ajuda de tochas acesas. Por que pintá-los em lugares quase inacessíveis e sem luz? Só a crença em suas possibilidades mágicas explica isso. Sem dúvida, não foram feitas visando à visitação pública, como ocorreria 18 mil anos depois.

Foi o homem moderno que os transformou em arte, objeto de contemplação e criou museus para conservar e exibir as obras que merecem essa qualificação. Com o tempo a função de guardar obras de arte emprestou aos museus uma espécie de função consagratória, segundo a qual o que ali está é arte, do contrário não estaria. Não obstante, pode haver ali obras que bem poderiam ser consideradas como "drogas de arte". É, portanto, compreensível que todo artista queira ter obras suas no acervo de museus, já que isso implica em reconhecimento tácito de seu valor.

Mas o museu também mudou, uma vez que o conceito de obra de arte sofreu grande transformação, a partir do começo do século 20. Se ainda no final do século 19 Cézanne desejava que sua pintura tivesse "a solidez das obras dos museus", essa já não parecia ser a preocupação dos cubistas e muitos menos de um dadaísta como Marcel Duchamp. Em razão disso, surgiram os museus de arte moderna, enquanto o Louvre e o Prado, por exemplo, são basicamente museus de arte do passado.

Os movimentos de vanguarda vieram por em questão o caráter permanente dos valores estéticos. Duchamp chegou a negar o valor artístico das obras dos museus, o que, aliás, já estava implícito no seu célebre urinol, adquirido numa loja de objetos sanitários. Não obstante, tanto essa sua "obra", quanto muitas outras, terminaram em museus.

Tenho observado essa contraditória relação entre as artes de vanguarda, anti-institucionais, por definição, e o museu, institucional, por natureza. E mais que isso: são os museus que atribuem valor artístico a essas obras. Por exemplo, o urinol de Duchamp, na loja de artigos sanitários, era apenas um urinol mas, no acervo do Pompidou, tornou-se obra de arte.

Ao contrário do escritor, cuja obra se garante escrita em algumas folhas de papel, o artista plástico, por se expressar através de objetos, tem que conseguir espaço onde guardá-los. Vivi esse drama, quando poeta neoconcreto, ao criar poemas-objeto.

Imaginando quantos deles faria ao longo da vida, tomei-me de angústia já que meu pequeno apartamento não os iria caber. Bolei, como solução, espalhá-los de madrugada pela cidade, numa espécie de ação terrorista. Depois evoluí para uma exposição que começaria às 17 horas e terminaria às 18, quando, ao acionar um detonador, as obras todas iriam pelos ares. Propus isso ao Oiticica, que não topou. Foi uma pena, pois, se a tivesse realizado, me teria tornado o precursor dos "happenings".

Mostra dedicada a Rauschenberg privilegia obras menos famosas por Fabio Cypriano, Folha de S. Paulo

Matéria de Fabio Cypriano originalmente publicada na Ilustrada da Folha de S. Paulo em 14 de dezembro de 2009.

Tomie Ohtake inaugura amanhã exposição do artista, morto no ano passado

O artista norte-americano Robert Rauschenberg (1925 -2008) costumava afirmar que a influência em sua obra de Josef Albers, com quem estudou no Black Mountain College, era "fazer o reverso" do que pregava o mestre.

No entanto, a mostra que o Instituto Tomie Ohtake inaugura amanhã, com quase cem obras de Rauschenberg, aponta o contrário: a experimentação com a cor, questão central para Albers, é um dos pontos principais das obras selecionadas.

Obviamente essa não é a vertente que levou Rauschenberg a se tornar um dos mais influentes artistas do século 20.

"Ele fez a ponte entre o expressionismo abstrato e a arte pop", diz David White, assistente do artista nos últimos 30 anos, que esteve no instituto para acompanhar a montagem da exposição. Curiosamente, Albers tampouco o admirava.

"Quando Albers via os trabalhos de Rauschenberg, ele fechava os olhos e comentava que nem queria saber quem era o autor daquelas coisas", conta o filho do artista, Christopher Rauschenberg, fotógrafo que passou pelo Brasil para expor em Brasília e também acompanhou a montagem da mostra.

Mescla de imagens
No Instituto Tomie Ohtake não estão as obras mais famosas de Rauschenberg, as "combine paintings", nas quais ele misturava a pintura aos objetos cotidianos, como colchões ou objetos empalhados, mas as 75 gravuras selecionadas apontam para um procedimento semelhante, onde ele mescla todo tipo de imagem.

"Durante uma época na história da arte, cada objeto num quadro tinha um outro significado, um cachorro podia representar o mal, por exemplo. Para meu pai, isso já não acontecia mais, ele mostrava as coisas pelo que elas são", conta Christopher.

Outro destaque da exposição são obras da série "Glut" (aglomerados), na qual ele se apropriava de restos encontrados no lixo, especialmente de metal, buscando "uma maneira de ver a beleza presente nos refugos", como diz Mimi Thompson, no catálogo da mostra.

A gravura, apesar de não ser a forma de expressão que o tornou mais famoso, esteve sempre presente em suas experimentações -quando Rauschenberg ganhou o Leão de Ouro, da Bienal de Veneza, em 1964, suas pinturas passaram a ser referência obrigatória.

Em 1953, ele espalhou 20 folhas de papel numa rua e pediu que seu amigo e colega do Black Mountain John Cage dirigisse seu carro com pneus recobertos de tinta, criando "Autombile Tire Print" (impressão de pneu de automóvel) e gerando uma radical forma de gravura.

Na mostra, esse episódio é tema da série "Ruminations" (ruminações), que aborda suas relações afetivas, como a com o próprio Cage.

Pequenos mundos de Jeanete Musatti por Camila Molina, Estado de S. Paulo

Matéria de Camila Molina originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de São Paulo em 11 de dezembro de 2009.

Livro abrange trajetória da artista paulistana desde os anos 1970, por meio de imagens e textos de diversos autores

Pequenas grandezas - assim a crítica Ligia Canongia intitulou a obra da artista paulistana Jeanete Musatti. Desde a década de 1970, essa criadora vem fazendo uma obra poética, mas também, como bem define Ligia, uma armadilha para os espectadores: suas assemblages feitas com miniaturas de seres humanos, pedras e tantos objetos colecionados são "micromundos" particulares e simbólicos, em que temos sempre de nos debruçar para vê-los com o tempo da intimidade. E agora, mais um mergulho na delicadeza e arrebatamento da produção desta artista pode ser feito por meio do livro Jeanete Musatti, que a editora DBA lança hoje, a partir das 19 horas, na Livraria da Vila, nos Jardins.

É uma edição abrangente, que perpassa toda a trajetória de Jeanete, desde os anos 1970 até sua mais recente produção, apresentada ao público em São Paulo, no ano passado, na mostra Uma Exposição Dentro de Uma Exposição, na Galeria Nara Roesler. Organizado pela artista e pelo crítico e curador Ricardo Resende, o livro bilíngue é um misto de documentação e análise crítica da obra de Jeanete, reunindo uma seleção de textos de diferentes épocas assinados por Ligia Canongia (1983); Frederico Morais (1984); Aracy Amaral (1995); Jacques Leenhardt (1999); Francisco Faria (1999); Roberto Gambini (2002) e Olívio Tavares de Araújo (2006). Também se faz presente, de alguma maneira, na edição, citações ao livro Jeanete Musatti (editora Ex-Libris, 1991), do crítico Casimiro Xavier de Mendonça (1947-1992), referência sempre luminosa sobre a poética da artista.

Uma longa introdução é feita por Ricardo Resende, em texto no qual o crítico traça "três possibilidades de leitura" da obra da artista - pelas chaves do romantismo (a implicação da "tomada de posição sentimental frente à história da arte"), do surrealismo e da "fusão" dos dois movimentos, "amalgamados com os conhecimentos de Jeanete sobre a antroposofia". O livro, com grande quantidade de imagens das obras da artista, traz ainda depoimento de Jeanete, irmã dos colecionadores Adolpho e Horácio Leirner, concedido ao analista junguiano e escritor Roberto Gambini.

Serviço
Jeanete Musatti.
Org. de Ricardo Resende e de Jeanete Musatti.
Editora DBA. 304 págs. R$ 95.

Ernesto Neto cria sua primeira escultura rígida por Camila Molina, Estado de S. Paulo

Materia de Camila Molina originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de São Paulo em 12 de dezembro de 2009.

Artista carioca conhecido por suas instalações de formas em tecido apresenta a obra Mitodengo, estrutura feita em módulos de aço que se torna linha no espaço

Ernesto Neto está se sentindo mais escultor agora do que antes. É que ele criou sua primeira escultura rígida, de aço, mas não acredita que tenha, afinal, se rendido à tradição. Artista que desde a década de 1990 ficou conhecido por suas "naves", obras feitas em tecido para o espectador interagir, e por instalações com formas feitas em malhas finas preenchidas em suas extremidades por especiarias (coloridas e com aromas), ele criou agora Mitodengo, escultura monumental com quase cinco metros de altura feita pelo encaixe de 11 módulos em denso metal. "Tem rigidez, mas sensorialidade: o ferro é frio e é quente, azul e avermelhado", diz Ernesto Neto, que apresenta a partir de hoje sua nova obra no Galpão Fortes Vilaça.

Aço é ferro e carbono e, pela ação da umidade, vai se transformando com o tempo. Impossível não pensar nas esculturas cruas e geométricas de Amilcar de Castro já no primeiro encontro que temos com Mitodengo, mas Ernesto Neto ainda cita as referências outras que ele sempre teve em sua trajetória de escultor - a de Weissmann, Tunga e José Resende. "A tradição sempre esteve presente", diz o artista, interessado, como afirma, numa equação que faz o encontro da "maciez na rigidez, a vontade de natureza do brasileiro, essa mistura que a gente é".

