4º Prêmio Cultural Sérgio Motta
Inscrições até 18 de julho
http://www.premiosergiomotta.org.br

NESTA EDIÇÃO:
Emmanuel Nassar no CCBB, Rio de Janeiro
Exposições e debates na FUNARTE, Rio de Janeiro
Heterodoxia na Marta Traba, São Paulo
O Estatuto da Pintura na Arte Contemporânea no Santander Cultural, Porto Alegre
Instalação, Arte e Tecnologia, Claudia Schmacke fala na EBA, Salvador
Lançamento o ralador no Cordão da Bola Preta, Rio de Janeiro
Arte e Estado - e a dificuldade do novo por Patricia Canetti

A mostra tem caráter retrospectivo, apresentando um panorama da obra do artista que, sem sair de sua cidade, Belém do Pará, tem seu trabalho respeitado nos circuitos de arte nacional e internacional.

A exposição Emmanuel Nassar, a poesia da gambiarra vai ocupar as quatro salas do segundo andar e a rotunda do CCBB – Rio de Janeiro.

Nas salas C e D será apresentada a trajetória do artista, com obras de 1970 a 2003.

O conjunto reúne desde seus primeiros desenhos até as obras essenciais como “Recepcor”, “Arraial”, “Hollywood”, “Mãodrian”, e também a série negra , reportada à destruição da Amazônia e à instável situação brasileira, como: “Municípios em Chamas”, “Instabiles”, “Varamão “, “Serra”, além da instalação “Fachada”, realizada para a Bienal de São Paulo (1989).

Na sala B estará a instalação “Bandeiras”, realizada em 1998, apresentada no MAM-SP (Museu de Arte Moderna de São Paulo) e no MEP (Museu do Estado do Pará), inédita no Rio de Janeiro. A obra é um painel de bandeiras dos municípios do Estado do Pará, que estabelecem um diálogo riquíssimo com as pinturas de Nassar.

Na sala A será apresentado um conjunto de obras recentes e inéditas, realizadas sobre suporte fotográfico, desvendando o universo mágico das áreas suburbanas de Belém, através do olhar do artista.

Na rotunda, a instalação “Brasil em Chamas” documenta a performance realizada em 1997 em Diadema, SP: sobre um fundo de carvão vegetal, um grande Brasil desenhado com velas foi aceso pelo público. Ao queimar até o fim, as velas colocaram fogo no carvão, transformando tudo num grande braseiro.

Comemorando 25 anos de carreira artística, Emmanuel Nassar já participou dos mais importantes eventos de arte no Brasil e no exterior. Representou o Brasil na Bienal de Veneza em 1993, e recebeu o primeiro prêmio da Bienal de Pintura de Cuenca (Equador); realizou exposições individuais no Stedelijk Museum e na Pulitzer Art Gallery na Holanda e expõe regularmente nas galerias Ruta Correa, Barsikow, Nalepa e Thomas Zander, na Alemanha. No Brasil participou das 20ª e 24ª Bienais Internacionais de São Paulo e suas obras estiveram presentes nos Salões Nacionais da Funarte desde a sua 3ª edição. Anualmente realiza uma exposição individual e participa de exposições coletivas dentro e fora do Brasil.

A obra do paraense Emmanuel Nassar é uma bem-humorada metáfora da brasilidade, pois incorpora elementos da iconografia popular encontrada nos reclames cotidianos que vemos nas ruas, mercados e carrocinhas; as cores das casas das periferias urbanas; os desenhos dos barcos ribeirinhos; imagens de parques de diversões e os humores sarcásticos do dia-a-dia do país. Sua obra contrapõe a sabedoria do povo ao agressivo processo de globalização que invade a periferia das cidades amazônicas, e, entre a farsa e a ironia, o artista nos revela as engenhocas, os gatilhos, as gambiarras, as maquinações, que driblam a extrema pobreza cada vez mais confrontada com a extrema riqueza. "Tenho enorme prazer ao brincar com o limite entre o popular e o erudito, entre o real e o virtual, a figura e a geometria, a arte e a não-arte. Meu objetivo é articular uma coisa com a outra e não o de negar um desses lados ao confrontá-lo com seu oposto. Quero desmistificar e confundir saudavelmente os elementos que determinam um trabalho como ingênuo ou contemporâneo. O Brasil é talvez a única nação do planeta que contém o primeiro e o quinto mundo juntos e nossa maior tarefa é juntar essas duas pontas, é fazer coexistir a ilha de computadores da USP com a feira de Caruaru", declara Emmanuel.

