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NESTA EDIÇÃO:
Alex Flemming e Atelier FINEP no Paço Imperial, Rio de Janeiro
Raul Mourão na Lurixs, Rio de Janeiro
Boi e José Patrício na Nara Roesler, São Paulo
Trópico na Pinacoteca, A pertinência dos salões de arte na Pinacoteca do Estado, São Paulo
Arte da África - Idéias no CCBB, Rio de Janeiro
Museus de Arte: A Experiência Brasileira no Sheraton Hotel, Porto Alegre
CIRCUITO:
Edith Derdyk na Haim Chanin Fine Arts, EUA

 

Anna Maria Maiolino

Alex Flemming
Curadoria: Angélica de Moraes

Atelier FINEP
Anna Maria Maiolino, Carmela Gross, Gilvan Samico, José Damasceno, José Bechara, Marcelo Silveira
Curadoria: Anna Maria Niemeyer, Claudia Saldanha, Ivo Mesquita, Lauro Cavalcanti, Moacir dos Anjos
Curadoria geral: Lauro Cavalcanti

Mesa-redonda
Atelier FINEP e a criação contemporânea
Participantes: Sergio Machado Rezende, presidente da FINEP; Lauro Cavalcanti; Luciano Figueiredo, diretor do Centro de Arte Hélio Oiticica; Luiz Aquila, Rubem Grilo

2 de dezembro, terça-feira, 18h30

Paço Imperial
Praça XV 48
Centro  Rio de Janeiro
21-2533-4407
Terça a domingo, das 12 às 18h.
Exposição até 15 de fevereiro de 2004.

Este material foi enviado por Meise Halabi .
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Este material foi enviado por Juliana Rosa .
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Circuito
Edith Derdyk
Declive

9 de novembro a 20 de dezembro de 2003

Haim Chanin Fine Arts
210 Eleventh Avenue, suíte 201
NY  10001  New York  EUA
art@haimchanin.com
http://www.haimchanin.com
Maiores informações: Marília Razuk Galeria de Arte
11 - 30790853

Este material foi enviado por Galeria Marilia Razuk .
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TEXTOS DO E-NFORME:

Alex Flemming e Atelier FINEP no Paço Imperial

Alex Flemming
Sala Terreiro do Paço (térreo)

O artista paulistano apresenta 22 obras, entre pintura acrílica sobre fotografia impressa em PVC (plotter) - da série Body Builders, gravuras, desenhos, objetos de parede, de 1983 até hoje, sob curadoria de Angélica de Moraes.

A exposição é uma celebração do desejável, da sinuosidade dos músculos e do físico atlético. Flemming exalta o corpo e o desejo – temas recorrentes na sua obra desde os anos 80.

O eixo da mostra é a série de pinturas pop-barrocas Body Builders, inédita para o público carioca. São fotos de corpos de anônimos, de 200 x 150cm, plotadas sobre PVC, em que poros, pêlos e nuances da cor da pele são colocados em evidência. Sobre elas, o artista intervém com cores intensas e mapas de guerra, como os da Somália, do Oriente Médio, dos Balcãs etc, impressos como tatuagens.

“Há na obra de Alex Flemming uma fidelidade retilínea ao princípio renascentista de que o homem é a medida de todas as coisas. O corpo humano é, para ele, a ferramenta ideal para realizar sua arte”, segundo a curadora, no texto que acompanha a exposição.

Este princípio está presente nos demais trabalhos da exposição, realizados com técnicas diversas, nos últimos 20 anos. A escolha das peças que compõem este conjunto está diretamente ligada ao caráter fragmentado e serial da produção de Flemming. Embora defina-se como pintor, o artista traz na estrutura dos trabalhos a técnica e os fundamentos de quem possui formação na gravura.

Na montagem, a ordem cronológica é desrespeitada para manter a conexão com a essência da trajetória de Flemming. A intimista xerografia “Orquídea”, por exemplo, aparece ao lado de grandes composições fotográficas dos anos 80 e de roupas pintadas no início dos anos 90. Outras obras de períodos distintos integram a mostra, como a pintura em cetim sobre madeira “A True Lichtenstein portrait of David”, de 1983, e uma acrílica sobre linho da série “Atletas”, de 1989.


Atelier FINEP

O projeto é uma parceria do Paço com a FINEP criado em 1994, com o objetivo de incentivar a investigação de linguagem nas Artes Plásticas. Ao artista convidado é proposto apresentar um trabalho ligado a uma pesquisa, a um experimento ou à revelação de seu processo criativo.