Em seu discurso, o artista carioca diz várias vezes que não quer ser ocidental. "Não somos ocidentais porque não somos puros, a mistura é nossa essência, a relação figura e fundo para nós é diferente, é ampla, tudo pode acontecer nela, há espaço para a negociação, para a vida, o que gera até mesmo a corrupção", afirma em disparada Ernesto Neto. "É tudo menos geométrico, temos dança, temos dengo", continua ele - e sua escultura monumental é uma "linha no espaço" feita de formas orgânicas (remetem a folhas) "que se beijam". "Há essa emocionalidade da figura", afirma: Mitodengo, diz, é transitória, poderia estar no Galpão apenas por uns instantes e sair para continuar sua trajetória em outro lugar.

A escultura - "qualquer não-coisa que fica em pé" é como uma coluna vertebral de folhas rígidas. Ernesto Neto conta que o processo de sua criação vem de dois anos e meio, quando, ao realizar uma exposição que misturava a ideia de infância com a vida adulta, criou bancos feitos em módulos para crianças se sentar. "Do objeto de design foi se desenvolvendo até chegar a essa peça inédita, sozinha no espaço." Segundo ele, há até mesmo algo "ético" nessa simples operação que se valeu. "A junção de módulos é um processo construtivo visível, nada está escondido e ele se sustenta apenas pela gravidade." É fixo e é lúdico: contém em si todas as possibilidades, mas se firma excluindo todas as outras. Ernesto Neto tenta balançar sua obra para lhe dar movimento, mas a pele de Mitodengo é, enfim, dura.

Sophie calle passeia pela exposição no mam: diversas interpretações para o famoso e-mail que termina com “Cuide-se” por Helena Celestino, O Globo

Materia de Helena Celestino originalmente publicada no Segundo Caderno do jornal O Globo em 10 de dezembro de 2009.

Artista francesa traz ao Rio mostra criada a partir de famoso e-mail de ruptura

Depois de tanto tempo do tal e-mail de ruptura, não é meio cansativo continuar contando essa história e montando uma exposição em torno do assunto?

SOPHIE CALLE: Para mim, o tema não é mais a separação. Quando estava organizando a exposição, já não se tratava mais disso, a carta de rompimento já não tinha importância, era só um suporte. Não havia mais dor. De algumas dores é melhor rir: aos 18 anos, levam-se dois anos para superar uma separação; aos 55, uma semana. A ideia da exposição me veio muito rapidamente, quando conversei com uma amiga jornalista. Perguntei a mim mesma se o projeto era uma vingança e achei que não, que valia a pena, que era artisticamente interessante. Escolhi as mulheres entre as que têm, como trabalho, interpretar um texto: artistas, filósofas, psicanalistas, cada uma me levava a uma outra especialização profissional. Quando recebi a carta, não sabia o que devia fazer, se devia responder, se ele me abandonava de verdade. Então, fui perguntar à minha melhor amiga como ela lia aquele texto. E comecei a pedir a várias mulheres para responderem por mim, sempre do ponto de vista profissional. O interessante é a multiplicidade de visões e também a maluquice das muitas especializações existentes no mundo contemporâneo. Talvez a interpretação de que eu mais goste seja a da palhaça.

Mas, agora, qual é o prazer ao remontar a exposição?

SOPHIE: Agora, o prazer pode estar ligado ao lugar onde a exposição será montada. Estava empolgada por vir ao Rio; Salvador foi um sonho. Se estivesse levando essa exposição para oito cidades alemãs, não aguentaria mais. Vai ter uma hora em que isso vai parar, ou a exposição vai circular sem a minha presença. Não tem graça eu, já velha, numa cadeira de rodas, falando ainda desse e-mail.

Em Paraty, durante a Flip, você e Gregoire Bouillier criaram um certo frisson, ao se encontrarem publicamente pela primeira vez depois da sua exposição e do livro que ele escreveu sobre o assunto. Foi uma cena de teatro, um momento ridículo? Como você interpreta aquela cena?

SOPHIE: Era lógico a gente se encontrar. Fiz um projeto sobre ele, ele fez um livro sobre mim, nós dois fizemos um livro, os dois livros saíram em português, era natural que nos encontrássemos. É verdade que foi uma maneira de dizer o que precisava ser dito, e era muito mais fácil fazer isso em público. Não iríamos marcar um encontro para falar de nossa história, já tinha passado muito tempo e gostamos de aparentar que somos light. Mas faltava dar um fecho a esse assunto, e isso aconteceu em Paraty. Era o lugar certo, longe de casa, longe dos amigos. Se fizéssemos isso em Paris, seria ridículo. Nós dois estávamos com medo desse encontro: foi sincero, foi real e foi o fim.

Você já se dedicou a um novo projeto?

SOPHIE: Eu trabalhei com uma vidente, que também participa dessa exposição. Perguntei-lhe onde ela me via e segui suas visões, tentei ir em direção ao meu futuro, através da sua mediação. É uma regra do jogo como qualquer outra, é uma maneira de jogar com as visões, com o tempo, com a obediência. Eu gosto muito de obedecer. Obedecer e controlar. É um paradoxo, mas gosto muito de seguir as regras do jogo, os rituais. Nesse trabalho, existe um ritual que consiste em obedecer. Ela me vê em um lugar, eu vou, mando-lhe fotos de onde estou, telefono e pergunto se devo ir para o hotel da direita ou para o da esquerda. Ela joga as cartas e me responde. Comunicamo-nos por fotos e e-mails. Vou sozinha, sem produção. Eu mesma filmo e fotografo.

Esse material, naturalmente, já se transformou num trabalho de arte...

SOPHIE: Fiz três livros e uma exposição que se chama “Onde e quando”. A primeira exibição foi em Paris, na galeria Emmanuel Perrotin, e agora está em Londres, na Whitechapel.

E para onde o futuro levou você?

SOPHIE: Fui a Berk, no norte da França, uma estação de reeducação de pessoas com problemas motores. Depois, a vidente me mandou a Lourdes. Fui ver a Virgem, fiz o que ela mandou. Na verdade, comecei esse projeto por causa de Paul Auster.

Você é uma das personagens de “Leviatã”, o livro de Auster, mas, pelo que sei, ele se recusou a participar de um projeto seu...

SOPHIE: Já que ele se apropriou da minha vida, propus a ele inverter as coisas. Ele inventaria uma história, e eu transformaria a fantasia em realidade. Eu lhe daria um ano de minha vida, seguiria o seu roteiro. Ele não quis, porque achou perigoso. Se me mandasse ao México, por exemplo, eu poderia ser atacada, e ele seria responsável porque escreveu o script. Ele me deu só três ordens: sorrir, distribuir comida e ficar num lugar público e transformá-lo num espaço privado. Fui para uma cabine telefônica. Mas tudo isso me deixou frustrada, porque queria que Paul Auster me fizesse viver coisas que não viveria naturalmente. Eu queria me transformar em uma heroína de romance, literalmente. Foi aí que procurei a vidente.

Você gostou mais do “script” da vidente do que o de Paul Auster?

SOPHIE: Não, não gostei de nenhum dos dois. O que me agrada é não ter de pensar, é um pouco a mesma coisa de quando eu segui as pessoas em Veneza. Não tinha que pensar. Estava lá porque essa era a regra do jogo, e não é o caso de perguntar se é bom ou não. É só obedecer. Eu gosto de obedecer porque é um grande repouso, não há nada a decidir, é só seguir.

A sua biografia inclui muitas profissões. Em que momento você passou a se ver como artista?

SOPHIE: Eu andei pelo mundo, passei um ano nos EUA, um ano no México. Quando voltei a Paris, estava meio perdida. Então fui para Veneza e comecei a seguir as pessoas na rua, sem nenhum projeto específico, para me ocupar, para ver onde as pessoas iam. Não era artístico. Depois, numa espécie de jogo, chamei pessoas estranhas para dormirem na minha cama. Contei essa história a uma amiga, e o marido dela, que era crítico de arte, perguntou se eu não queria expor essas cenas numa galeria. Mas digamos que eu não era totalmente inocente. Meu pai era colecionador de arte contemporânea. A paredes da minha casa tinham obras de arte conceitual e pop art.

Para gostar do seu trabalho é preciso entrar no jogo, não perguntar se tudo isso é verdade ou mentira...

SOPHIE: É verdade e é mentira. Eu não invento, tudo aconteceu de verdade. Eu recebi a carta de rompimento, eu fui consultar a vidente, eu fui a Veneza. Tudo isso aconteceu, mas é uma ficção porque eu escolho o que vou contar, eu edito, corto, seleciono a imagem. Isso fica mais evidente no meu filme, “No sex last night “ (Sophie e o seu namorado americano filmam uma viagem em direção a Las Vegas). É sobre uma relação que durou dois anos, a viagem durou um mês, a montagem, um ano. Filmamos 60 horas e mostramos pouco menos de uma hora. Poderíamos contar 40 histórias, todas diferentes. É uma ficção, é um trabalho artístico. Aconteceu, mas não é minha vida, não é um diário íntimo. É a tentativa de fazer algo que seja poético e esteticamente forte.

Os trabalhos de arte contemporânea têm, com frequência, uma explicação teórica e dialogam com a História da arte. Como você olha para os seus próprios projetos?

SOPHIE: Não quero saber de nada disso. Eu faço e pronto. A teorização não está no meu vocabulário. Tomar distância, olhar de longe, analisar — não é meu vocabulário.

Quais são os artistas mais próximos de você?

SOPHIE: Daniel Buren faz um trabalho completamente oposto ao meu, mas está próximo. Os artistas de quem eu gosto, em geral, fazem coisas muito diferentes de mim.