A curadora da exposição, Denise Mattar, enfatiza que não se trata da estética do precário, mas da sua ética. “A retrospectiva irá apresentar o percurso do artista, demonstrando a coerência de sua obra que, num processo de releitura verdadeiramente antropofágico, nos devolve, saborosamente transformadas, as nossas raízes. Para mim a obra de Nassar está em algum ponto entre a poesia mágica de Gabriel Garcia Marquez e o humor de Almodóvar”, explica Denise.

Depois do Rio de Janeiro, a exposição Emmanuel Nassar, a poesia da gambiarra, seguirá para São Paulo, Brasília, Salvador e Belém do Pará.


Emmanuel Nassar – A Poesia da Gambiarra

DENISE MATTAR

Em 1992, Emmanuel Nassar participava da exposição Arte Amazonas, realizada dentro do contexto da conferência internacional sobre meio ambiente. Sua instalação simulava um transporte de animais selvagens, com caixas, grades, vara de domador e o tradicional círculo de fogo . Uma ironia sobre a situação da Amazônia, e do artista brasileiro, vistos pelo mundo quase como uma atração circense : “o animal numa jaula, exposto em praça pública, observado e avaliado pelos do lado de fora”

Não entendamos os “do lado de fora” apenas como os estrangeiros. A predominância econômica do eixo Rio/ São Paulo, e seu corolário, a predominância cultural, determinaram o surgimento de um sistema viciado, que, aos poucos, começa a mudar. De um lado criaram-se meios culturais regionais fechados em si mesmos, preservando os “valores regionais” e se sentindo ameaçados por qualquer proposta vinda “de fora”, e de outro, artistas lutando por sua “internacionalidade”, fugindo diante da possibilidade de sua obra ter qualquer “cor local”.

Lançando um olhar divertido e irônico a estas duas posições, Nassar, se situa num espaço único, o qual, se por um lado lhe garante uma admiração da crítica nacional e internacional, por outro o isola no circuito cultural brasileiro - tanto “do lado de dentro”, quanto “do lado de fora” - colocando-o, às vezes, na jaula - como um belo animal exótico.

Emmanuel Nassar questiona os limites entre a arte erudita e a arte popular. Seu olhar, repleto de humor, descobre o mundo colorido dos subúrbios de Belém, traduz a poesia dos "pedaços de flandres da decoração dos parques de diversões mambembes", e constata a curiosa semelhança que certos elementos populares têm com a “geometria sensível”.

Sua obra contrapõe a sabedoria do povo ao agressivo processo de globalização que invade a periferia das cidades amazônicas, e, entre a farsa e a ironia, o artista nos revela as engenhocas, os gatilhos, as gambiarras e as maquinações, que driblam a extrema pobreza cada vez mais confrontada com a extrema riqueza.

Não se trata da estética do precário, mas da sua ética.

A realização da exposição “Emmanuel Nassar – A poesia da gambiarra”, no Centro Cultural Banco do Brasil, do Rio e de Brasília, é uma rara oportunidade de ver o conjunto de seu trabalho, e, a proposta desta curadoria é, através da apresentação do percurso do artista, mostrar a coerência de sua obra, que num processo de releitura verdadeiramente antropofágico nos devolve, saborosamente transformadas, as nossas raízes.

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WALTON HOFFMANN

Heterodoxia : palavra de origem grega que significa “de opinião diferente”

Heterodoxia dá continuidade a um projeto que surgiu de uma conversa informal entre artistas, onde se discutiu a possibilidade de organizar e agilizar exposições que mostrassem, pelo país e América Latina, as múltiplas faces da sua produção contemporânea.