Nesta edição, o projeto tem um elenco de cinco curadores: Anna Maria Niemeyer, Claudia Saldanha e Lauro Cavalcanti (RJ), Moacir dos Anjos (Recife) e Ivo Mesquita (SP).


Anna Maria Maiolino
Arroz&Feijão
Sala Gomes Freire

A instalação Arroz&Feijão, de Anna Maria Maiolino, é composta por uma mesa preta de 12,5m de comprimento, com 34 lugares, ordenados para um banquete, com pratos brancos, talheres, copos e guardanapos pretos. Os pratos estão cheios de terra e arroz e feijão germinados. Em uma vitrine, há 128 pratos brancos vazios. Duas mesas de apoio mostram o processo do plantio à germinação.

A artista mostra ainda o vídeo - 1|3 x 2|3 (16’, 2003), que enfatiza a boca como o receptor do alimento. Maiolino argumenta que a imagem “é uma forma de explicitar que 1|3 da população mundial come muito bem, enquanto 2|3 têm fome e alguns morrem, literalmente, de fome”.

Com esta obra a artista convida a refletir sobre uma questão primordial: o alimento e a falta dele. Enquanto nos pratos brancos germinam arroz e feijão, à mesa preta, enlutada, todos as cadeiras permanecem desocupadas, criando-se a expectativa do preenchimento destes vazios, que nunca acontece.
 
Em seu “memorial poético”, Maiolino diz que “esta instalação releva uma das necessidade primordiais e básicas do homem: o alimento e sua falta - a fome. A obra constrói metáforas através das sementes germinadas. A terra e o “Arroz&Feijão” apresentados nos pratos são, a um tempo, convite à reflexão e provocação…”

A primeira versão da instalação foi apresentada em 1979, na galeria da Aliança Francesa de Botafogo. Em 1980, foi remontada no Núcleo de Arte Contemporânea da Universidade Federal da Paraíba e, em 2002, participou da exposição Virgin Territory, no National Museum of Women in the Arts, Washington, USA. Passados 24 anos de sua criação, este trabalho de Anna Maria Maiolino não perde a atualidade.


Carmela Gross
Aurora
Sala Mestre Valentim

A artista paulista traz ao Rio a instalação Aurora, com 100 lâmpadas fluorescentes cor de rosa + reatores, com 400 fios aparentes em alturas que variam entre um e três metros.


Gilvan Samico
O outro lado do rio
Sala Academia dos Seletos

O artista pernambucano considera suas gravuras muito intimistas e as produz de maneira singular desde 1965: apenas uma nova xilogravura por ano, com lançamento sempre comemorado.

A inédita A caça, de 2003, será apresentada nesta exposição ao lado de outras 17, datadas de 1962 em diante. O outro lado do rio, título da mostra do Paço, é uma obra de 1980.

São composições com a figuração da vivência da cultura dos gravadores populares. Possuem elementos recorrentes como estrela, serpente, pássaro que são inseridos nas obras às vezes, sem tradução lógica, segundo Samico. A simetria das gravuras acontece sempre dentro de um eixo que divide a superfície, em que há a repetição da figuração ou sua passagem de um lado para o outro.

O universo imagético de Samico pode ter raízes em uma lenda ou “na pura imaginação”, descreve ele. Durante um tempo, sua obra teve ligação direta com a literatura de cordel. Essa relação, hoje, não existe mais, bem como a ausência de planos sucessivos que ocorreu lentamente nesta passagem.


José Damasceno
Ensaio sobre observação com lâmpada relativa
Sala Treze de Maio

A instalação do artista carioca Ensaio sobre observação com lâmpada relativa se compõe de dois trabalhos:
- Lanterna com captador - uma lâmpada gigante, com manga de vidro, encontrada pelo artista em um ferro velho, repousa no chão; ligado a ela, um captador, do qual sai um cabo;
- Arquivo vivo (Life File) - dezenas de pastas de papelão (arquivo morto), coladas umas às outras, reproduzem um sólido gigante, à semelhança de um arquivo morto.

Segundo Damasceno, são peças isoladas, mas ele pretende que elas criem um diálogo. A lâmpada não emite luz física, porém o artista supõe que a “lanterna possa criar um meio para a observação do arquivo”.