Cindy Sherman é próxima? Você circula no meio artístico ou fica à distância?

SOPHIE: Eu adoro Cindy Sherman. Nós nos conhecemos mas nunca trabalhamos juntas. Eu circulo entre artistas, porque adoro sair, gosto bem da vida parisiense, adoro as grandes metrópoles. Mas, quando tenho tempo livre, tento ficar longe, não sou obsessiva em relação ao meio artístico. Tento ter outras vidas, além da vida de artista.

Tunga surpreende e cria aquarelas delicadas em nova exposição em SP por Fabio Cypriano, Folha de S. Paulo

Matéria de Fabio Cypriano originalmente publicada na Ilustrada da Folha de S. Paulo em 10 de dezembro de 2009.

Escala monumental e materialidade são algumas das características recorrentes na obra de Tunga. Pesadas tranças feitas com metal, imensos caldeirões, tacapes repletos de pequenos ímãs são alguns trabalhos conhecidos do artista, que usa a força da gravidade como um dos elementos fundamentais de sua criação. "Quase Aurora", nova mostra de Tunga, em cartaz na galeria Millan, aparentemente contradiz tudo o que se conhece do artista. A exposição é composta basicamente por uma série de quase 50 aquarelas, desenhos etéreos, indefinidos, quase em suspensão, no sentido inverso dos objetos pesados que evidenciam sua obra. Nas aquarelas observam-se figuras evanescentes, como se seus corpos se dilatassem em gases que se expandem, às vezes transformando-se em palmeiras, às vezes misturando-se com outros corpos, às vezes simplesmente desaparecendo.

Alquimia

A sugestão de complexos processos de mutação, contudo, é que esteve sempre em suas obras, sempre marcadas por forte sugestão alquímica.

É só se lembrar de "Laminadas Almas", performance realizada na galeria Millan, em 2004, e depois no Rio, em 2006, onde a metamorfose era o tema central. Na ação, tomavam parte milhares de moscas e rãs reais junto com bailarinos e artistas, que incorporavam (simbolicamente, é claro), parte desses animais.

Sem dúvida, a simplicidade das aquarelas surpreende, mas a quase invisibilidade de seus desenhos também está presente nos campos energéticos de ímãs que Tunga usa em muitos de seus trabalhos, apontando aí outra convergência entre obras anteriores e a nova mostra.

Na produção contemporânea, há muita expectativa e pressão pela renovação da criação, pois a repetição é muitas vezes vista com desdém, e se espera que o artista consiga manter a capacidade de surpreender o tempo todo.

Em "Quase Aurora", no entanto, Tunga consegue reinventar sua própria obra, mas a partir de desdobramentos de sua linguagem, ampliando seu vocabulário sem buscar o novo pelo novo.
A surpresa, que de fato se tem, é frente à sua coerência: ele não precisou apelar a nada externo ao que já vinha realizando para se renovar por completo.

Serviço
Tunga - Quase Aurora - Desenhos inéditos

18 de novembro a 19 de dezembro de 2009

Galeria Millan
Rua Fradique Coutinho 1360, Pinheiros, São Paulo - SP
11-3031-6007
www.galeriamillan.com.br
Segunda a sexta, 10-19h; sábado 11-15h

Hotel desativado no centro de São Paulo torna-se centro de artes multimídia por Márcia Abos, O Globo

Matéria de Márcia Abos originalmente publicada no Segundo Caderno do Jornal O Globo em 6 de dezembro de 2009

Artistas brasileiros e estrangeiros trabalham nos quartos há 25 dias

Uma usina de arte contemporânea dá vida a um prédio histórico do centro antigo de São Paulo. Desde o dia 11 de novembro, dez artistas de sete nacionalidades diferentes instalaram seus ateliês em um hotel projetado pelo arquiteto Ramos de Azevedo em 1916, na Avenida São João, número 288, que está desativado desde 2005. Com a curadoria de Lucas Bambozzi e Maria Montero, a produção desses artistas, que inclui performances, instalações sonoras, escultura, videoarte e pintura, está sendo mostrada ao público desde ontem e ficará até o próximo domingo, com entrada franca. Não apenas as obras criadas durante a residência ocupam os quatro andares do antigo edifício. Serão preservados e apresentados aos visitantes os quartos onde os artistas trabalharam.

— Museus e galerias não dão conta de uma relação mais humana entre artistas e público. Acredito que não há outra maneira de o homem conhecer a si mesmo que não seja através da arte. O projeto é uma forma de abrir portas, derrubar o muro que divide artista e público — avalia a curadora Maria Montero.

Moradores de rua inspiram artista alemão
Pela primeira vez no Brasil, o alemão El Bocho já deixou sua marca em alguns muros da capital paulista. Acostumado a criar grafites que dialogam com suas criações nas galerias, ele criou uma obra audaciosa: telas pintadas com pedaços de papelão e uma instalação formada por casulos interligados. A inspiração, segundo El Bocho, veio dos moradores de rua, que usam o papelão como casa, cobertor, guarda-chuva...

— Fiquei muito impressionado com as fachadas em ruínas de prédios antigos da cidade. Os moradores de rua também atraíram a minha atenção. E vi pela primeira vez um prédio sem janelas. Minha obra costuma tratar de pessoas que vivem em grandes cidades, seus sentimentos e problemas — explicou o artista, influenciado por suas caminhadas noturnas por São Paulo.

Já a videoartista argentina Gabriela Golber quer explorar a memória do hotel desativado. Ela convocou voluntários, artistas e escritores para ocupar quartos vazios. Eles vão ler trechos de livros ou escritos inéditos sobre histórias de amor em quartos de hotel. Os diálogos se relacionam com imagens do hotel vazio captadas pela artista.

— É como se as paredes falassem e pudessem nos contar o que aconteceu aqui — imagina Gabriela.

A brasileira Alessandra Cestac, que desde 2005 espalha pelas ruas fotos suas nua, em tamanho real, resolveu inverter os papéis. Voluntários poderão se desnudar para ela em um dos quartos do hotel: Alessandra passa de fotografada a fotógrafa. Antes, as pessoas passarão por um quarto branco, chamado pela artista de clínica, e responderão a um questionário sobre nudez. Depois subirão a escadaria do hotel até um quarto no terceiro piso, onde poderão se desnudar e posar.

— Quis mudar o meu ponto de vista e fazer as pessoas entrarem em meu universo — explica Alessandra.

Pinturas a partir de imagens de câmeras de segurança
Já a pintora brasileira Regina Parra criou pinturas a óleo sobre papel a partir de cenas captadas por câmeras de segurança em fronteiras.

— Quis tratar de um lugar que é terra de ninguém e do estado de ser estrangeiro — adianta Regina.

O americano Grant Davis criou uma instalação interativa. São duas projeções: a silhueta de um homem na janela que observa uma mulher deitada na cama de um quarto do hotel. A mulher projetada na cama se movimenta conforme o toque do público. Ela está deitada em um lado da cama, como se convidasse um parceiro. Mas, quando alguém tenta deitar-se ao seu lado, ela se levanta.

O português Rui Gato criou duas esculturas sonoras interativas. Uma delas é um pau de chuva, e a outra, uma sala com quatro redes. Ao lado delas, vasilhas cheias de água. O público poderá jogar objetos na água, gerando sons que, amplificados, ocuparão o espaço.

— Quero levar as pessoas a um estado contemplativo, diferente do ritmo acelerado de São Paulo — conta Gato.

O sul-africano Zander Bloom (instalação), o japonês Hiraku Suzuki (escultura e instalação) e os brasileiros Rodrigo Garcia Dutra (videoinstalação) e Claudio Bueno (multimídia) também fazem parte da experiência.

Som, Prosa & Imagem por Paula Alzugaray com colaboração de Fernanda Assef, Istoé

Coluna de Paula Alzugaray originalmente publicada na revista Istoé, em 7 de dezembro de 2009.

Lançamentos trazem boas histórias, entrevistas, ensaios e deleite visual

Livro
Corpos codificados
MARCA DOS / Cláudia Andujar / Editora Cosac Naify / R$ 79

O título do livro faz referência às imagens de índios ianomâmis na Amazônia identificados por placas numeradas, mas também à história da fotógrafa Cláudia Andujar, que, aos 13 anos, assistiu seus familiares e seu primeiro namorado terem suas roupas marcadas pelo partido nazista com uma estrela de Davi. A fotógrafa reconhece a semelhança estética dessa imagem com a dos ianomâmis: eles também foram marcados, mas pelo governo brasileiro, a fim de ganhar tratamento contra doenças dos brancos. Os registros de Cláudia, a princípio, não tinham uma intenção artística ou mesmo fotojornalística. Mas a partir da convivência com o povo ianomâmi surgiu a vontade de conhecer sua cultura e transmiti-la. Selecionadas entre 50 mil imagens feitas nos anos 1980, as fotografias deste livro foram expostas na 27ª Bienal de São Paulo e na galeria Vermelho.

Livro
Nova York para amantes da arte
Manhattan – Arte contemporânea e algo a mais / Nessia Leonzini / BEI / R$ 39

Em viagem a Nova York, quando passear pelas galerias do Chelsea, não se esqueça de olhar para cima: em Midtown, preste atenção, por exemplo, à arquitetura de vidro branco leitoso de Frank Gehry para o edifício do IAC Headquarters. Depois, quando descer ao New Museum, em downtown, lembre-se que você está em outro marco arquitetônico da cidade, projeto da dupla japonesa Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa/SANAA . Com um olho na arquitetura e outro na arte, Nessia Leonzini oferece inúmeras possibilidades de roteiro para ver, ouvir, comer, consumir e comprar arte em Nova York.