As poéticas diversificadas que aparecem nas últimas mostras internacionais , e a falta de ligação entre elas , são exemplos do momento da arte hoje em dia e também, estão presentes neste módulo em São Paulo. Assim, o artista pode exercer sua individualidade, escolhendo sua obra - sem uma preocupação imediata de contrariar aplicações racionais de curadoria - estando as exigências limitadas apenas ao espaço neutro da Galeria.

As discussões formais de padrões estéticos e a lógica do mercado, paradigmas da contemporaneidade, são deixados do lado de fora do espaço expositivo; gerando desta maneira, a possibilidade dos artistas integrarem um corpo único no elogio da própria diferença.

Na edição São Paulo estão representados 23 artistas de 13 estados brasileiros , de diferentes gerações e de projeção artística variada. Seus trabalhos possuem características fortemente marcadas pela individualidade e todos possuem lugar de destaque no cenário das artes plásticas.

A mostra é apresentada pela crítica de arte Daniela Vicentini, de Curitiba.


DANIELA VICENTINI

Não há uma curadoria nem uma idéia a nortear a escolha das obras expostas em Heterodoxia. Assim como não se reivindicam posições estéticas, pois muitos dos artistas nem mesmo se conhecem, apenas mostram juntos alguns de seus trabalhos. Artistas de diversas cidades, diferentes gerações e projeção artística variada vêm assim conformando – em Santiago, Buenos Aires, Florianópolis, Vitória, Rio de Janeiro, duas vezes em Curitiba e Brasília, e agora em São Paulo – uma fisionomia da cultura visual brasileira da atualidade, uma história.

O processo começou a partir de diferentes coletivas organizadas por curadores, depois os próprios artistas tomaram a tarefa de realizar as exposições. O projeto foi adquirindo uma feição informal e autônoma, passou a acontecer mobilizando sempre novas pessoas, artistas e consultores empenhados em mostras que se modificam em cada cidade. Nem sempre os mesmos nomes e as mesmas obras percorrem o continente e, de modo geral, os próprios artistas escolhem o que querem mostrar. Cada exposição poderia ser a última, mas sendo já um corpo e não apenas uma idéia ele parece sempre pedir um novo lugar e o projeto continua, dessa vez organizado por Divino Sobral, Shirley Paes Leme e Walton Hoffmann. Nada impede que desse corpo surjam outra vez projetos organizados por curadores.

O que realmente importa é a vontade de um diálogo sempre vivo: o corpo refaz-se a cada nova exposição, com novas coisas frente outras habitando diferentes espaços. O constante confronto coloca os trabalhos em permanente debate. E apenas com a presença renovada das obras descobrem-se sentidos, imprimem-se significados inusitados, põem-se em discussão valores estabelecidos. A exposição revela-se nessa sua multiplicidade como a experiência cognoscível que temos do mundo em que vivemos, uma realidade que se conforma modificando-se incessantemente, embora apareça sempre parcial aos nossos olhos. Se falamos de uma ação cultural em processo, trata-se, portanto, da configuração de uma fisionomia cambiante que se insinua na presença dos trabalhos de cada mostra.

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O século XX, desde sua segunda década, discutiu a “morte da pintura” com as manobras de Marcel Duchamp, as manifestações negativas do dadaísmo, o racionalismo do construtivismo russo, até recentes manifestações da arte contemporânea. A cada um desses capítulos, observamos a permanência da pintura e seu fortalecimento como prática artística determinante na orientação das principais questões estéticas dos últimos cem anos. Do cubismo ao neoplasticismo, do surrealismo ao expressionismo abstrato norte-americano, da pop art à transvanguarda das últimas décadas, a pintura manteve-se no centro da produção artística. O século XX não marcou, como alguns artistas e teóricos pensaram, o seu desaparecimento. Ao contrário, a cada “assassinato” da pintura, ela ressurgiu poderosa e presente como uma verdadeira bússola orientando os caminhos da arte.