O sólido de arquivos tem recortes sinuosos, de formas orgânicas, que começam na parte externa e vão penetrando pelas caixas até atravessá-las e chegar ao lado oposto de onde se deu início o ‘desenho’.

“Os arquivos não estão mais vazios porque possuem desenhos, eles se enchem de recortes por onde o olhar passeia…”, propõe Damasceno.


José Bechara
Área de serviço
Sala do Trono

No espírito do Atelier FINEP, o artista apresenta uma experiência tridimensional em progressão, com o título geral de Área de serviço. O trabalho que expõe no Paço é Boca, em que objetos de uso cotidiano – armário, cama, cadeira, arquivo, escrivaninha etc - estão amontoados de forma a enfatizar suas linhas verticais e horizontais e “brotam” da porta de um cômodo de serviço para dentro da sala de exposição. É como se a sala de serviço “expulsasse”, deixasse escapulir do seu interior aquelas peças.

Há mais de um ano, Bechara pensa “discutir a utilização de formas corriqueiras, que escondem a geometria mais aparente”. Sua intenção é “a de produzir um acontecimento escultórico silenciando a memória daquela forma escultórica”, desabrigando esta memória da proteção que a “casa” (cômodo) representa.


Marcelo Silveira
Bochinche
Sala do Dossel

Em sua primeira individual no Rio, o pernambucano Marcelo Silveira mostra a instalação inédita Bochinche, composta de 12 peças de madeira (cajacatinga), com oito pontos cada, fixadas no teto. Por dentro de cada um dos pontos passa um mesmo fio de camurça, que sobe do chão, atravessa um ponto do teto, desce até o piso. O artista interfere no trajeto das tiras de camurça, entrelaçando-as.

Dispostas de forma assimétrica, as 12 peças presas ao teto, produzem um percurso também assimétrico dessa ‘trama’, que cria obstáculos à circulação do público e o impele a fazer diferentes percursos da entrada à saída da galeria.

Silveira explora um jogo de oposições: preencher um grande espaço com pequenas estruturas fixas e linhas flexíveis, ocupar a sala do chão ao teto com o cheio, por onde o espectador não passa, e o vazio, que permite a sua circulação.
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Raul Mourão na Lurixs

Raul Mourão é um artista jovem e inovador, que há 12 anos vem atuando no circuito de arte brasileira. Há quatro deles sem realizar uma individual no Rio, Raul prepara a exposição Pequenas Frações, que abre no próximo dia 29 de novembro na nova galeria Lurixs Arte Contemporânea, em Botafogo, no Rio, reunindo obras inéditas: duas pinturas, um vídeo-objeto, três serigrafias e duas esculturas.

"O que está nesta exposição de Raul Mourão provém, com certeza, de um sensor em movimento constante pelo ambiente social altamente saturado que, após captar determinado objeto ou situação, e inspecionar detidamente materiais, dimensões, formas, localizações, etc., procede imediatamente a uma sintética apreensão global do visado. Coloca-o numa espécie de programa de reestruturação plástica. O raciocínio aplicado é elástico, flexível, irônico e forma um conjunto de instruções sobre a visualidade urbana atual.", escreve o crítico Paulo Venâncio no folder de apresentação da mostra.

De fato, é através das imagens que capta no dia-a-dia da cidade grande ou mesmo na memória que Raul vai construindo as frações de seu trabalho. Nas pinturas, executadas com tinta automotiva e fórmica em placas de MDF, que se assemelham às utilizadas nas auto-estradas, o artista retira informação e desloca a leitura. Nasce uma figura geométrica e outra informação.

Já no vídeo-objeto Caderno de Anotações, um pequeno monitor de TV vai exibir 120 desenhos animados em computador desenvolvidos a partir da imagem fragmentada dos displays eletrônicos de sinalização. Os desenhos também remetem ao universo mais íntimo de Raul, pois foram retirados dos cadernos de anotações diariamente utilizado pelo artista.

Na esteira do mundo pessoal de Raul também estão duas esculturas, na verdade blocos de madeira de tamanhos variados que, quando empilhados, formam figuras de animais. "São simples construções que remetem às primeiras esculturas que fizemos na infância", explica o artista.

Três serigrafias – todas elas projetos, alguns utópicos, outros não – completam a exposição. Escultura para Waly, a idéia de uma grande cabeça de pedra meio-afundada no Mar de Ipanema; Maracanã enterrado, a imagem de um pedaço do estádio deslocado do estádio, sem jogo e sem torcedor; Mata-Mata, uma instalação com um trampolim no corredor do sexto andar e um escorrega no terraço do prédio.