DVD
Todo ouvidos
Chelpa ferro / Carlos Nader / Associação Cultural Videobrasil / Todo ouvidos / R$ 25

O grande mérito do grupo carioca Chelpa Ferro é provar que o som também faz parte da cultura visual. Afinal, o que os artistas plásticos Barrão e Luis Zerbini e o editor de som Sergio Mekler fazem, por mais estranha que possa parecer essa definição, é “plástica do som”. Se as instalações do Chelpa Ferro – apresentadas na Bienal de Veneza, na Bienal de São Paulo, entre diversos museus do mundo – são tão visuais quanto sonoras, então a mídia ideal para veicular o trabalho é mesmo o documentário. Dirigido pelo videoartista Carlos Nader, o vídeo é o sexto documentário da série Videobrasil Coleção de Autores.

Livros
Prosas de um supercurador
Entrevistas Vol. 1 e Vol. 2 / Hans Ulrich Obrist / Editora Cobogó e Instituto Inhotim / R$ 32

Arte, encabeçando a lista dos 100 mais poderosos da revista “art review”, o curador suíço hans Ulrich obrist já fez mais de 150 exposições e hoje é codiretor da serpentine gallery, de londres. além de ser “o mais próximo de uma estrela de rock que um curador pode chegar” – segundo um crítico novaiorquino , obrist também é um apaixonado por entrevistas. “acho mais interessante ler entrevistas com artistas do que longos textos”, disse para o ilustrador robert crumb, em conversa reproduzida em “entrevistas”. publicadas em dois volumes, as conversas abrangem personalidades da arte, das ciências naturais e humanas. o poeta augusto de campos, o compositor Brian eno e o inventor do lsD, albert hofmann, estão entre as boas prosas deste “supercurador”.

Multimidia
Livre improvisação
Arte Brasileira Contemporânea: Um prelúdio / Paulo Sérgio Duarte / Silvia Roesler Edições de Arte / R$ 150

Para o contato com as artes visuais, nada melhor do que, simplesmente, olhar. É assim, propiciando um mergulho visual nas obras de 21 artistas brasileiros, que o cineasta Murilo salles convida o espectador a entrar no complexo, plural e nada evidente universo da arte contemporânea. com belíssimas imagens e sem narração, o vídeo integra o projeto multimídia “arte Brasileira contemporânea: Um prelúdio”, editado em livro, DVD e cD-roM e organizado pelo crítico paulo sergio Duarte. no livro, a cobertura salta para 80 artistas, que ganham verbetes biográficos, e o cD-roM traz a íntegra de entrevistas com 15 críticos de arte. os três produtos organizam os conteúdos na forma de arquivos, o que favorece a consulta de acordo com o interesse do leitor e privilegia a pesquisa individualizada.

Livro
História do grafite
A Arte de Jaime Prades / Editora Olhares / R$ 80

Na história da recente arte brasileira, os anos 80 ficaram conhecidos como a década do “retorno à pintura” e ao prazer da visualidade, depois de muita arte conceitual. Jovens pintores surgiram em bienais, galerias, museus. na rua, não foi diferente: um grupo reinventou a pintura no espaço urbano, fazendo-a acontecer em projetos de intervenção urbana e de instalação ambiental. o grupo tupinãodá atuou de 1983 a 1991. “Diz a lenda que foi o primeiro coletivo de arte urbana do Brasil”, conta Jaime prates, que integrou o grupo ao lado de Zé carratu e carlos Delfino, entre 1984 e 1989. essa história está contada em “a arte de Jaime prades”, edição bilíngue que percorre 20 anos de carreira do artista paulistano.

Livro
O mundo transformado em imagem
A Fotografia – entre Documento e arte contemporânea / André Rouille / Editora Senac / R$ 85

Redator-chefe de “la recherche photographique”, publicação francesa destinada à reflexão e à pesquisa no campo fotográfico, andré rouille apresenta neste livro uma pesquisa de fôlego sobre a fotografia documental – desde sua utilização como instrumento de expedições militares, no século XiX, até sua recente apropriação pela arte contemporânea. a hegemonia do fotojornalismo, a fotografia como enunciado da verdade e a fotografia como ferramenta da arte estão entre os temas detalhadamente perscrutados pela lente obtusa deste autor.

A poesia do experimental no papel por Camila Molina, Estado de S. Paulo

Matéria de Camila Molina originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo em 5 de dezembro de 2009.

Arnaldo Pedroso d"Horta (1914-1973) tinha uma "certeza da mão" que o compositor Paulo Vanzolini não via em ninguém. Artista, crítico de arte, ensaísta, jornalista e colaborador do Estado, foi premiado na Bienal de Veneza, em 1954, assim como na Bienal de São Paulo. Tratava o desenho como uma arte de "alta precisão", como define outro de seus amigos, o artista e fotógrafo Fernando Lemos. "Para devolver ao mundo os restos da matéria que absorveu, para que essas emanações incolores se tornem legíveis, para que sua fala sem língua se faça audível, para que sua dança recenda perfume - dai à mão uma caneta com pena. Os cinco rios secos para esta irão confluir, e por ela despejar-se no mar de papel", escreveu Pedroso d"Horta em 1956, justamente em texto intitulado Desenho da Mão. Tamanha ligação com a arte gráfica pode ficar esquecida, daí a importância do resgate feito pela mostra que a Pinacoteca do Estado inaugura hoje, com mais de 150 obras, perpassando toda a vida e produção do artista, também em documentos e escritos.

É uma retrospectiva especial, feita pela curadoria da crítica e historiadora Vera d"Horta, filha de Arnaldo. "Essa mostra é uma surpresa porque havia tendências diferentes naquela época (década de 1950). Era um tempo em que as utopias e as crenças das próprias ideias tinham espaço, inclusive para as individuais", diz Vera, rechaçando a simplificação que faz com que se pense ser aquele período apenas o da arte concreta. Mas a arte de Arnaldo tem a poesia e a experimentação de técnicas que a colocam além dos rótulos. O desenho, que sempre tratou como prática de "alta precisão", é valorizado como campo autônomo, não o primeiro passo para outros voos.

Como se pode ver na exposição, Pedroso d"Horta não apenas se utilizou da "caneta com pena", mas criou obras em papéis recortados a bisturi, cortiças e couro, como também gravuras e painéis de cerâmica. "Tinha um certo prazer no artesanato", diz a curadora sobre a ética do trabalho de seu pai. Nas obras, ainda ressalta, o artista deixava o gesto (sofisticado, inventivo, paciente, concentrado) conduzir as formas orgânicas, abstratas, figuras de animais, de pássaros, etc., que se entrelaçam nos desenhos - mas que são leves, como feitas "no silêncio do segredo", diz o artista Fernando Lemos em documentário presente na mostra.

A retrospectiva começa com obras nos anos 1950. Depois, inclui pinturas a óleo que Pedroso d"Horta realizou em 1949; gravuras (as matrizes foram doadas à Pinacoteca); projetos, ilustrações (para o Suplemento Feminino do Estado) e, com destaque, os desenhos.

Serviço
Arnaldo Pedroso D"Horta

Estação Pinacoteca
Lgo. Gal. Osório 66, Luz, São Paulo - SP
3337-0185
Terça a sábado,10-18h
Exposição até 14 de março de 2010

Quase R$30 milhões para projetos do MinC por Alessandra Duarte, O Globo

Quase R$30 milhões para projetos do MinC

Matéria de Alessandra Duarte originalmente publicada no Segundo Caderno do jornal O Globo em 5 de dezembro de 2009.

JUCA FERREIRA: incentivo a projetos como programas de rádio

Unindo o dinheiro de renúncia fiscal da Petrobras à seleção de projetos do Ministério da Cultura (MinC), a estatal vai destinar R$29,3 milhões, por meio da Lei Rouanet, para dez editais e cinco projetos do MinC, como o Conexão Artes Visuais, que terá cerca de R$2 milhões. O anúncio foi feito anteontem pelo ministro Juca Ferreira e pela gerente de patrocínio da empresa, Eliane Costa.

Parte das ações conjuntas entre MinC e Petrobras, que ocorrem desde 2005, a verba não vem do Programa Petrobras Cultural, o programa de patrocínio cultural da estatal — cujo resultado de editais como o de produção de longas está atrasado. Esperado para o segundo semestre, a última previsão da estatal dava conta de que ele sairia em novembro; agora, foi adiado para fim de fevereiro, por razões como a CPI da Petrobras e a crise internacional, segundo Eliane Costa. A edição 2010 do Petrobras Cultural será lançada em abril.

Dentro da ação com o MinC, o projeto que receberá mais recursos da estatal é o Brasiliana USP, a implantação de um centro de conservação e restauro de livros na USP, com R$5 milhões. O segundo Programa de Restauro de Filmes vem em seguida, com R$3,5 milhões.

A terceira edição do Prêmio Cultura Viva recebeu R$2,5 milhões. A Feira Música Brasil, que começa semana que vem em Recife, levou R$2,4 milhões. O quarto Revelando os Brasis, que filma em vídeo digital histórias de cidades de até 20 mil habitantes, terá R$2,1 milhões.

Uma novidade destacada por Juca Ferreira é o primeiro concurso para produção de programas de rádio, com R$974 mil. Há ainda, entre outros projetos, a produção de versões para deficientes visuais e auditivos de filmes nacionais, com R$450 mil.

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Matéria de Suzana Velasco originalmente publicada no Segundo Caderno do jornal O Globo em 5 de dezembro de 2009.