Agora, na hipermodernidade, com a profusão dos novos mídias, na babel de linguagens contemporâneas, a pintura continua uma referência para a reflexão estética no Brasil e no mundo. Nesse território complexo, seu estatuto não pode ser mais aquele de uma época na qual, junto com a escultura, a pintura ocupava o lugar de paradigma da atividade artística. Hoje, a pintura e outros meios tradicionais dividem os espaços institucionais de igual para igual com a fotografia, os vídeos, as instalações e as performances. No ciclo de palestras e debates, partindo de um exame histórico, vai se interrogar sobre o lugar e o papel da pintura nesse mundo que se quer pós-moderno.

Programação:

22 de julho
O olhar distante - A historicidade da pintura defronte à cultura pós-moderna
Participantes: Blanca Brittes, professora da Universidade Federal do Rio Grande do Sul / UFRGS; Luiz Camillo Osório, crítico e professor de história da arte, Universidade do Rio de Janeiro / UniRio

29 de julho
Pintura e espaço - A reconstrução da espacialidade na pintura depois da revolução cubista
Participantes: Icléia Cattani, professora da Universidade Federal do Rio Grande do Sul / UFRGS; Luiz Renato Martins, crítico e professor de história da arte, Universidade de São Paulo / USP

5 de agosto
A pintura contemporânea e suas relações com os novos meios
Participantes: Vera Chaves Barcelos, artista plástica; Ligia Canongia, crítica e curadora independente, Rio de Janeiro

12 de agosto
Territórios em disputa - Pintura e novas linguagens na arte contemporânea
Participantes: Niúra Legramante Ribeiro, mestre em artes pela ECA / USP, professora de História da Arte no Atelier livre e Feevale; Maria da Glória Ferreira, crítica e professora de história da arte, Universidade Federal do Rio de Janeiro / UFRJ

19 de agosto
A diversidade da pintura contemporânea no Brasil e na América Latina
Participantes: Paulo Sergio Duarte; Agustín Arteaga, crítico e professor de história da arte, curador assistente do Jeu de Paume (Paris), curador da exposição Orozco na Bienal do Mercosul

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O ralador é o segundo número da revista editada pelos artistas Guga Ferraz e Roosivelt Pinheiro. A convite de ambos vinte e duas pessoas participam desta edição com tiragem de 1.000 exemplares, vinte e quatro páginas no formato 15 x 42 cm, capa 2/1 em papel off set de 150 g e miolo 1/1 em papel off set de 90 g.

A revista é a continuação do projeto “o ralador”, que tem por objetivo reunir pessoas de diversas procedências, artistas ou não, ampliando o intercâmbio entre os diferentes segmentos.

Os produtores:
Guga Ferraz e Roosivelt Pinheiro coordenaram junto com outros artistas os eventos: “Zona Franca” em 2001/2002 na Fundição Progresso, RJ; “Alfândega” no Armazém 5, Cais do Porto, com o apoio da RioArte em janeiro de 2003; participaram do “Atrocidades Maravilhosas”, proposta de intervenção urbana no Rio de Janeiro em 2000; “Grande Orlândia” em São Cristóvão, RJ, 2003; etc.

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Arte e Estado - e a dificuldade do novo

PATRICIA CANETTI

Fui encarregada de apresentar os debates da FUNARTE, que se iniciam na próxima semana, e a partir deste momento comecei a pensar neste embate e contexto; artistas e críticos dentro de uma instituição pública, historicamente importante para todos nós, amantes e/ou profissionais da arte, das mais variadas expressões, hoje órfãos dela, por esta ter sido lentamente esvaziada e paralisada no último governo; e um novo Ministério da Cultura que nos convoca a debater e nos incentiva ao diálogo. Diante da estranheza causada pela situação, e pelo vazio que esta me fez experimentar, fui socorrida pela arte de dois grandes artistas contemporâneos: Artur Barrio e Joseph Beuys.

Fui rever e reler alguns livros e textos, que me reavivaram as razões que me fizeram acessá-los neste momento em minha memória. Seus trabalhos que apontam para a dissolução entre arte e vida, reconhecendo o potencial criativo em qualquer matéria, meio ou indivíduo, vão sempre tratar de experiências, ações, e invenções na arte ao mesmo tempo estéticas, político-sociais, político-econômicas, político-ecológicas, que relacionam o papel individual do artista com as várias coletividades a sua volta.