"Este observador ativo fraciona a cidade local/global sem parar, de modo que o trabalho só pode ser múltiplo e o vocabulário plástico um programa que se aplica igualmente a desenhos, esculturas, vídeos, objetos, fotografias e instalações. Igualmente às grandes e pequenas frações", finaliza o crítico Paulo Venâncio.
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Boi e José Patrício na Nara Roesler

Cento e Vinte Dominós reúne na Galeria Nara Roesler três obras inéditas e recentes, além de outras realizadas anteriormente que fazem parte desta série que José Patrício (Recife, PE, 1960) vem desenvolvendo desde 2000. O artista trabalha com o jogo de dominó, ampliado na maioria dos trabalhos apresentados nessa exposição em combinações efetuadas, em cada vez, entre cento e doze dominós - o que leva cada uma a reunir um conjunto de três mil cento e trinta e seis peças.

Segundo o crítico Agnaldo Farias, as aglomerações quadriláteras formadas à base de dominós, ora fixadas nas paredes feito pinturas, ora espalhadas pelo chão como tapetes, afiguram-se como labirintos. “Seu jogo, como qualquer jogo, tem outras ordens além daquelas que se vê de imediato; ordens ocultas, como, por exemplo, as regras que presidem o doméstico jogo de dominó, em que as pedras, base material desse projeto construído por Patrício, são arranjadas de pé e de costas justamente para que cada jogador não consiga espreitar e prever os lances dos outros”, escreve.

“Ao utilizar as peças de jogo de dominó, busco uma relação entre arte e jogo, ordem e acaso”, explica José Patrício, que também está participando da Bienal de Cuba e da atual edição do Panorama MAM – SP. Segundo ele, este conjunto de obras nasce da necessidade de estabelecer novas categorias para a expressão visual, questionando os limites da arte, além de permitir a apropriação de objetos do cotidiano e sua incorporação ao domínio da experiência artística.

José Patrício formou-se em Sociologia pela Universidade Federal de Pernambuco, mas seu interesse pela arte vem de muito cedo, na metade dos anos 70, ainda adolescente, quando estudou na Escolinha de Arte do Recife. O artista pernambucano traz no currículo um número expressivo de mostras individuais e coletivas, tendo marcado presença em museus, galerias e salões de diversos estados brasileiros (Pernambuco, Bahia, São Paulo, Rio de Janeiro, Paraíba, Paraná, Brasília, Pará) e no exterior (Portugal, Alemanha, França, Porto Rico, Argentina, Venezuela, Estados Unidos). Sua obra também está presente em importantes coleções permanentes, como Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco (Olinda-PE), Fundação Nacional de Arte – Funarte (Rio de Janeiro), Museu de Arte de Brasília, Museu de Arte Assis Chateaubriand (Paraíba), Museu de Arte Moderna da Bahia, entre outros.

Em seu mezanino, a Galeria Nara Roesler apresenta a produção recente de Boi, pseudônimo de José Carlos Cezar Ferreira (Marília SP, 1944), com doze óleos sobre tela que remetem a temas urbanos. O artista pinta o que vê através da janela. Nos muitos anos em que morou em Mauá pintava a natureza, já, em São Paulo, sua paisagem se transforma em edifícios.

Boi é muito respeitado pelos artistas que, como ele, cursaram a Escola Brasil na década de 70, onde também foi professor. Segundo Agnaldo Farias, poucos tiveram a sorte de apreciar as escassas exposições públicas do artista, a sua maneira peculiar de representar paisagens, cenas variadas e até composições abstratas: economia cromática das telas, a equilibrada organização dos planos vermelhos, azuis e verdes, invariavelmente opacos e profundos, tratamento que podia se estender até mesmo aos amarelos que, de natural luminosos, viam-se esbatidos e travados. “Boi, artista de artistas, pintava a natureza ao mesmo tempo em que discorria sobre a natureza da pintura”, escreve.
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Trópico na Pinacoteca

A mesa-redonda pretende discutir a pertinência do modelo dos salões como meio de incentivo à produção emergente de artes plásticas.