Ministro da Cultura diz que levará proposta ao Congresso até o fim de 2010

O ministro da Cultura, Juca Ferreira, disse anteontem que pretende submeter à aprovação do Congresso, em um ano, um fundo público de desenvolvimento dos museus brasileiros, que começa agora a ter seus contornos delineados. Segundo o ministro, um percentual dos recursos desse fundo será destinado à aquisição de obras, tema de um encontro anteontem entre Juca Ferreira, o diretor do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), José Nascimento Júnior, e dezenas de diretores de museus brasileiros, no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio. Apesar de o tema proposto ser pontual, a conversa se estendeu para assuntos como a possibilidade de criação de um acervo nacional itinerante e mudanças na legislação brasileira no que diz respeito a direitos autorais e regulamentação do mercado de arte.

— A situação brasileira é muito precária, não há um sistema que dê conta não só de aspectos elementares, como a preservação física das obras, mas que garanta plenamente a visibilidade da obra de arte. Os museus não podem ser um sarcófago de obras — disse o ministro, acrescentando, ao fim do encontro de quatro horas, que o governo tem tempo suficiente para aprovar a criação do fundo. — Criou-se um consenso de que o Estado não trabalha em ano eleitoral. Mas o fim do governo é em dezembro de 2010.

Proposta de acervos de arte itinerantes pelo país

O ministro disse que há tempos queria se reunir para discutir políticas de aquisição de acervos, mas admitiu que o incêndio da coleção de Hélio Oiticica, em outubro, acelerou o encontro. Mesmo antes do incêndio, o meio de artes já vinha debatendo com alguma regularidade o problema da dependência dos museus à doação de obras. Esse foi um dos problemas discutidos, por exemplo, em abril deste ano, num encontro no Museu da Chácara do Céu, com críticos, artistas e o diretor do então recém-criado Ibram — que, segundo Nascimento, terá um orçamento de R$70 milhões em 2010, contra R$45 milhões neste ano.

— As sugestões e opiniões vão e voltam, há anos são as mesmas. Como vamos resolver isso agora, no fim do governo? Precisamos de uma proposta que tenha continuidade — afirmou o artista plástico Xico Chaves, assessor da presidência da Funarte. — Onde estão as propostas dos críticos e artistas? Onde está essa documentação toda?

Segundo o ministro, os museus não podem ser dependentes de doações. O Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), por exemplo, aceita 90% das doações, mas sua diretora, Mônica Xexéo, diz que não pode pedir recursos para adquirir obras sem que o prédio tenha condições de recebê-las (a instituição está em reforma desde 2006).

— O museu tem que pagar sempre ao artista, não pode ficar pedindo ou com expectativa de doação — disse o fotógrafo Wilton Montenegro, apoiado por outros artistas.

Juca Ferreira disse que pretende propor, junto com o fundo, uma “rede de reservas técnicas” de arte brasileira, que possa circular por instituições do país. A criação de uma coleção representativa da história da arte brasileira, itinerante, foi uma das principais reivindicações dos presentes ao encontro. O artista plástico Carlos Vergara sugeriu a criação de um espaço em Brasília —“um galpão, sem arquitetura do Niemeyer” — que possa emprestar peças de seu acervo e ser um parâmetro para curadores internacionais que desejem conhecer a arte brasileira. Mas o ministro disse que não pretende que essa coleção fique em Brasília, mas que esteja espalhada por diversos pontos do país.

“A Funarte tem que definir sua identidade”, diz ministro

Juca Ferreira ressaltou que o fundo público para os museus estaria vinculado à nova Lei Rouanet — atualmente em análise na Casa Civil —, desviando o foco atual de privilegiar eventos pontuais, subordinados aos diretores de marketing das empresas patrocinadoras. Mas ainda não há qualquer previsão de montante e formato do fundo, nem o percentual destinado a cada setor dos museus.

— O governo federal ainda não é capaz de financiar a parte estruturante dos museus, ficamos só no eventual. Com a atual Lei Rouanet, a renúncia fiscal é responsável por 80% do dinheiro do ministério. Estamos mudando todo o sistema de financiamento de cultura, para não dependermos do marketing das empresas — disse o ministro, acrescentando que a legislação sobre direitos autorais e de taxas e impostos de obras de arte dificilmente será aprovada no governo Lula.

O ministro afirmou ainda que o papel da Fundação Nacional de Artes (Funarte) precisa ser repensado.

— Em certo momento, achava-se que o Estado não era necessário para estimular as artes, que o mercado faria isso. A recomposição desse papel tem que ser feita com muita delicadeza — disse ele, acrescentando que esse processo está sendo mais difícil na área de artes visuais. — Faltou uma repercussão do nosso trabalho dentro da Funarte, uma concentração na formulação de políticas públicas nas artes visuais. A Funarte tem que definir sua identidade.

Diante das reclamações sobre a falta de recursos, constantes durante todo o encontro, Juca Ferreira afirmou que a formulação de políticas públicas convida os investimentos, mas reconheceu:

— As políticas culturais brasileiras não dão para o gasto para que os museus cumpram seu papel social.

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Diretores de museus desabafam por Roberta Pennafort, O Estado de S. Paulo - 04/12/2009

Diretores de museus desabafam por Roberta Pennafort, O Estado de S. Paulo

Matéria de Roberta Pennafort originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo em 4 de dezembro de 2009.

Reunião ontem com o ministro Juca Ferreira, para discutir renovação de acervos, virou um fórum repetitivo de reclamações

A criação de um fundo permanente para a manutenção de museus, o investimento em aquisição de acervo e a possibilidade de instalação de centros de reserva técnica pelo País foram os pontos principais tratados no encontro que o ministro da Cultura, Juca Ferreira, e o diretor do Instituto Brasileiro de Museus, José do Nascimento Junior, tiveram ontem, no Museu de Arte Moderna, no Rio, com cerca de 40 representantes de instituições, artistas e curadores. O foco inicial era a compra de acervos, mas, diante da complexidade dos problemas por que passam os museus brasileiros, de vazamentos de água em seus prédios à falta de público (menos de 10%da população brasileira já foi a um museu pelo menos uma vez na vida), a reunião, que durou três horas, acabou tocando em outros temas que preocupam a todos os envolvidos no setor.

Não são questões novas, como colocaram artistas e curadores, e conforme reconheceu o ministro. "Sempre surge uma sensação de dèja vu. Um golpe de mão seria mais rápido, mas não teria legitimidade", disse Ferreira, ao citar outras reuniões em que se discutiram os mesmos problemas e se fizeram propostas semelhantes para resolvê-los. O ministro, que anotou o que foi falado, assim como Nascimento, disse que espera ter um documento com as diretrizes para a criação de um fundo para os museus, que entraria no escopo da nova Lei Rouanet, até "março, abril ou maio" do ano que vem. A ideia é que se envie ao Congresso antes das eleições, de modo a garantir sua sobrevida. Tudo vai depender do orçamento do Ministério - Ferreira espera a confirmação do aumento para 1% do orçamento federal até o fim deste ano (hoje é de 0,6%, sendo que o sonho é se chegar a 2%; o entrave é que "a área econômica continua pensando a cultura como gasto, não como investimento", ele lamentou).

Dois pontos cruciais que marcaram as intervenções foram a preservação e a visibilidade da arte no Brasil. Uma proposta interessante defendida tanto pelo curador Marcio Doctors quanto pelo artista plástico Carlos Vergara é a criação de reservas técnicas que guardem obras que não pertençam efetivamente a museu algum, mas que possam ser disponibilizadas para públicos de várias cidades.

"Tenho dúvidas com relação ao modelo atual de museu. Neste momento, deveríamos pensar muito mais em um esquema de reservas técnicas abertas que contemplem um pensamento em rede, onde seria desaguada a produção atual e que tenham condições mínimas de preservação", sugeriu Doctors. "Deveria haver um acervo nacional de arte contemporânea em Brasília. Eu não estou falando de um museu do Niemeyer, mas um galpão mesmo", disse Vergara. Ele também defendeu que o governo subsidie o acesso aos museus, lembrando que sua exposição, no MAM do Rio, custa R$ 8.

Ferreira disse que queria ter feito a reunião há um ano e meio, mas desistiu da intenção inicial, de promover uma conversa conjunta também com galeristas, marchands, artistas e museus públicos e privados, porque percebeu que seria muito difícil chegar a qualquer consenso. O incêndio que, em outubro, destruiu parte da obra de Hélio Oiticica, guardada por sua família no Rio, antecipou o encontro. Ele ressaltou a necessidade de se trabalhar junto com o Ministério da Educação para qualificar os quadros técnicos dos museus, encorpando-os "conceitualmente". Concordou, em vários momentos, que é preciso avançar muito.

"A situação brasileira é muito precária. Não há um sistema que de fato dê conta dessa complexidade, mesmo dentro dos aspectos mais elementares, como a preservação física dos acervos. Não adianta a gente se mobilizar, num espasmo de consciência, quando acontece um acidente", disse. Ferreira anunciou que o orçamento do Ibram, instituído no início deste ano, crescerá em 2010 de R$ 45 milhões para R$ 70 milhões.

À tarde, o ministro anunciou o lançamento de dez editais junto com a Petrobras, no valor de R$ 29,3 milhões, a serem investidos em projetos de artes visuais, restauro de filmes e design, entre outras áreas. Os recursos serão disponibilizados graças aos lucros altos obtidos pela empresa.

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Quase R$30 milhões para projetos do MinC por Alessandra Duarte, O Globo - 05/12/2009

Duas chances de entender a arte conceitual de Felix por Roberta Pennafort, O Estado de S. Paulo

Matéria de Roberta Pennafort originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo em 3 de dezembro de 2009.