Enquanto pensava nestes aspectos da arte contemporânea que me são particulamente caros, dei uns telefonemas para alguns dos debatedores para conversarmos sobre o que seria debatido. Foi surpreendente perceber que, com poucos minutos de conversa (mas afinal porque não conversamos mais?), já conseguimos tocar em pontos realmente nevrálgicos, como a fragilidade de nossas instituições que demonstra a nossa total falta de respeito a elas; tanto da parte dos governos, que são capazes levianamente de interromper programas e mudar diretrizes, como nossa, da sociedade civil, e profissionais envolvidos, que não somos capazes de uma mínima mobilização para defendê-las. Ao mesmo tempo nos perguntamos que espaço é esse que temos em nossas instituições, que liberdade elas nos oferecem para criar? Podemos também, neste momento, nos perguntar o que queremos da arte contemporânea, para poder saber o que queremos de nossas instituições. Podemos também nestes debates falar de como se dá o nosso sistema de produção, e perceber que ao contrário do que se passa em outros países, são as instituições brasileiras, e não as galerias, que vão garimpar e investir nos novos artistas. E podemos tentar pensar como estruturar melhor todo este sistema.

São muitas as coisas que temos para falar, mas parece sempre tão estranho ter de fazê-lo. Por que será? Estamos diante de uma situação bastante nova, esta proposição de diálogo vinda do próprio Estado, este novo governo que assume que não nos conhece muito, mas diz que para construirmos um mercado de arte mais potente e saudável, é preciso passar a conhecer; tudo isso pode causar uma estranheza muito grande, e é curioso, porque o estranhamento de que estamos falando, não vem da Arte, mas do Estado.

E como nós reagimos ao novo?

Para finalizar, vou traduzir um pedaço de uma entrevista do Beuys que achei na rede.

“Uma linha conectada e um pólo positivo e negativo, e os dois começam a trocar informação.”

Jörg Schellmann, Bernd Kluser:

O objeto Telephone T--------R (1974) parece ser uma forma primitiva da transmissão tecnológica da informação. Que conhecimento pode ser ganho em se referir de volta a esta forma original?

Joseph Beuys:

Bem, nenhum conhecimento de maneira direta. A arte não está aí para prover conhecimento diretamente. Ela produz percepções aprofundadas da experiência. Muito mais tem que acontecer, do que simples coisas compreendidas logicamente. A arte não é para ser simplesmente entendida, ou não teríamos necessidade dela, que poderia ser então apenas sentenças lógicas em forma de texto, por exemplo. Quando estamos considerando objetos, estamos falando mais no sentido de indicação ou sugestão.

Com as duas latas, eu peguei a forma mais infantil de comunicação, e as caracterizei com pólos positivo e negativo. Isso reforça que num sentido universal a comunicação tem que estar ali. A forma das latas tem que se estender, pois é somente assim que a coisa ganha significado. As latas sozinhas não podem oferecer isto. Elas apenas indicam um procedimento elementar: o conceito de transmissor e receptor... isso significa duas estações, ou de indivíduos, ou grupos de pessoas que estão conectados. Uma linha conectada e um pólo positivo e negativo, e os dois começam a trocar informação. Mas ainda não existe uma declaração do que uma teoria contemporânea da informação poderia ser. As latas não podem oferecer isso, mas elas podem estimular um ímpeto se uma pessoa intuitiva se aproximar delas. Mas não tem que ser assim. Outra pessoa poderia apenas ver as coisas, as duas latas, que de qualquer maneira não são piores do que uma escultura do Brancusi...

Joseph Beuys, "Questions to Joseph Beuys," entrevistado por Jörg Schellmann e Bernd Klüser, em Joseph Beuys: The Multiples, ed. Jörg Schellmann (Cambridge, Mass., Minneapolis, e Munich/New York: Busch-Reisinger Museum, Walker Art Center, e Edition Schellmann, 1977), 20.

VEJA O TEXTO ORIGINAL EM: http://www.walkerart.org/beuys/hyper/box01.html

Patricia Canetti é artista plástica e criadora do Canal Contemporâneo.

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