Salões de arte funcionam por meio de inscrição e premiação de projetos enviados e analisados por um júri. Ganharam notoriedade na difusão da arte acadêmica, passando a ser questionados com o advento do modernismo. Em 1863, o Salão dos Recusados de Paris evidenciou o antagonismo entre a arte oficial e as vontades de ruptura. No entanto, hoje, no Brasil, dada a fragilidade das instituições públicas, o salão continua representando uma oportunidade de carreira.

A idéia do encontro consiste em pensar soluções de adequação do formato do salão para a realidade contemporânea. Quais são os motivos que continuam justificando sua existência? Que tipo de "premiação" poderia contemplar o reconhecimento do valor de uma jovem carreira artística? Será que sua periodicidade deve ser anual ou bienal?
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Edith Derdyk na Haim Chanin Fine Arts

Esta será a primeira exposição individual da artista paulistana Edith Derdyk numa galeria de Nova York, onde terá a oportunidade de apresentar ao circuito americano uma grande instalação de nome Declive, ocupando a sala principal da galeria. Esta instalação utilizará centenas de metros de linhas pretas de algodão grampeadas diretamente nas paredes do espaço expositivo, sustentando uma chapa de madeira (2,5 X 1,5 metros) que está numa posição inclinada (50 centímetros do chão), gerando uma situação movediça. A sobreposição e a aglomeração das linhas de algodão, que se entrecruzam no ar, vão construindo um preto imaterial que modula e modela o  espaço, provocando pulsações e distintas densidades ao olhar do observador.

A exposição também irá apresentar uma série de 8 desenhos e  7 gravuras em ponta seca, onde a linha se agrega ao plano de distintas maneiras: ora se aglutinando entre as superfícies das folhas transparentes do papel japonês, coladas e prensadas umas sobre as outras; ora as linhas gravadas no papel se recombinam através da utilização de diferentes matrizes que são repetidas e articuladas entre si, configurando uma continuidade descontínua.

Também serão apresentadas uma série de fotografias justapostas que são registros das instalações, fotografadas pela própria artista, criando uma outra condição para o sentido deste trabalho, pois as instalações têem uma natureza totalmente efêmera e fugidia.


Declive

NOEMI JAFFÉ
Escritora, professora de Literatura, Mestra em Poesia/USP

Dizem que se todas as pessoas da Terra resolvessem dar um passo para trás ao mesmo tempo, o planeta sairia de órbita. Isso é improvável. Todas as pessoas juntas, calculando uma média de 80 kg por pessoa, pesam cerca de 480 bilhões de quilogramas. O peso da terra foi estimado em seis sextilhões de toneladas. Mas não importa a veracidade da história.  Imaginar todas as pessoas, em todas as partes do mundo, na Nigéria e na Mongólia, parando ao mesmo tempo tudo o que fazem todos os dias, ir ao banheiro, escovar os dentes, fazer a bolsa de valores subir ou cair, descobrir uma nova droga para a cura do câncer, todas elas juntas dando um passo para trás, é muito bonito. E se não tira a terra de órbita, deveria tirar.

E por que é também tão impressionante saber que um pica-pau, agora de verdade, bicando lentamente uma grande árvore, é capaz de derrubá-la inteira?

E que fios enovelados, labirínticos, pretos, como pessoas falantes, mulheres fofoqueiras ou o silêncio do fazer puro, seguram um plano branco, pesado e pacífico?

Alguém poderia dizer: é a beleza da persistência e da paciência. Só assim o fraco derruba ou sustenta o forte.

Mas não é isso. Minhocas e ervas seguram sim uma montanha. O movimento segura o repouso. O inesperado pode sustentar o previsível.

O que nos atrai em Declive não é a paciência. É a mágica sem mágica. O leve do pássaro, certeiro, ou o leve da pluma, que flutua aleatória? O peso do chumbo, maciço, ou o peso do tempo, acumulado?

Se o plano está sus-penso, é porque sob (sous) sua pendência algo o mantém. No caso de Declive, com a delicadeza e a inteligência de minhocas que entram e saem, pessoas que dão um pequeno passo para trás na Jamaica ou na China, Edith grampeando fios que vão e vêm.

O que sustenta a suspensão íntegra, mas sempre por um triz, é também a tensão. O movimento sustenta o repouso, mas é na alternância do movimento que ele o mantém. O segredo da suspensão é o ponto que separa e une os fios ao plano. É por isso que nos sentimos seguros e sob ameaça. Seguros sob os fios, ameaçados pelo plano.

Não é à toa que fiar é também crer. É preciso não só saber o que vemos, mas é também preciso crer nos fios.
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