No Jardim Botânico, espaços inusitados concentram as esculturas do carioca

O ponto de partida foi um monumental bloco de 33 toneladas de mármore de Carrrara, na Toscana, que, cortado na Itália mesmo numa máquina especial, a partir de um desenho enviado por e-mail, virou um anel com 2,34 metros de diâmetro externo e a metade do peso. Três anos atrás, a peça veio de lá de navio. Seguiu do Rio para Vila Velha (ES), de caminhão, até o Museu Vale, onde foi exibido pela primeira vez. Cravado sobre três vigas de ferro de seis metros de altura dispostas verticalmente, o anel, obra do artista plástico carioca Nelson Felix, intriga agora quem passa pelo espaço das Cavalariças do Parque Lage.

A exposição foi aberta semana passada, assim como outra, paralela, na H.A.P Galeria, de Heloisa Amaral Peixoto, também no Jardim Botânico. Lá estão seis esculturas do mesmo material e com peças em ouro e bronze, além de dez desenhos em ouro sobre papel. A galerista viu na mostra a deixa para uma reforma e mandou ampliar a casinha da Rua Abreu Fialho em 50 metros quadrados para melhor abrigar suas peças. Essas obras também partiram de um bloco único. Felix não quer mesmo saber de emendas.

"O grande barato da arte contemporânea é que ela é totalmente permeada de conceito. Tudo é passível de ser lido sensível e teoricamente", diz. "A emenda só vai existir se eu quiser. No caso do anel, há a ideia do círculo, de estar dando a volta ao mundo. Se o conceito é de inteireza, tem de ser inteiro. Se você tiver de ficar lixando uma peça por seis meses, você fica. Isso é um presente que o artista dá pra si."

A arte de Felix dá a volta ao mundo há tempos. Traçando linhas no globo, ele a levou ao Caribe, à Islândia, à Austrália e à China, como um desdobramento da mostra no Museu Vale. Em pontos escolhidos a partir das coordenadas do museu, ele abandonou peças em mármore à sua própria sorte, na natureza.

Nas Cavalariças, galpão que já serviu de abrigo para cavalos da antiga fazenda original, ele já havia exposto em 2001. Parece uma extensão da floresta do lado de fora. Dessa vez, encheu o lugar de vigas que furam o piso de madeira. Para o anel escorregar até próximo ao chão, içado por guindaste, foi necessário retirar telhas da velha estrebaria.

É o trabalho se expandindo para além dos limites do espaço expositivo, uma marca que distingue o trabalho deste viajante que há 30 anos fixou residência e seu ateliê em Muri, na Região Serrana no Rio, a duas horas da capital. É um lugar recolhido, onde o celular não pega, e não há ninguém para distraí-lo de suas reflexões. "Hoje, estar lá é fundamental para o meu trabalho, porque a relação com o tempo é muito espichada. A sensação de se estar sozinho é importante."

Formado em arquitetura, Felix estudou com Lygia Pape e Ivan Serpa na década de 70. Ele trabalha com mármore desde o início dos anos 90. O material não é fácil. É caro, tem de ser importado da Europa, são poucas as opções de empresas que o cortam, eo transporte é complexo.

Em junho de 2005, uma de suas obras, Vazio Sexo, que pertence a um colecionador brasileiro, se partiu em pedaços ao ser levada para uma exposição em Paris. Caiu da empilhadeira. A peça, um cubo de mármore de 90 centímetros de lado e 2,5 toneladas, com um outro cubo menor contido nele, como uma gaiola, havia lhe custado cinco meses. Felix está trabalhando na confecção de outra para reposição.

Vergara e Pizarro: o gosto por misturas incomuns por Roberta Pennafort, O Estado de S. Paulo

Matéria de Roberta Pennafort originalmente publicada no Caderno 3 do jornal O Estado de S. Paulo em 3 de dezembro de 2009.

Os dois artistas mostram no MAM do Rio trabalhos distintos, mas revelam uma preocupação com suportes pouco convencionais, de lenços e papel craft a parafina

Obras de arte que se utilizam de suportes pouco convencionais estão em exposição em dose dupla no Museu de Arte Moderna do Rio. No salão monumental, estão 200 trabalhos de Carlos Vergara, dos anos 60 para cá, sobre lenços, cortes de poliéster, papel craft; na entrada, foi alocada Morros Velados, a pequena mostra de Luiz Pizarro, com 20 trabalhos inéditos à base de parafina produzidos nos últimos três anos.

Carlos Vergara: A Dimensão Gráfica - Uma Outra Energia Silenciosa fica no MAM até 14 de março. É uma oportunidade de conhecer um Vergara que vai além da pintura. O foco está no desenvolvimento de sua linguagem gráfica, por meio de monotipias (em lenços, por exemplo), desenhos (como as que resultaram em camisetas de blocos de carnaval), fotografias (em especial, registros do carnaval carioca, em parte tridimensional) e gravuras.

"Achei que este era um novo olhar sobre o trabalho, e muito interessante", diz Vergara, ao comentar o recorte feito pelo curador George Kornis, de cuja coleção saiu parte das obras. Uma outra veio do acervo pessoal de Vergara, que até pouco tempo atrás estava "acumulado de forma não-científica" em seu ateliê de Santa Teresa. Quem o ajudou a colocar tudo em ordem foi o filho, João. "Eu produzo coisas e vou me apaixonando por algumas, querendo que elas fiquem perto de mim."

O mural Nara (2001), de 7 m x 2,10 m, impressiona já na entrada. O Painel de Veneza, de 20 metros de comprimento, que foi para a edição do festival italiano de 1979 e integra a Série Carnaval, nunca havia sido exposto no Rio. É uma boa amostragem de décadas de uma produção que não para - na exposição, há trabalhos de 2008 e deste ano. Vergara não gosta de voltar-se ao passado. "O termo "retrospectiva" parece que é relativo a alguém que está no fim do caminho, olhando para trás. Estou em plena produção."

Revelado na mostra coletiva Como Vai Você, Geração 80?, realizada em 1984 no Parque Lage, no Rio, com artistas como Beatriz Milhazes, Daniel Senise e Jorge Guinle, Pizarro é um carioca radicado há dois anos em São Paulo. A distância de sua cidade - em períodos diferentes, ele morou em Colônia, na Alemanha, e em Paris - fez com que seu olhar sobre a cidade em que nasceu se tornasse um pouco estrangeiro.

Ele procurou, na internet, fotografias do Rio feitas por turistas. A partir delas, criou imagens que remetem a cartões postais, como o Cristo Redentor, o Pão-de-Açúcar e a Lagoa Rodrigo de Freitas, e a morros tomados por favelas. Por vezes, a paisagem carioca é invadida por gárgulas da Catedral de Notre Dame, "lembranças" de Paris que ele associa às brasileiríssimas carrancas do Rio São Francisco.

A parafina é de velas comuns e é "colorida" de preto. No caso das peças maiores, foram gastas até 500 velas. Pizarro já havia trabalhado com o material por volta de 1995, quando ele estava na Alemanha. Foi uma descoberta por acaso, lembra o artista. Ele estava fazendo experiências no ateliê e percebeu que, ao cobrir as velas derretidas com papéis impressos, a tinta passava para a parafina. Por volta de 2004, voltou a usar o material.

Pizarro já expôs obras do gênero no Paço Imperial, no Rio, e na Galeria São Paulo. No caso das de Morros Velados, sua reflexão tem a ver com a dicotomia entre a autoimagem da cidade e como ela é vista de fora. "Essa é uma maneira de falar da gente. O distanciamento fez com que eu tivesse menos o olhar de pai e mãe, que protege. O Rio é maravilhoso, mas temos problemas." A exposição fica no MAM até 3 de janeiro.

Museu Nacional amplia acervo de contemporâneos por Roberta Pennafor, O Estado de S. Paulo

Matéria de Roberta Pennafor originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo em 3 de dezembro de 2009.

Com a nova política de aquisições, instituição recebe obras de colecionadores e dos próprios artistas

A seção mais conhecida do Museu Nacional de Belas Artes é a de pintores brasileiros do século 19, como Vitor Meireles, Pedro Américo e Almeida Júnior. Mas a política de aquisição hoje privilegia a arte contemporânea, que ganhou uma galeria nova em 2006. A produção atual também responde por 80% das 6.500 das doações feitas à instituição nos últimos seis anos, por pessoas jurídicas, colecionadores e pelos próprios artistas.

Nesse período, o MNBA recebeu obras de nomes como Daniel Senise, Adriana Varejão, Manfredo de Souzanetto e Gonçalo Ivo. "Os próprios artistas ajudaram a criar a galeria de arte moderna e contemporânea, que antes se chamava galeria do século 20. Começa em Visconti e passa por Tarsila, Di Cavalcanti, Portinari. Temos buracos na coleção, estamos buscando Lygia Clark, Helio Oiticica, Ismael Nery...", explica a diretora Mônica Xexéo, que calcula em mil a média de obras doadas todos os anos.

Ela lembra que antes de pensar em adquirir acervo foi preciso pôr ordem na casa. O prédio construído para sediar a Escola Nacional de Belas Artes, e hoje abriga cerca de 16 mil peças de arte, entre pintura, escultura, desenho e gravura brasileira e estrangeira, foi inaugurado em 1908 e estava malconservado até três anos atrás. De lá para cá, o telhado foi consertado, a área da reserva técnica, dobrada, e a construção, modernizada.

Finalizada a grande reforma, o MNBA adquiriu, com recursos do Programa de Qualificação dos Museus para o Turismo, dos Ministérios do Turismo e da Cultura, sete peças que retratam membros da família Ferrez, ao custo de R$ 450 mil. Elas chegaram ao museu no início deste ano. "Agora, estamos seguros para realizar aquisições. Eu não podia pedir antes, sem ter como guardá-las", diz Mônica. Ela não acha que seja "necessariamente difícil" conseguir verbas federais para a compra de acervo - o que deve ocorrer no ano que vem.

Mônica acredita que a possibilidade de dedução do valor da doação do Imposto de Renda pode aumentar o pequeníssimo número de colecionadores particulares, que só chega a 1% do total no caso do MNBA. Quando se trata de artistas vivos que fazem suas doações, a medida os ajudaria a se manter, opina.

O Museu de Arte Moderna tem o privilégio de contar com as aquisições anuais da Coleção Gilberto Chateaubriand, que segue em regime de comodato desde 1993. O megacolecionador, dono do mais completo conjunto de arte moderna e contemporânea brasileira, num total de mais de 6 mil peças de cerca de 300 artistas, compra em média 300 obras por ano. Com isso, ganha o MAM, que se mantém atualizado com a produção nacional.

Chateaubriand, que tem obras também em museus públicos, como o MAC de São Paulo - o MAM do Rio é privado, então não se enquadraria nos casos passíveis de dedução -, acha que o incentivo de 6% teria de ser maior para que outros colecionadores se sintam estimulados. "Isso não é nada, 6% é muito tímido. E doação é algo muito complicado, porque não se tem a garantia da permanência da instituição."

Na opinião do curador do MAM, Luiz Camilo Osório, para convencer particulares a ajudar é preciso ainda desburocratizar o processo. Não só no caso das doações, mas também de repasses para manutenção de reserva técnica, investimento em pessoal, em equipamento e em infraestrutura. "Os departamentos de marketing das empresas não estão interessados nisso, porque não dá tanta visibilidade. Se não for via incentivo ou via Fundo de Cultura, fica difícil."

No mundo das artes, doar ainda é problema por Camila Molina, O Estado de S. Paulo

Matéria de Camila Molina originalmente publicada no Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo em 3 de dezembro de 2009.

Autoridades no assunto discutem os impasses na hora de renovar acervos

No ano passado, o Museu de Arte Contemporânea (MAC) da USP renovou seu acervo com um conjunto de 40 obras do fotógrafo mexicano Pedro Meyer, pioneiro da fotografia digital há quase 30 anos. Para adquirir as obras, pagou uma taxa simbólica de US$ 1 mil e ainda contou com patrocínio de uma empresa de impressão de imagens. Criou-se, até mesmo, certo problema na alfândega quando as dezenas de peças chegaram ao Brasil "compradas" por um preço tão baixo. Na verdade, tudo não passou de uma estratégia conjunta entre o MAC e o artista para que as imagens, enfim, ajudassem a preencher a lacuna de fotografias contemporâneas do museu - os recursos eram para despesas de transporte, como diz a vice-diretora da instituição, Helouise Costa. "Da década de 1980 até hoje, quando a USP decidiu não mais dar verba para aquisição, apenas para manutenção, o MAC depende de doações."

Se alguém pensa que é fácil doar e receber obras de arte, o exemplo acima mostra que não é bem assim. No Brasil, este não é um problema específico apenas de um museu. Como as regras e as políticas de aquisição de obras para instituições ainda se firmam no País, os museus, sem verba para a compra de peças artísticas, têm de esperar a boa vontade de colecionadores ou dos próprios artistas que querem doar suas obras.

"Em termos genéricos, política de aquisição existe, mas é uma complicação", diz o curador-chefe do Museu de Arte de São Paulo (Masp), Teixeira Coelho. Respeitando a vontade de anonimato de um colecionador, ele cita um exemplo recente vivido pela instituição: um colecionador queria ceder ao Masp a obra de um artista moderno estrangeiro, comprada no exterior, mas os impostos cobrados pela Receita Federal não faziam valer sua boa vontade. "Ou se concorda em isentar as doações de tantos impostos ou o museu tem de arcar com os impostos e, nesse caminho, quase sempre o doador desiste", diz Teixeira Coelho, que defende uma "ação concertada" entre os ministérios da Cultura e da Fazenda. "Todo mundo quer cultura, mas não quer pagar por ela", continua o curador, ainda emendando que há outro entrave: como hoje as obras de muitos artistas brasileiros se equiparam às de estrangeiros - uma peça do escultor Sérgio Camargo (1930-1990) de 1964 foi vendida recentemente em Nova York em leilão da Sotheby"s por US$ 1.594.500 -, "as pessoas pensam mil vezes antes de doar uma obra".

Hoje pela manhã, ocorre no Museu de Arte Moderna do Rio uma reunião solicitada pelo ministro da Cultura, Juca Ferreira, com diretores de instituições nacionais e representantes do Instituto Brasileiro de Museus (Ibram) justamente tendo como tema a política de aquisição de acervos. Trata-se de uma continuidade de discussões sobre a questão, alavancada, ainda, pelo episódio do incêndio de obras de Hélio Oiticica (1937-1980) e de seu pai, o fotógrafo José Oiticica Filho (1906-1964), ocorrido em outubro, na casa da família dos criadores, no Rio - as peças deveriam estar em uma instituição, mas como familiares podem ceder as criações aos aparatos museológicos? "Desde 2003 há um edital do Ministério da Cultura de modernização de museus, que permite aquisição de obras, mas poucas instituições usam porque, primeiro, necessitam da qualificação das reservas técnicas. Nossa intenção é que tenhamos um edital específico de R$ 10 milhões para aquisição de acervo, via Petrobrás ou ministério", diz José do Nascimento Jr., do Ibram.

Outras propostas de estímulo à doação/cessão são a de lei do deputado Angelo Vanhoni (PT-PR) de dedução de 6% do Imposto de Renda do valor de obras de arte doadas (leia ao lado) e o anteprojeto de Michel Etlin (Associação Nacional das Entidades Culturais Não-Lucrativas) também de incentivo fiscal para patrimônio de herança - e pode-se citar ainda os editais da Caixa Econômica Federal e da Funarte, ambos da esfera federal. "Governos estaduais e municipais também têm de adquirir", diz Nascimento.

Apesar de as instituições terem seus conselhos consultivos para decidir se a obra tem relevância para entrar no acervo do museu - e "a maioria não é aceita, é um ônus para a instituição", como diz Helouise Costa -, a doação é a principal fonte de aquisição. Mas esta é uma época diferente das décadas de 1940 e 50, quando figuras como Ciccillo Matarazzo e Assis Chateaubriand doaram suas coleções preciosas para criação do MAC e Masp. Já houve casos notáveis, como o da tela Banhista Enxugando o Braço Direito, de Renoir, que foi cedida em 1948 ao Masp por uma lista de nada menos do que 26 doadores. Era a sociedade se mobilizando em nome da arte.

Dois Mecanismos:

DOAÇÃO: Obras doadas por artistas ou por terceiros têm sido o principal mecanismo de entrada de peças nos acervos dos museus, já que não há verbas específicas nas instituições para compra de obras. Mesmo assim, como diz Teixeira Coelho, as doações "existem a conta-gotas", grande parte delas, de obras sobre papel, que têm preços reduzidos. Para colecionadores, um entrave criado são os impostos cobrados pela Receita Federal.

LEI ROUANET: O uso de patrocínio por meio da lei de incentivo ainda é pouco utilizado pelas instituições, dado, entre um dos motivos, pelas exigências do Ministério da Cultura para a aprovação dos projetos de aquisição. "Nem sempre as instituições têm claro o que querem", diz José do Nascimento Júnior, do Ibram. O MAC, por exemplo, teve seus projetos recusados, mas o MAM e a Pinacoteca vêm tendo uma entrada razoável de obras em suas coleções por meio de patrocínio de empresas - o caso de maior vulto ocorreu no ano passado, quando as duas instituições receberam R$ 2 milhões do banco Credit Suisse para compra de obras. Parcerias de instituições com as feiras SP Arte e Pinta/NY têm sido também fonte.

Destaques De Aquisições Recentes:

MAM- SP: Em 2009 entraram para o acervo da instituição75 obras, entre doações feitas por artistas, por terceiros, por intermédio dos Clubes de Colecionadores de Fotografia e de Gravura do museu e por patrocínio de empresas. Entre as aquisições, estão obra da década de 1950 da pintora concretista Judith Lauand, a única mulher que participou do Grupo Ruptura; a instalação Pic Nic (2000), de Marco Paulo Rolla; duas gravuras de Arthur Luiz Piza de 2009 e uma de Mira Schendel, de 1975; as cadeiras Harumaki, Golfinhos e Tubarões e Cone, dos irmãos-designers Fernando e Humberto Campana; um conjunto de cinco trabalhos realizados entre 1968 e 1975 por Antonio Manuel - Clero Define Situação, Sem Repressão Há Ordem; Contra Repressão, Guerra do Consumo/Vampiro Insaciável e Povo; além de obras fotográficas de Adriana Varejão e gráficas de Albano Afonso e grande núcleo de 24 peças de Luiz Guardia Neto, a maioria delas, da década de 1970. O MAM já teve aprovado pelo Ministério da Cultura seu plano de aquisição para 2010, no qual as telas Dados (R$ 250 mil) e Andamento I (R$ 750 mil), ambas da série dos Carretéis, de Iberê Camargo - segundo Felipe Chaimovich, não há obra do pintor no acervo do museu.

MASP: Fazendo uma comparação entre a arrancada de doações que o museu recebeu em sua implantação, movimento ocorrido principalmente até o fim da década de 1950, o Masp teve um declínio grande de entrada de obras em seu acervo, amplo, diga-se de passagem (tem cerca de 7 mil obras). Em 2009 entraram para a coleção da instituição apenas seis (!) peças: dois trabalhos sobre papel e um óleo sobre tela de Niobe Xandó, uma armadura do século 19; uma tela de Nelson Screnci - Metamorfose de Excluídos; e Natureza Morta com Relógio, óleo e têmpera sobre tela e madeira de Leo Contini. Todas as obras foram doadas. Mas vale citar como obras adquiridas recentemente o desenho Cavaleiro (1940), de Salvador Dalì - no ano passado; a tela Cena Mitológica (1498), atribuído a Guercino - em 2006; e a instalação Apartamento, de Regina Silveira - doada pela artista em 2007.

PINACOTECA: EM 2009, o museu teve 66 obras adquiridas, sendo 15 pela doação do Credit Suisse (trabalhos de Daniel Senise, Rosangela Rennó, Beatriz Milhazes, Valeska Soares, Carmela Gross, Efrain Almeida, Carlos Zilio, Ivan Serpa, Marepe e Caetano de Almeida; 49 com articulação de verba do Governo do Estado de São Paulo - entre elas, conjunto de gravuras de Fayga Ostrower e Anna Letycia; 1 pintura, Casario (1946), de Iberê Camargo, doação Associação dos Amigos da Pinacoteca; e 1 escultura em madeira de Amilcar de Castro, por meio de edital da Funarte.

MAC-USP: A instituição teve 20 obras doadas incorporadas em seu acervo este ano: três do artista Alex Flemming; a instalação Árvore do Desejo, de Yoko Ono; sete gravuras de Renina Katz, realizadas pela gravadora entre 2002 e 2003; e nove serigrafias e litografia de Claudio Tozzi, dos anos 1970 e 1990.

Projeto de lei

Foi aprovado no dia 4 de novembro um projeto de lei que abre a possibilidade de os doadores de obras de arte deduzirem de seu Imposto de Renda até 6 % do valor da doação. Quem aprovou foi a Comissão de Educação e Cultura da Câmara dos Deputados e o projeto (número 2764/08) é de autoria do deputado federal Angelo Vanhoni (PT-PR). Haverá uma restrição: para acionar o desconto no IR, essas obras devem ser cedidas a instituições que façam parte do Sistema Brasileiro de Museus. O projeto deve ainda passar pela Comissão de Finanças e Comissão de Justiça, processo que Vanhoni acredita ocorrer até no máximo no primeiro semestre de 2010.

"Isso dá um estímulo tanto para quem é pessoa jurídica quanto física. Às vezes, na casa de alguém tem um quadro ou uma obra, mas essa pessoa é herdeira e nem tem relação ou aprecia aquele trabalho que deveria estar melhor cuidado em acervo público", diz o deputado. O valor de 6%, segundo Vanhoni, se deu diminuindo pela metade a média das alíquotas de IR que variam entre 15% e 25%. "Senão a área de finanças e arrecadação do governo não aceitaria a proposta."

O estímulo foi visto como positivo para a maioria dos entrevistados pelo Estado, mas Emanoel Araújo, do Museu Afro Brasil, acredita que seja pouco. "Deveria ser de 50%."

A estética do movimento pelo pioneiro Abraham Palatnik por Camila Molina, O Estado de S. Paulo

Matéria de Camila Molina originalmente publicada no Caderno 2 do Estado de S. Paulo em 2 de dezembro de 2009.

Mostra apresenta síntese de sua trajetória dedicada a criações cinéticas no Brasil

Abraham Palatnik é considerado um pioneiro da arte cinética no Brasil. Antes de fazer suas primeiras máquinas, era apenas pintor, mas desistiu dos pincéis quando, em 1948, no Rio, visitou o Hospital Psiquiátrico do Engenho de Dentro com o crítico Mário Pedrosa, conhecendo, assim, o trabalho de arte que a doutora Nise da Silveira realizava com doentes mentais. "Fiquei muito impressionado com as pinturas que eles faziam. Quando as comparei com minhas obras, vi que meu subconsciente era muito pobre", diz Palatnik. O artista ficou atordoado, queria criar algo novo, e foi Pedrosa que o "acalmou" e o incentivou, dizendo que muito podia ser feito. "De repente me vi cercado de engrenagens, articulações, de uma pesquisa sobre a luz", afirma o artista. Em 1951, exibiu na 1ª Bienal de São Paulo o Aparelho Cinecromático, uma caixa em que são projetadas formas coloridas em movimento, obra que ninguém sabia definir naquela ocasião.

Desde então, foi uma trajetória sem limite para a experimentação, em técnicas, materiais e objetos cinéticos - e esse dado tão especial relacionado ao artista, agora com 81 anos, é o mote da exposição Ocupação Abraham Palatnik, que o Itaú Cultural inaugura hoje para convidados e amanhã para o público. Com curadoria de Aracy Amaral, convidada de Palatnik para tal tarefa, a exposição é enxuta, uma "síntese", ela diz, que ressalta a variedade de experimentações e que coloca, além de obras, três vídeos sobre o artista e o contexto das criações de seus trabalhos.

A mostra começa com o único óleo sobre tela do conjunto, único, também, autorretrato que Palatnik, nascido em Natal, no Rio Grande do Norte, realizou em 1945, em Israel, coincidentemente, concluído no dia em que foi anunciado o fim da 2ª Guerra. "Hitler estava acabado e já era esperado o término da guerra", conta o artista. Depois de seu autorretrato, única obra figurativa, seguem-se na mostra pinturas feitas com barbantes, ripas de madeira cortadas a laser e sobre vidro, duas raras criações em resina poliéster da década de 1970, além, claro, de objetos cinéticos realizados em anos diferentes - pelos quais Palatnik, que vive no Rio, está identificado - e um Aparelho Cinecromático que, instalado em uma sala escura, deixa o espectador hipnotizado pelo movimento lento e leve das combinações diversas de formas em tantas tonalidades.

Dar ordem ao movimento é uma das considerações que se faz em relação à obra de Palatnik, "artista anticaos" que, curiosamente, ressalta em suas criações algo de lúdico nos objetos feitos de uma tecnologia simples e inteligente. "Penso nos objetos cinéticos dele como um trabalho de relojoaria, em que os elementos se unem em harmonia", diz Aracy. "Sempre trabalhei sozinho nos mecanismos e máquinas, fazendo articulações inventadas por necessidades imediatas: e deu certo", afirma agora Palatnik, que, curiosamente, conta que seu ensejo para a criação de seu primeiro Aparelho Cinecromático foi a observação da sombra de uma vela em um dia que houve falta de eletricidade.

Iniciou-se, assim, uma pesquisa de décadas sobre a luz e o movimento sem deixar de ser, ainda, uma experimentação com a cor - Palatnik "também" é pintor, como diz. Para um artista que se baseou em "princípios estéticos, a vida toda", ele afirma, chama a atenção que o cinetismo não se dá apenas nas máquinas e aparelhos, mas também nas telas, que são construções, relevos em progressões e ondulações de camadas de ripas de madeira, cartões cortados com estiletes, tela com barbantes ou a pintura de uma geometria leve sobre o vidro. "Fui desenvolvendo a técnica adequada para cada material", afirma Palatnik. Primeiro, como frisa, sua preocupação é o movimento para depois colocar a cor, "último elemento, o mais prazeroso", diz Aracy.

Documento une 28 instituições de arte de SP, Folha de S. Paulo

Matéria originalmente publicada na Ilustrada da Folha de S. Paulo em 1 de dezembro de 2009.

Reunião pretende ampliar papel da cidade no circuito artístico e propõe ações na Bienal

Encontro foi conduzido pelo presidente da Bienal; Itaú Cultural, MAM e Sesc são algumas das entidades que participam de acordo

Com a assinatura de 28 instituições culturais, foi lançado ontem o manifesto "Unindo Esforços durante a 29ª Bienal -São Paulo, Polo de Arte Contemporânea", na Fundação Bienal de São Paulo. O encontro contou com significativos membros da área na cidade, como o secretário de Cultura do Estado, João Sayad, e o diretor regional do Sesc em São Paulo, Danilo Santos de Miranda.

O documento afirma que São Paulo, "principal centro de difusão artística do país, credencia-se naturalmente a ampliar seu papel de protagonista no processo cultural, assumindo-se como polo mundial de arte".

As 28 entidades propõem quatro ações em torno da 29ª Bienal de São Paulo, prevista para ocorrer entre 21 de setembro e 12 de dezembro do próximo ano: articular a grade de exposições; privilegiar exposições sobre a relação entre arte e política, tema da Bienal; promover seminários e debates que aprofundem essa temática; conduzir iniciativas para divulgar essa programação no Brasil e no exterior.

Nova administração

O encontro, conduzido pelo presidente da Fundação Bienal São Paulo, Heitor Martins, teve como um dos seus objetivos "sair da intenção para ações concretas" (leia ao lado), como afirmou o empresário no início dos debates. Sua gestão foi celebrada de forma unânime.

"É com entusiasmo que estou aqui pela nova administração da Bienal", anunciou o secretário Sayad, enquanto Miranda apontou "a excelência deste momento", que Marcelo Araujo, diretor da Pinacoteca do Estado, indicou como "de entusiasmo".

"Há muito tempo se busca uma articulação entre as instituições culturais; há lugar para todas e falta muita coisa. Aqui está a importância desse grupo", disse Miranda.

PASSE ÚNICO PARA MUSEUS É DISCUTIDO

Entre as propostas concretas elencadas durante a reunião que aconteceu ontem na Fundação Bienal, estão a criação de um "passe único", que daria entrada a todos os museus da cidade durante a Bienal; um "bilhete único", com o qual a população poderia usar o transporte público para visitar todas as exposições programadas; um cronograma de aberturas de mostras que seja programado com antecedência, e a ação educativa da Bienal integrada com as ações educativas dos museus de São Paulo.

Entre as instituições que assinam o manifesto "Unindo Esforços durante a 29ª Bienal -São Paulo, Polo de Arte Contemporânea" encontram-se a Associação Videobrasil, o Centro Cultural Banco do Brasil, a FIESP, o Itaú Cultural, o Instituto Tomie Ohtake, o Museu Afro Brasil, o Museu de Arte Moderna, Museu de Arte Contemporânea da USP e o Sesc.